картина
Франсуа Буше. Темноволосая одалиска, 1743
Классическая живопись рококо, в частности, одного из самых ярких его представителей Франсуа Буше, всегда вызывала много вопросов и споров. При жизни художник пользовался невероятной популярностью, позже его начали критиковать за легкомысленность и фривольность, Дидро обвинял его в потакании вкусам низких сословий. Впрочем, вульгарности тогда было куда больше при дворе. Буше часто работал над заказами короля Людовика XV и его фаворитки маркизы де Помпадур, и его живопись называли зеркалом, отражающим французскую придворную жизнь.
Для картины *Светловолосая одалиска* Буше позировала 12-летняя любовница Людовика XV, 1752
Излюбленной темой мастера всю жизнь оставалась обнаженная женская натура, что приводило к частым обвинениям в распутстве и сластолюбии. Вряд ли эти претензии имели под собой почву – Буше был женат на женщине, которая была на 15 лет его моложе. Он в ней души не чаял, и она всегда оставалась для него идеалом женственности и красоты, что он неоднократно доказывал в своих работах.
Франсуа Буше. Купание Дианы, 1742
В 1734 г. Буше присудили почетное звание «живописца исторических сцен», что было равнозначно официальному признанию его принадлежности к художественной элите, в 1737 г. он стал профессором Академии живописи и скульптуры, а в 1765 г. – ее президентом. Тогда же он был удостоен титула «первого королевского живописца».
Франсуа Буше. Три грации, 1765
Геркулес и Омфала, ок. 1728–1731
Буше был частым гостем в Версале. В 1748 г. он начал работать для маркизы де Помпадур, от которой с тех пор поступали частые заказы. В 1752 г. она добилась для него разрешения жить и работать в Лувре. Помпадур была любовницей короля всего 5 лет, при этом ей удалось оставаться влиятельной персоной на протяжении десятилетий, до самой смерти Людовика XV. В ней сочетались противоположные качества: острый ум, образованность, дипломатичность – с одной стороны, тщеславие, деспотичность, цинизм – с другой. Она могла помогать художникам и писателям, а потом отправить их в тюрьму за критические высказывания в ее адрес. Буше умел ей угождать – на всех портретах с разницей в 9 лет у нее лицо 20-летней девушки.
Франсуа Буше. Маркиза де Помпадур, 1750 и 1756
Многие современники осуждали Буше за близость распутному высшему свету. Моралист Дени Дидро, считавший, что искусство должно обличать пороки и устрашать тиранов, обвинял Буше в безнравственности и вульгарности: «У него наблюдается извращение вкуса, колорита, композиции, характеров, воображения, рисунка – причем все это является следствием развращения нравов. Что такой живописец может запечатлеть на холсте? Только свои грязные фантазии. А какими еще могут быть фантазии человека, который большую часть своего времени проводит в обществе проституток самого низкого пошиба?»
Франсуа Буше. Маркиза де Помпадур, 1758 и 1759
Тем не менее, талант Буше был достаточно многогранным: он писал пейзажи, пасторали, портреты, картины на мифологические сюжеты, иллюстрации к книгам, эскизы парковых скульптур, гобеленов и театральных декораций, оформлял интерьеры дворцов. Но наибольшую популярность ему принесли скандально известные обнаженные одалиски.
Франсуа Буше. Триумф Венеры, 1740
Франсуа Буше. Туалет Венеры, 1749
Источник:
Когда речь заходит о живописи, воображение, как правило, рисует пасторали и величественные портреты. Но на самом деле изобразительное искусство многогранно. Бывало, что и из-под кисти великих художников выходили весьма неоднозначные картины, которые вряд ли кто-то захочет повесить у себя дома. В нашем обзоре 10 самых страшных картин известных художников.
1. Великий красный дракон и чудовище из моря. Уильям Блейк
Великий красный дракон и чудовище из моря.
Уильям Блейк сегодня известен своими гравюрами и романтической поэзией, но при жизни его практически не ценили. Гравюры и иллюстрации Блейка являются классикой романтического стиля, но сегодня рассмотрим серию акварельных картин Блейка, которые изображают большого красного дракона из книги Откровения. На данной картине изображен большой красный дракон, являющегося воплощением дьявола, который стоит на семиглавом звере в море.
2. Исследование портрета Иннокентия X работы Веласкеса. Френсис Бэкон
Исследование портрета Иннокентия X работы Веласкеса.
Фрэнсис Бэкон был одним из самых влиятельных художников 20-го века. Его картины, поражающие своей смелостью и мрачностью, продаются за миллионы долларов. При жизни Бэкон часто писал собственные интерпретации портрета Папы Иннокентия X. На оригинальной работе Веласкеса Папа Иннокентий X задумчиво взирает с холста, а Бэкон изобразил его кричащим.
3. Данте и Вергилий в аду. Адольф Вильям Бугро
Данте и Вергилий в аду.
Ад Данте, с его изображением страшных пыток, вдохновлял художников с момента публикации этого произведения. Бугро известен больше всего своими реалистическими изображениями классических сцен, но на этой картине изобразил круг ада, где самозванцы непрерывно борются, воруя личности друг друга посредством укуса.
4. Смерть Марата. Эдвард Мунк
Смерть Марата.
Эдвард Мунк является самым известным художником Норвегии. Его знаменитая картина «Крик», которая олицетворяет тоску, намертво въелась в сознание любого человека, которому небезразлично искусство. Марат был одним из ведущих политических лидеров Французской революции. Поскольку Марат страдал от болезни кожи, то он проводил большую часть дня в ванной, где и работал над своими произведениями. Именно там Марат и был убит Шарлоттой Корде. Смерть Марата изображал не один художник, но картина Мунка особенно реалистична и жестока.
5. Отрубленные головы. Теодор Жерико
Отрубленные головы.
Наиболее известной работой Жерико является «Плот Медузы» — огромная картина в романтическом стиле. Перед тем как создавать крупные произведения, Жерико писал «разминочные» картины, подобные «Отрубленным головам», для которых он использовал настоящие конечности и отрубленные головы. Подобный материал художник брал в моргах.
6. Искушение святого Антония. Маттиас Грюневальд
Искушение святого Антония.
Грюневальд часто рисовал религиозные образы в стиле средневековья, хотя он жил в эпоху Возрождения. Святой Антоний прошел несколько испытаний своей веры, во время того, как жил в пустыне. Согласно одной из легенд, Святой Антоний был убит демонами, живущими в пещере, но позже возродился и уничтожил их. Данная картина изображает святого Антония, который подвергся атаке демонов.
7. Натюрморт из масок. Эмиль Нольде
Натюрморт из масок.
Эмиль Нольде был одним из первых художников-экспрессионистов, хотя его славу вскоре затмили ряд других экспрессионистов, таких как Мунк. Сутью данного течения является искажение реальности, чтобы показать субъективную точку зрения. Эта картина была сделана художником после исследовании масок в Берлинском музее.
8. Сатурн, пожирающий своего сына. Франсиско Гойя
Сатурн, пожирающий своего сына.
В римских мифах, которые в значительной степени основаны на греческой мифологии, отец богов пожирал своих собственных детей, чтобы они никогда не свергли его с трона. Именно это акт убийства детей и изобразил Гойя. Картина не была предназначена для общественности, а была написана на стене дома художника вместе с несколькими другими мрачными картинами, известными под общим названием «Черная живопись».
9. Юдифь и Олоферн. Караваджо
Юдифь и Олоферн.
В Ветхом Завете есть история о смелой вдове Юдифь. Иудея подверглась атаке армии во главе с полководцем Олоферном. Юдифь вышла за городские стены и направилась в лагерь осаждающей город армии. Там она с помощью своей красоты соблазнила Олоферна. Когда полководец спал ночью пьяный, Юдифь отрезала ему голову. Эта сцена довольно популярна среди художников, но версия Караваджо особенно жуткая.
10. Сад земных наслаждений. Иероним Босх
Сад земных наслаждений.
Обычно Иероним Босх ассоциируется с фантастическими и религиозными картинами. «Сад земных наслаждений» представляет из себя триптих. На трех панелях картины соответственно изображены Сад Эдема и создание человечества, Сад земных наслаждений и Наказание за грехи, которые происходят в земном саду. Работы Босха являются одними из самых ужасных, но самых красивых работ в истории западного искусства.
Источник
«Парижское кафе» (1875). Фрагмент. Автор: Илья Репин.
2011 год стал знаковым для истории русской классической живописи. Впервые за практику мировых аукционов картина художника-классика вошла в топ-10 самых дорогостоящих русских классических произведений. На международных аукционных торгах дома Christie’s в Лондоне полотно Ильи Ефимовича Репина «Парижское кафе», побившее ценовой рекорд, было продано с молотка за 4 521 250 фунтов стерлингов (7 383 201 долларов).
Илья Репин. Автопортрет.
Предыстория создания и скандал, связанный с картиной «Парижское кафе»
В 1871 году при окончании Петербургской Академии художеств за полотно «Воскрешение дочери Иаира» Репин был награжден Большой золотой медалью Академии, получил звание первоклассного художника и право на шестилетнее обучение в Италии и Франции. И в качестве пенсионера от Академии он через два года с семьей отправляется в поездку, конечным пунктом которой будет Париж.
«Воскрешение дочери Иаира». Автор: Илья Репин.
Оказавшись в этом вожделенном городе, Репин был немного разочарован, не очень то увлекла старинная живопись русского художника, а вот новомодные течения в искусстве в полной мере его заинтересовали. И именно в Париже он путем экспериментов выработал индивидуальный творческий подход и свой почерк.
В качестве такого эксперимента и была картина «Парижское кафе», написанная в 1875 году, кардинально отличающаяся от предыдущих работ мастера и, которую живописец вопреки всем правилам Императорской Академии выставил весной того же года в парижском Салоне под названием «Кафе на бульваре (Le Cafе du Boulevard)». В те времена русским художникам, выехавшим от Академии художеств за границу, участие в Салонах категорически запрещалось.
«Парижское кафе».(1875). Автор: Илья Репин.
Появление же написанного в буржуазном духе «Парижского кафе» вызвало грандиозный скандал среди прогрессивной общественности России. Этот поступок живописца вызвал бурю критики и со стороны русских корифеев от искусства в сторону «несознательного» молодого автора, отошедшего от русской тематики и в сторону самого произведения. Художника обвинили в отсутствии национальной темы, так как все в России видели в нем исконно русского живописца, способного ярко отразить народный дух и его страдание: на тот момент еще свежа была память о его «Бурлаках на Волге»(1870-1873). А о сюжете самого полотна «Парижское кафе» и говорить было нечего: мастер изобразил либерально-раскрепощенное парижское общество, чуждое отечественному обывателю.
На самом же деле Илья Репин первым из русских художников, взял на себя смелость кинуть вызов самим европейским живописцам новомодных течений. Так, картина «Парижское кафе» была создана ранее нежели полотна французских мастеров Ренуара и Мане, с изображением групповых портретов отдыхающих парижан в кафе или барах, которые впоследствии стали классикой импрессионизма.
Работа над картиной. Прототипы главных героев «Парижского кафе»
С небывалым рвением художник работал над этим полотном, размеры которого составили 1,7 метра в высоту и 2,7 — в ширину. Но первоначально художник создал множество этюдов, написанных с натуры. При этом на натурщиков Илья Ефремович денег не жалел и ему очень часто приходилось приостанавливать работу из-за нехватки средств даже на еду.
«Парижского кафе». Фрагмент.
Композиция картины построена как мизансцена, где на первом плане изображена «красавица с соболиными бровями и вызывающе гордым видом», являющаяся центром полотна, вокруг которой развивается сюжет. На тщательно проработанном первом плане видим множество персонажей, занятых кто беседой, кто чтением. Но большая часть героев, как первого так и второго планов, обратила свой взор на фигуру пришедшей в кафе без сопровождения дамы.
Этюды главной героини.
Как известно с источников, Репин свое произведение неоднократно переделывал. Больше всего изменениям подверглась главная героиня полотна — дама с зонтиком, которая то вальяжно сидела на стуле, то робко стояла опираясь на тот же стул, как бы оглядываясь по сторонам.
«Парижское кафе». Фрагмент. / Анна Мари Луиза Дамьен. (1849-1911). Фото из журнала.
Но к моменту выставки в Салоне, автор все же даму усадил на стул и изобразил «ее дерзкой и красивой, гордой, знающей себе цену — этакая типичная парижская женщина легкого поведения».
Живописцу для этого образа позировала довольно знаменитая по тем временам звезда Парижа — певица, шансоньетка, примадонна парижского театра «Буфф-Паризьен» Анна Жюдик (Анна Мари Луиза Дамьен).
Анна Мари Луиза Дамьен (1849-1911).
К слову, именно Анна Жюдик стояла у истоков французского шансона и от нее пошел новый жанр театрализованной эстрадной песни. Звезда Парижа побывала на гастролях во многих странах, в том числе и в России и имела очень много поклонников. Видимо поэтому выбор влюбчивого Ильи Репина пал на эту даму.
«Парижское кафе». Фрагмент. / Жан-Леон Жером.
Это шедевральное полотно «передает блестящую, волнующую атмосферу городской жизни, которая напоминает театр, где все зрители и все актеры», работая над созданием которого художник тщательнейшим образом выбирал натурщиков. Среди них оказались знаменитости парижской богемы: критик, художник, романист, актриса. Так, мужчина в черном костюме и цилиндре, написанный в центральной части полотна — именитый французский художник Жан-Леон Жером.
«Парижское кафе». Катюль Мендес — французский поэт. Фрагмент.
По соседству за столиком видим посетителя кафе с сигарой. Это Катюль Мендес — известный французский поэт, романист, переводчик. Знаменит был тем, что все переводы стихотворений Пушкина, Лермонтова, Тютчева переведены на французский именно им.
«Кружка хорошего пива». (1873). Эдуард Мане. / «Парижское кафе». Эмиль Бело. Фрагмент.
У самого края полотна справа Репин усадил захмелевшего господина с бокалом пива, прототипом которого послужил профессиональный натурщик и художник Эмиль Бело. Он же на год раньше позировал скандально известному Эдуарду Мане. «A Good Glass of Beer» принесла большой успех автору.
«Парижское кафе». Англичанин и парижанин. Фрагмент.
Примечательны двое мужчин, выходящих из кафе, у которых разная реакция на происходящее: один — коренной парижанин, не удивляющийся никому и ничему, а вот второй, по всей видимости — чопорный англичанин, пристально рассматривающий даму через пенсне, не веря своим глазам.
«Парижское кафе». Мужчина, читающий газету. Фрагмент полотна. «Парижское кафе».
А вот кто был избран в качестве натурщика для фигуры мужчины, невозмутимо читающего прессу, до сих пор исследователям творчества Репина не известно.
Этюды к полотну «Парижское кафе».
Всего к «Парижскому кафе» Репин написал двенадцать этюдов, лишь пять из которых хранятся в России. Полотно писалось около года, так как художнику приходилось делать длительные перерывы, связанные с отсутствием денег даже к существованию.
Этюд к полотну «Парижское кафе».
Судьба полотна «Парижское кафе»
На главной выставке парижского Салона в 1875 году эта картина в буквальном смысле затерялось среди пяти тысяч других таких же, так как у русского художника не было нужных связей, позволивших выставить работу на более «выгодное место». Оно висело так высоко, что рассмотреть его было практически невозможным. Но по истечению трех дней «Парижским кафе» не на шутку был заинтересован один американец — вице-консул из США. Однако Илья Репин слишком высоко оценил свою работу и сделка сорвалась. Он решил: «… что за дешево он ее и в России продаст».
Свыше 40 лет эта картина пылилась в мастерской художника, пока в 1916 году не нашелся на нее покупатель — шведский коллекционер Монсон из Стокгольма, хороший знакомый и ценитель творчества Репина. С того времени полотно на арт-рынке в 2011 году появится впервые. А выставит его на продажу правнук того заядлого коллекционера «репинских» работ.
Международные аукционные торги дома Christie’s в Лондоне. 2011 год.
Бесспорным лидером «Русских торгов» аукциона Christie’s, прошедшим в 2011 году, было это гениальное творение Ильи Репина, проданное в 1,5 раза дороже первоначально заявленной оценочной стоимости.
«Явление Христа народу». (1837-1957). Фрагмент. Автор: Александр Иванов.
Иванов Александр Андреевич (1806 — 1858) в самом начале своей творческой карьеры написал несколько полотен на библейскую тематику. А остальные более двадцати лет он посвятил лишь одному полотну, сюжет для которого позаимствовал в Евангелии. Художник искренне рассчитывал, что его грандиозная работа «Явление Христа народу», в которую он вложил пол жизни, произведет фурор среди современников, критиков и потомков. Но, увы, картина потерпела фиаско.
Иванов Александр Андреевич — русский художник.
Будучи рожденным в 1806 году в семье живописца Андрея Ивановича Иванова, Александру как бы на роду было написано стать художником. Мальчик, с раннего детства подрастая в атмосфере любви к искусству, уже в одиннадцать лет станет «посторонним» учеником в Императорской Академии художеств, где под руководством отца начнет осваивать азы классической живописи. В процессе учебы были на счету молодого художника и серебряные медали и золотые и поездка в Европу за особые успехи. И вместо планируемых трех лет за границей Иванов прожил на чужбине тридцать три года.
«Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения». (1835).
В Италии, ознакомившись с работами великих мастеров эпохи Возрождения, Иванов увлекся религиозными сюжетами и досконально начал изучать Священное Писание, а в особенности Новый Завет. Художника манила идея написать на огромном полотне первое явление Мессии народу. Но изначально, решив испробовать свое мастерство на менее масштабной картине, он напишет в 1834—1835 годах «Явление воскресшего Христа Марии Магдалине», которая будет иметь колоссальный успех в Италии и в России. Академия художеств за это полотно в 1836 году удостоит Иванова звания академика.
«Явление Христа народу». (1837-1957). Автор: Александр Иванов.
Успех вдохновил мастера и он безотлагательно взялся за «Явление Христа народу». Кропотливый труд живописца затянулся более чем на 20 лет (1837—1857), и только в мае 1858 года Иванов решает везти гигантское полотно в Санкт-Петербург. Выставка картины и всех этюдов с натуры, а было их около 600, проводилась в Академии Художеств и произвела противоречивое впечатление на посетителей.
Надгробный памятник А.А. Иванова.
Получилось так, что все кто интересовался живописью и наблюдали за творчеством
Иванова — ожидали большего. И поговаривали, что эскизы к картине были намного впечатляющими. Остальные же зрители не прочувствовали значимости и величия момента, так как в то время бурно шло обсуждение грядущей отмены крепостного права и как-то было ни до Христа, ни до его явления. А некоторых больше впечатлил Иоанн Креститель нежели сам Мессия.
На фоне всеобщего непонимания и критических замечаний жизнь художника закончилась трагически вскоре после презентации полотна. Многие склонны были считать, что здоровье мастера подорвали стрессы из-за критики современников. А некоторые мистически настроенные приписывали это тому, что «автор сделал свое дело — автор может уходить». Скончался А.А. Иванов в июне 1858 года от холеры, захоронен в Санкт-Петербурге.
«Явление Христа народу». (1837-1957). Автор: Александр Иванов.
Спустя несколько часов после смерти живописца это грандиозное творение приобрел император Александр II за пятнадцать тысяч рублей, отдав распоряжение соорудить для него павильон в Румянцевском музее. А все эскизы выкупил Павел Третьяков. После революции 1917 года в 20-х «Явление Христа народу» было перенесено в Третьяковскую галерею, где был специально для картины построен выставочный зал.
«Явление Христа народу» (1837 — 1857) — зашифрованное послание современникам
Это полотно — Евангелие на холсте, художник замыслил как масштабное творение и выбрал для него соответствующие размеры: более пяти с половиной метров в высоту и семь — в длину. На таком гигантском полотне мастер задумал «донести до зрителя всю мощь и силу веры в деяния и слова Божьи».
Александр Андреевич с фанатизмом продумал все детали будущей работы, на одну только подготовку к которой ушло три года. Он изучал Евангелие, археологические изыскания о Палестине, объездил всю Италию в поисках нужного вида, легшего в основу полотна; посетил множество храмов и синагог разыскивая типажи исконных иудеев для натуры. Мастер написал огромное множество этюдов, эскизов и зарисовок.
На первый взгляд картина впечатляет многолюдностью и многоплановостью композиции, где автором задумано два композиционных центра, вокруг которых развивается сюжет: на первом плане — Иоанн Креститель, на втором — Мессия. И взором, переходя от образа к образу, наблюдаем за происходящим на полотне событием: появление Христа в момент крещения Иоанном Предтечей иудеев, поверивших в Спасителя, в реке Иордан.
«Иоанн Креститель и апостолы». Фрагмент.
Иоанн, за спиной которого видим апостолов Иоанна Богослова, Петра, Андрея Первозванного, увидев Христа, указывает на него движением руки. И многие из присутствующих устремили свои взоры на одинокую фигуру, идущую по пустыне. Спаситель является народу как чудо, которое предрек праведный Иоанн. Чудо которое должно было произвести коренные перемены в жизни человечества.
«Христос». Фрагмент
Полотно наполнено большим количеством образов, противоречиво настроенных к происходящему: одни с верой и восхищением, другие с испугом и ненавистью, третьи с неподдельным интересом. Художник показал ни одного безразличного лица, все подчинены единому порыву.
«Римские кавалеристы» Фрагмент.
«Дрожащие». Фрагмент.
«Раб и господин». Фрагмент.
В центре — богатый, услышав о пришествии Мессии отшатнулся от Христа, и его обрадованный раб, о котором Иванов скажет: «Сквозь привычное страдание впервые появилась отрада».
«Старик и юноша». Фрагмент.
Образы юноши и старика внизу картины слева, выходящих из воды, как аллегория Древнего Израиля и Израиля после пришествия Иисуса, как соотношение молодого и зрелого, старого и нового. Это образы непрекращающейся жизни.
«Книжники и фарисеи». Фрагмент.
Интересны образы фарисеев и книжников, хранящих Закон, от лиц которых сквозит холодом, злобой, завистью пренебрежением и осуждением.
«Ближайший ко Христу». Фрагмент.
Как было сказано выше, типажи для своего творения живописец собирал годами. Так, для образа одного из героев полотна позировал сам Николай Гоголь, известный своей набожностью. Он то и вдохновил художника на создание образа темноволосого мужчины, ближайшего ко Христу.
«Мужчина с посохом». Фрагмент.
В образе мужчины в серой шляпе с посохом, что невдалеке от Иоанна Крестителя, художник запечатлел себя. По давней традиции живописцы часто писали свои образы в картинах такого плана. Иванов также не упустил такого случая и изобразил себя в качестве ученика Иоанна Крестителя, путешествующего вместе с праведником и апостолами по миру.
«Люди за деревьями. Фрагмент».
Энергетическая мощь гениального творения Александра Иванова
Давно известно, что любое творение рук человеческих несет в себе энергетическое биополе, воздействующее на окружающих. Так, исследовав биолокационным методом «Явление Христа народу», ученые заявили, что это произведение несет в себе мощнейшую положительную биоэнергетику, что относится и ко всем остальным работам мастера.
«Явление Христа народу». Фрагмент. Автор: Александр Иванов.
Исследование показало, что «…радиус биополя Иисуса составляет восемь метров, Иоанна Креститетя — пять, а всех остальных персонажей намного меньше. И это при том, что фигура Христа почти в три раза меньше чем все остальные образы, изображенные на холсте.»
Источник:
Слепые (Притча о слепых). Питер Брейгель Старший, 1568 год.
«Слепые» — одна из самых знаковых картин Питера Брейгеля Старшего. Считается, что она основана на одной из библейских притч, которая гласит: «Если слепой ведёт слепого, то оба они упадут в яму». Как и практически во всех остальных полотнах художника, в этой тоже скрыта аллегория, а какая именно – разберем далее в статье.
Портрет Брейгеля. Доминик Лампсоний, 1572 год.
Картина «Слепые» была написана в 1568 году. На ней изображена вереница слепых людей, которые уверенно шагают по дороге прямиком в яму. Первые уже упали, и остальных ждет та же участь. В основе сюжета заложена библейская притча, в которой говорится: «Если слепой ведёт слепого, то оба они упадут в яму». Смысл притчи, как всегда, читается между строк. Слепые – это не те, у кого отсутствует зрение, а те, кто следует за кем-то, слепо ему веруя.
Слепые (Притча о слепых).
Стоит отметить, что идея написания картины пришла в голову художнику неспроста. В те времена его родная страна Нидерланды попала в зависимость от испанцев во главе с герцогом Альба. Под предлогом борьбы с еретиками было уничтожено бесчисленное количество простых людей. Несогласных с новым режимом быстро ликвидировали, а остальные стали слепо подчиняться новым властям.
Слепые (Притча о слепых). Фрагмент.
Если обратить внимание на лица слепых на картине, то все они намеренно искажены. И это не потому, что автор предвзято относился к увечным. Каждый из действующих лиц олицетворяет собой пороки человечества – жадность, злобу, жестокость, лживость, лицемерие, похоть. Именно они застилают глаза человеку и направляют его в «ямы» духовной безнравственности.
Слепые (Притча о слепых). Фрагмент.
Источник:
Новая Москва. Ю. Пименов, 1937 год.
Вторая половина 1930-х годов проходила под слоганами строительства светлого будущего. Молодые художники, проникаясь этими возвышенными идеями, охотно писали картины, которые соответствовали духу времени. «Новая Москва» Юрия Пименова – одна из них. Девушка за рулем автомобиля – это настоящий вызов для тех времен, да и вся композиция картины – символ не только новой Москвы, но и новой жизни.
Юрий Пименов — советский художник.
В год, когда была написана картина, Москву уже вовсю перестраивали, реконструировали. Улицы расширяли, единичные исторические постройки передвигали вглубь кварталов, а остальное нещадно рушили. На месте этой «градостроительной мясорубки» воздвигались здания, которые четко соответствовали социалистическому облику столицы.
Юрий Пименов принадлежал к тем художникам, которые считали, что нужно запечатлеть «прекрасное мгновение», образ-впечатление, при этом вписывая его в современную действительность. Одну из самых известных картин Пименова «Новая Москва» (1937) в советское время относили к соцреализму, но если быть объективными, то она больше тяготела к импрессионизму.
Новая Москва. Ю. Пименов, 1937 год.
На первом плане в картине девушка, управляющая автомобилем. Далее видны новые постройки Москвы, снующие люди, другие автомобили. Жизнь бурлит. Необычный ракурс делает полотно похожим на фотографию. Это было в некоторой степени новаторством, т. к. до Пименова никто не писал подобных картин.
В этой картине использованы яркие краски, прослеживается мастерское сочетание холодных и теплых тонов, создается ощущение абсолютной чистоты.
Новая Москва. Третьяковская галерея.
Если обратиться к символам, то все внимание сконцентрировано на близком плане, а не на горизонте. Если спроецировать это в советскую реальность того времени, то линия горизонта – это тема будущего, а изображенная близко девушка – это комплекс первостепенных задач, которые нужно решать здесь и сейчас. Свойственная Советам монументальность поставленных задач прекрасно прослеживается в новостройках на картине.
Многие искусствоведы задумываются, не была ли «Новая Москва» обычной пропагандистской картиной, идеализирующей советскую действительность 1930-х годов, когда сотни тысяч людей подвергались репрессиям.
Однако молодые художники того времени и сами верили в то, что вскоре наступит светлое будущее, и переносили свои мечтания на холст.
Фронтовая дорога. Ю. Пименов, 1944 год.
«Качели» считаются самым знаменитым полотном художника Жана-Оноре Фрагонара. Изысканная фривольность, тщательно выписанная композиция, игривый сюжет – все это наилучшим образом отображает романтическое настроение эпохи рококо.
Более того, история этой «пикантной» картины начиналась в еще более пикантном месте.
Вдохновение. Автопортрет. Ж.-О. Фрагонар, 1769 год. |
Заказчиком картины стал один из самых состоятельных людей Франции барон Сен-Жюльен. Как-то раз он пригласил в свою «холостяцкую квартиру» известного художника Габриеля Франсуа Дуайена, только-только выставившего в Салоне свое полотно «Чудо в часовне Святой Женевьевы». Когда живописец прибыл на месте, он немного смутился, увидев на кровати любовницу барона.
Сен-Жюльен без тени смущения начал разговор, указывая на красавицу: «Я хотел бы, чтобы Вы изобразили мадам на качелях, которые раскачивает епископ. А меня вы поместите таким образом, чтобы мне были видны ножки этого прелестного создания; и чем более Вы захотите внести веселости в это произведение, тем будет лучше».
Качели. Фрагмент.
В следующее мгновение Дуайен потерял дар речи. Как ему, столь уважаемому живописцу, предлагают писать такие непристойности! Потом художник начал фантазировать: «На картине можно изобразить туфельку, слетевшую с ножки мадам». Затем художник быстро взял в себя в руки и вышел вон.
Качели. Фрагмент.
Спустя немного времени, художнику пришла в голову дерзкая мысль – переадресовать заказчика Жану-Оноре Фрагонару. Дуайен завидовал успеху своего коллеги и считал, что картины Фрагонара слишком легкомысленны. Направляя к нему Сен-Жюльена, Дуайен хотел тем самым показать свое высокомерие. Однако, как теперь известно, картина стала невероятно популярной.
Правда, в первое время заказчик не хотел ее афишировать, но потом в адрес Фрагонара посыпалась восторженная похвала, а Дуайену только и оставалось, что кусать локти от досады.
Качели. Фрагмент.
Источник:
Корзина с фруктами. Джузеппе Арчимбольдо , 1590 год.
Современные художники очень любят использовать в своем творчестве прием оптической иллюзии. Удивительно наблюдать, как за одним сюжетом раскрывается другой. Если оглянуться в прошлое, то у именитых художников также можно отыскать полотна, заставляющие людей глядеть на них дважды.
Камера дельи Спози
Камера дельи Спози. Андреа Мантеньи, 1465—1474 гг.
Занимаясь росписью замка Палаццо Дукале, итальянский художник Андреа Мантеньи особое внимание уделил потолку (плафону) помещения под названием Камера дельи Спози. Мастер нарисовал отверстие, сквозь который виден небосвод. Притом, что от пола до потолка не более 7 метров, умелая и продуманная перспектива создает иллюзию невероятной высоты плафона.
Корзина с фруктами
Корзина с фруктами. Джузеппе Арчимбольдо , 1590 год.
Творчество Джузеппе Арчимбольдо можно назвать революционным для XVI века. Композиции из цветов, фруктов и овощей художник «складывал» в потрясающие портреты. Отдельного внимания заслуживает его серия «Перевертыши», а именно картина «Корзина с фруктами». На первый взгляд кажется, что на полотне изображена обычная корзина с фруктами, но стоит перевернуть картину на 180 градусов, и перед зрителями возникает мужская голова.
Все суета
All is Vanity. Чарльз Аллан Гилберт. 1892 г.
Художник Чарльз Аллан Гилберт удивил общественность своей картиной «All is Vanity». На полотне изображена женщина, любующаяся своим отражением в зеркале. Достаточно тривиальный сюжет, если бы не одно «но». Если смотреть на картину на расстоянии, то туалетный столик и отражение дамы складываются в пугающий череп. Название картины представляет собой игру слов. Vanity с английского означает «суета», «тщеславие», «туалетный столик», поэтому название картины можно растолковать и как «Все безделушки с туалетного столика» и «Все тщетно». Последним автор намекает на недолговечность женской красоты.
Рисующие руки
Рисующие руки. Мауриц Эшер, 1948 г.
На сегодняшний день гиперреалистичными картинами уже никого не удивишь, а вот в 1948 году литография «Рисующие руки» голландского художника Маурица Эшера вызвала бурный восторг у публики. Мастер прославился созданием оптических иллюзий, образующих головоломки. Его видение пространства в корне не совпадало с общепринятыми канонами, а от этого вызывало неоднозначную реакцию у зрителей.
Галатея со сферами
Галатея со сферами. Сальвадор Дали, 1952 г.
Говоря об иллюзиях и экстраординарном творчестве, нельзя не упомянуть Сальвадора Дали. В период увлечения ядерной физикой, художник создал полотно «Галатея со сферами». Образ Галатеи (Галы – супруги Дали) складывается из множества планет, уходящих вдаль. Симметричность сфер придает картине 3D-эффект, кажется, что картина выпуклая.
Источник:
В России картина «Американская Готика» практически неизвестна, а между тем в Америке она является поистине национальной достопримечательностью. Написанная в 1930 году художником Грантом Вудом, она до сих пор будоражит умы и является объектом многочисленных пародий. А началось все с маленького домика и необычного окошка в готическом стиле…
Художник Грант Вуд. Автопортрет
Американский художник Грант Вуд родился и вырос в штате Айова, писал он реалистичные, местами утрированные, портреты и пейзажи, посвященные простым американцам, сельским жителям Среднего Запада, выполненные с невероятной точностью до мельчайших деталей.
А началось все с маленького белого сельского домика, с остроконечной крышей и готическим окном, в котором, судя по всему, проживала семья небогатых фермеров.
Этот простой домик в городе Элдон, на Юге Айовы, настолько впечатлил художника и напомнил ему детские годы, что он решил нарисовать его, а заодно и тех американцев, которые, по его представлениям, могли в нем жить.
Картина «Американская Готика»
Сама картина совершенно незамысловата. На переднем плане на фоне дома изображены пожилой фермер с вилами и его дочь в строгом пуританском платье, в качестве моделей художник выбрал знакомого 62-летнего зубного врача Байрона МакКиби и свою 30-летнюю дочь Нэн. Для Вуда это картина была воспоминанием о детстве, тоже проведенном на ферме, поэтому некоторые личные вещи своих персонажей (очки, передник и брошь) он намеренно изобразил старомодными, такими, какими помнил их с детства.
Совершенно неожиданно для автора картина выиграла на конкурсе в Чикаго, и после того, как ее опубликовали в газетах, Грант Вуд сразу стал знаменитым, но не в хорошем смысле слова, а наоборот. Его картина не оставила равнодушным ни одного человека, который ее увидел, и реакция у всех была крайне негативной и возмущенной. Виной тому были главные герои картины, олицетворявшие, по замыслу художника, простых сельских жителей американской глубинки. Слишком уж грубыми и непривлекательными выглядели угрожающего вида фермер с тяжелым взглядом и его дочь, полная обиды и возмущения.
«Советую повесить этот портрет на одной из наших добрых сыроварен Айовы, — иронизировала в письме в газету жена одного из фермеров. — От выражения лица этой женщины определенно будет скисать молоко».
Детей же эта картина по-настоящему пугала, они боялись страшного дедушку с жуткими вилами, полагая, что на чердаке своего дома он спрятал труп.
Вуд не раз говорил, что в его картине нет ни насмешки, ни сатиры, ни зловещего подтекста, а вилы просто символизируют тяжелый фермерский труд. Зачем было ему, выросшему в сельской глубинке, любящему ее природу и людей, смеяться над ее жителями?
Но, несмотря на бесконечную критику и негативное отношение, картина Вуда становилась все популярнее. А в годы Великой депрессии она даже стала символизировать национальный непоколебимый дух и мужественность.
Модели, изображенные Грантом Вудом, фотографируются у картины
А домик, изображенный на картине, сделал знаменитым небольшой городок Элдон, в котором проживает всего около тысячи человек. Взглянуть и сфотографироваться около него приезжают туристы со всего света.
Знаменитый дом
Памятник «Американской готике» в Чикаго
В конце 20 — начале 21 века вновь резко возрос интерес к этой картине, породивший огромное количество пародий на нее. Здесь и насмешки с использованием черного юмора, и пародии на известных персонажей с подменой главных героев картины, их одежды или заднего плана, на фоне которого они изображены.
Вот лишь некоторые из них:
Эволюция американского общества
Источник:
Фрагмент полотна «Мистерия XX века». Автор: И.С.Глазунов.
Написанная в 1977 году Ильёй Глазуновым картина «Мистерия XX века» должна была стать главным экспонатом, готовящейся выставки в зале Союза художников на Кузнецком мосту в Москве. Но полотно это вызвало эффект взрыва атомной бомбы. Идеологическая цензура, которая свирепствовала в то время в СССР, настоятельно требовала от автора снять «крамольную» картину с экспозиции. На что Глазунов ответил отказом, рискуя при этом не только карьерой, но и головой. О том, как сложилась судьба «Мистерии XX века» и ее автора, и пойдёт речь в этом обзоре.
Итак, выставка так и не была открыта, а самого художника спасла от выдворения из страны, всего лишь одна лишняя поднятая рука, перевесившая в голосовании на заседании ЦК партии.
«Не совсем понятно, – недоумевал корреспондент газеты «International New York Times», посетивший тогда мастерскую художника, – зачем понадобилось Глазунову рисковать своим трудно заработанным успехом, посвятив два года своей жизни написанию монументальной работы, пока не принесшей ему ничего, кроме официального порицания».
Неугодному художнику был вынесен строжайший вердикт: выехать в Сибирь на БАМ, писать портреты передовиков строительства. Но несостоявшийся показ картины широкой публике не стал препятствием для популярности крамольного полотна. Запрет лишь подогрел интерес желающих увидеть ее. Фото этой картины очень быстро распространились по всему Союзу.
Художник Илья Глазунов
А на рубеже 70-80 годов Глазунов был приглашен руководством Берлинского театра в качестве художника-постановщика оперы Бородина «Князь Игорь». Пользуясь случаем, Илья Сергеевич втайне вывез «Мистерию XX века» из Советского Союза в Германию. Вместе с эскизами декораций в Германию поехало и полотно размерами шесть на три, свернутое в огромный свиток. Живописец боялся, что его «мистерию» постигнет участь картин неугодных властям художников — полотна бывало сжигали прямо в мастерских.
Декорации к опере Бородина «Князь Игорь». 1980год.
«Мистерию XX века» сразу начали выставлять в разных галереях Германии. Иностранные журналы запестрели заголовками: «Картина, которую никогда не увидят русские». На предложение одного из коллекционеров Гамбурга купить «Мистерию ХХ века», Глазунов после долгого размышления ответил согласием.
Но в Россию картина всё же попала. Прошло более 10 лет, и в 1988 году первый вариант картины был выставлен в московском Доме молодежи. Выставка имела ошеломительный успех: люди выстраивались в многотысячные очереди, чтобы увидеть легендарное полотно. Второй вариант «Мистерии ХХ века» Глазунов написал в начале 2000-х. Размер новой картины был восемь на три – художник дописал послеперестроечные эпохальные события и главных действующих лиц.
Подтекст и крамола
Фрагмент полотна «Мистерия XX века». (Христос над историей ХХ века, а у подножия маленький земной шар, разыгрываемый главными игроками истории). Автор: И.С.Глазунов.
Мистерия (от латинского «церемония») — это жанр средневекового театрализованного представления, основанный на религиозных мотивах. Сюжеты для мистерии средневековые лицедеи брали с Библии и «наполняли» комическими сценками, взятыми с жизни. Вот и Глазунов разыграл на своем полотне целое театрализованное представление со знакомыми всем событиями и персонажами, которые сломали судьбы народов и наций и довели землян до апокалипсиса за последние 100 лет.
Творцы исторических событий – вожди и правители стран, выступают в главных ролях этой застывшей трагедии. Зритель словно попадает в подземное царство оживших мертвецов. Картина насчитывает 2342 образа и символа, имеющих свою роль в исторической мистерии.
В самом центре над этим всем хаосом — Христос, занесший руку для благословения. Нижняя левая часть полотна подсвечена ярким свечением пролитой алой крови, а правая ядерным взрывом.
Фрагмент полотна «Мистерия XX века».(И.Глазунов, Л.Толстой, П.Столыпин, Николай-II, Г.Распутин, М.Горький, Л.Троцкий, В.Ленин в бронзе). Автор И.С.Глазунов.
Исторические события мистерии начинают развиваться линейно с левого угла картины: царь, держащий на руках убитого сына, его приближенные, разгром церквей, свергнутый герб — всё это символы падения великой империи. Над ними вождь в бронзе – указывающий путь в «светлое» будущее.
Фрагмент полотна «Мистерия XX века». ( А.Эйнштейн, Э.Хемингуэй, Л.Армстронг, Ч.Чаплин, И.Сталин, У.Черчилль, Ф.Рузвельт, Б.Муссолини, А.Гитлер, М.Цзэдун). Автор: И.С.Глазунов.
Ближе к центру лежащий на кровавом одре «отец всех народов» — как символ утонувшего в крови Советского Союза. Рядом с ним совсем не скорбящие союзники. А над похоронной процессией возвышается торжествующий нацизм. Парадокс? Да! Но подводя итоги ХХ столетия понимаем, смысл того, что хотел сказать автор в конце 70-х годов. Глазунов еще тогда предрекал развал Союза и торжество западной идеологии.
Фрагмент полотна «Мистерия XX века». ( Римский Папа — Пий ХХII, Н.Хрущев, М.Ганди, Э.Че Гевара, Ф.Кастро, М.Цзэдун, Д.Кеннеди, группа «Битлз»). Автор: И.С.Глазунов.
В нижней центральной части полотна: писатели, поэты, ученые, артисты – своим трудом и творчеством принимающие непосредственное участие в борьбе двух враждующих лагерей.
Фрагмент полотна «Мистерия XX века». ( А.Солженицын, М.Тэтчер, Л.Брежнев, Ю. Андропов, М.Горбачев, Р.Горбачева, М.Монро, Б.Ельцин). Автор: И.С.Глазунов.
Все генсеки ЦК, их соратники по соцлагерю, и, конечно, первый президент России, приветствуемый ликующим народом, а также правители и политические деятели, до некоторого времени, враждебных стран… Все эти герои — главные действующие лица трагической мистерии, приложившие руку к падению великой империи, забвению религии, уничтожению миллионов человеческих жизней, развалу великой страны, продвижению нацизма. Они то и закатили земной шарик, изображенный в виде мяча, в нищету, в сексуальный разврат, бездуховность, угрозу ядерной войны и террористических актов. И не сложно догадаться какая идеология взяла верх в этом жестоком противостоянии.
Фрагмент полотна «Мистерия XX века».( М.Горбачев, Б.Ельцин, Б.Клинтон, И.Глазунов). Автор: И.С.Глазунов.
Художник разыграл на своем полотне мистерию не как драму, а как трагедию, угрожающую всему человечеству. На авансцене по двум сторонам этого театрального действия автор изобразил два своих автопортрета, чем показал свою причастность и ответственность за апокалипсис, разворачивающийся на планете. Зеркало, которое он поддерживает рукой, как отражение каждого из нас — мы также в ответе перед историей.
Гений Ильи Глазунова как творца
Илья Глазунов.
Вся сила творчества Глазунова в том, что он «затронул за живое» массового зрителя, откликнулся на его проблемы и запросы, дав ему то самое искусство, которое все ждали много лет.
«Такой фантастической репутации не было ни у кого из русских живописцев. И даже ни у кого из советских. В 60-70-80-е годы Глазунова дружно ненавидели коллеги-профессионалы, и художники, и искусствоведы. Причем все, и правые, и левые… Публика — или, скажем, массовая публика — боготворила. До сих пор помню очередь, вьющуюся кольцами вокруг Манежа на его выставку. Феерическое зрелище…»,- эти слова публициста Дмитрия Хмельницкого четко дают определение художнику и его творчеству.
И действительно никогда ни в Москве, ни в Ленинграде не собирались многотысячные очереди на выставки художников. И даже когда привозили Ган Гога или «Джоконду» не рвались такие толпы людей, как на выставки Глазунова.
Полотно «Моя жизнь» (1994). Автор: И.С.Глазунов
Личная жизнь художника не менее скандальна, чем и творческая. Она всегда вызывала большой интерес и среди поклонников, и среди критиков. Художник выплеснул историю своей жизни на полотно «Моя жизнь» (1994), наполненное трагическим звучанием, и отразившее основные этапы жизни живописца и его семьи на фоне бытия всей России.
Источник: