искусство
Мы решили сравнить двух гениев мирового изобразительного искусства — Андрея Рублёва и Леонардо да Винчи.
Бог и природа
Начать сравнение следует с мировоззрения двух мастеров. Два больших художника – они, в первую очередь, два мыслителя, чьи представления о мире воплотились в творчестве.
Андрей Рублёв считается одним из ярких представителей исихазма на Руси. Исихасты практиковали неустанный контроль за своими помыслами, постоянную внутреннюю молитву, которая должна очистить ум и сердце и приблизить молящегося к Богу. «Царствие Божие внутрь вас есть», — говорится в Библии, и целью исихастов было – духовно «увидеть» Бога. «Скажи сей горе сдвинуться, и если истинно веруешь — сдвинется» — таков был их принцип.
Леонардо да Винчи считается ярким представителем западноевропейского Возрождения, «универсальным человеком». Отрицая догматы схоластики, не приемля строгие религиозные догмы, в частности, высмеивая грозного Савонаролу, да Винчи нашёл другой смысл в жизни – природу. Оттого интересы его не ограничивались одной лишь живописью. Если Рублёв стремился познать и запечатлеть Бога, да Винчи достиг совершенства в изображении природы.
Инок и инженер
Из разности миросозерцания вытекает и разность ощущения собственного места в мире. Одним из первых достоверных сведений об Андрее Рублёве являются слова о его постриге в монахи, который иконописец принял в Троице-Сергиевом монастыре при преподобном Никоне Радонежском. То есть, в первую очередь, Рублёв был иноком – и уж затем иконописцем. А Леонардо да Винчи сам не считал себя художником: несмотря на то, что он окончил мастерскую Верроккьо, где даже превзошёл в мастерстве учителя, своей основной профессией да Винчи считал инженерное дело. Живопись была для него таким же важным, интересным, но побочным занятием, как увлечения музыкой или искусством сервировки стола.
Благовещение
«Благовещение» — одна из первых самостоятельных картин Леонардо да Винчи. Библейский сюжет художник трактует довольно традиционно: у порога своего дома сидит Дева Мария и читает Библию, установленную на мраморную подставку. В нескольких шагах от неё с лилией в левой руке, преклонив колено, стоит крылатый архангел Гавриил. Богоматерь и престольный ангел изображены как богатые современники да Винчи, девушка и юноша. Кажется, что сюжет здесь менее интересен автору, чем возможности, которые открывают для него композиция и перспектива. С поразительной подробностью, блестяще выписан город на третьем плане картины.
В «Благовещении» Андрея Рублёва не найти такой детализации. Город, находящийся позади двух фигур, автору практически не интересен: почти такие же строения можно встретить и на других иконах данного типа. Однако сила воздействия его работы куда больше. Причина этого, в первую очередь, в динамике, заложенной в фигуре архангела (на работе да Винчи он статичен). Архангел делает шаг в сторону Богоматери и как будто бы вверх, поднимается к ней. Дева Мария склонилась, смиренно и низко, к благословляющему архангелу. Кажется, что её переполняют эмоции, первая из которых – радость. И верится, что на неё вправду в этот момент нисходит Святой Дух.
«Мадонна Бенуа» и копия Владимирской Богоматери
Другая ранняя работа Леонардо – так называемая «Мадонна Бенуа» или «Мадонна с цветком» — трактовка классического мотива Девы Марии с младенцем. Юная мать, умиляясь, держит на руках упитанного малыша, который с серьёзным лицом разглядывает цветок, похожий по форме на крест. Принадлежность данной картины кисти итальянского мастера была доказана Бернардом Беренсоном в 1912 году. Вот как описывает свою встречу с картиной сам искусствовед: «В один несчастный день меня пригласили освидетельствовать «Мадонну Бенуа»… Жутковатый призрак старухи играет с ребёнком: его лицо напоминает пустую маску, а к ней приделаны раздувшиеся тельце и конечности. Жалкие ручонки, бестолково-суетные складки кожи, цвет словно сыворотка. И всё же мне пришлось признать, что это ужасное создание принадлежит Леонардо да Винчи».
В начале XV века Андрей Рублёв написал копию с чудотворной иконы Владимирской Богоматери. В противоположность да Винчи, он не старался «оживить» образы, сделать их реальнее. Для него важнее было показать отношения матери, которая знает о судьбе своего ребёнка, и младенца. Она склоняется к нему, а Он прижимается к Ней. Они неотрывно смотрят друг другу в глаза.
Иоанн Креститель
Пожалуй, наиболее очевиден контраст между работами да Винчи и Рублёва – в образах Иоанна Предтечи. Фигура на иконе из иконостаса Успенского собора во Владимире, её взгляд, её поза – потрясают. Образ одновременно и сдержан, и эмоционален. Иоанн Предтеча стоит прямо, но склонив голову и сильно изогнув всё тело. Он задумчив, мудр, праведен и чист.
Иоанн Креститель Леонардо да Винчи списан с его красавца-ученика (и, возможно, любовника) Салаи. Не на золотом, как рублёвский Предтеча, а на по-рембрантовски темном фоне стоит женоподобный юноша, воздев палец в традиционном для Иоанна Крестителя жесте. На лице его лукавая улыбка. Английский искусствовед Уолтер Патер заметил, что она «выдаёт мысли, далеко не исчерпывающиеся внешним жестом или обстановкой».
Спас и «Спаситель мира»
Шестой повод для сравнения – образ самого Христа, написанный обоими мастерами. «Спаситель» да Винчи – настоящее произведение искусства, шедевр. В нём мастер довёл до совершенства владение живописной техникой и, в первую очередь, техникой сфумато, более известной по другому полотну итальянца – «Моне Лизе». Сфумато – это своеобразная дымка, которой автор окутывает предметы, смягчая тем их очертания. Это толща воздуха, отделяющая нас от героя полотна. Лицо Спасителя мы видим как бы в расфокусе. Наиболее четко изображена правая рука, которая ближе всего к нам, а также изумительно выписанная прозрачная сфера в левой руке.
От «Спаса» Андрея Рублёва сохранился лишь небольшой фрагмент. Не осталось никаких деталей – один только лик Христа. Но (возможно) тем сильнее, тем поразительнее воздействие этого образа. Здесь нет и не может быть никакой дымки. Кажется, что на нас с деревянной доски смотрит Сам Бог.
«Тайная вечеря» и «Троица»
Наконец, важнейшие, центральные произведения двух мастеров: «Тайная вечеря» Леонардо и «Троица» Рублева. Сравнивать эти два шедевра, утверждать, будто один из них лучше другого было бы лицемерием.
Один из них – высочайшее доказательство человеческих сил, другой – высоты человеческого духа. На картине да Винчи запечатлена человеческая жизнь, мир людей, человеческая природа и правда. На иконе преподобного Андрея Рублёва – правда божественная. Что ближе – каждый решает для себя сам.
источник
Во все времена ювелиры на Руси удивляли своим мастерством. Одни гранили драгоценные камни, другие изготавливали украшения из драгоценных металлов, а третьи занимались сканью. Этот последний вид ювелирной техники до сих пор не перестает удивлять современных обывателей своим изяществом и ажурностью.
Книга, украшенная сканью.
Со старославянского слово «съкати» означает «свивать несколько нитей между собой». Скань известна на Руси еще с 9-10 веков, но настоящую популярность эта ювелирная техника приобрела в 18-19 вв. Ювелиры использовали тонкую скрученную проволоку из золота, серебра или меди, и превращали ее в ажурный или напаянный на металл узор.
Красносельская скань. Самовар.
В 19 веке в России создавались целые фабрики скани. Производили в основном шкатулки, вазы, посуду, предметы для дамского будуара, церковную утварь. Несмотря на промышленные масштабы, каждое изделие мастера изготавливали вручную. Эта работа очень кропотливая и трудоемкая, однако полученные изделия превосходят все ожидания.
Скань из металлических нитей.
Подстаканники со сканью.
В Советском Союзе скань была очень популярна. Наверняка у многих дома можно отыскать ажурные подстаканники, вазочки или статуэтки. Особенно популярной считается скань из ювелирных заводов Красного села Костромской области. Мастера до сих пор удивляют туристов невероятно филигранными и изящными изделиями, сделанными из металлических нитей.
Ювелирное украшение. Скань.
Источник:
Во все времена ювелиры на Руси удивляли своим мастерством. Одни гранили драгоценные камни, другие изготавливали украшения из драгоценных металлов, а третьи занимались сканью. Этот последний вид ювелирной техники до сих пор не перестает удивлять современных обывателей своим изяществом и ажурностью.
Книга, украшенная сканью.
Со старославянского слово «съкати» означает «свивать несколько нитей между собой». Скань известна на Руси еще с 9-10 веков, но настоящую популярность эта ювелирная техника приобрела в 18-19 вв. Ювелиры использовали тонкую скрученную проволоку из золота, серебра или меди, и превращали ее в ажурный или напаянный на металл узор.
Красносельская скань. Самовар.
В 19 веке в России создавались целые фабрики скани. Производили в основном шкатулки, вазы, посуду, предметы для дамского будуара, церковную утварь. Несмотря на промышленные масштабы, каждое изделие мастера изготавливали вручную. Эта работа очень кропотливая и трудоемкая, однако полученные изделия превосходят все ожидания.
Скань из металлических нитей.
Подстаканники со сканью.
В Советском Союзе скань была очень популярна. Наверняка у многих дома можно отыскать ажурные подстаканники, вазочки или статуэтки. Особенно популярной считается скань из ювелирных заводов Красного села Костромской области. Мастера до сих пор удивляют туристов невероятно филигранными и изящными изделиями, сделанными из металлических нитей.
Ювелирное украшение. Скань.
Источник:
источник
источник
Пабло Пикассо любил повторять: «Хорошие художники – делают копии, а великие – подделки». Вторя ему, известный британский коллекционер Чарльз Колтон отмечал, что «имитация является самой искренней формой лести». Если такие афоризмы воспринимать буквально, то ремесло фальсификации имеет своих безусловных гениев. В нашем обзоре речь пойдёт о самых удачливых и богатых фальсификаторах в мире искусства
1. Хан ван Меегерен
Фальсификатор Хан ван Меегерен.
Голландский художник Ян Вермеер, как и многие коллеги по цеху, был непопулярен при жизни и никогда не жил в достатке. После смерти он оставил своей жене лишь долги, детей и непроданные картины. Но на его творческом наследие смогли сделать огромные деньги другие люди — опосредованно причастные к живописи, зато хорошо разбирающиеся в торговле. В толпу ценителей и торговцев затесался голландский фальсификатор Хан ван Меегерен, который с 1930 по 1948 год, водил за нос историков искусства и дилеров аукционных домов, заставляя верить в то, что они приобретают 300-летние работы Вермеера. По факту полотнам не было и трёх месяцев. Хан ван Меегерен на своих арт-афёрах сумел сколотить капитал в $ 30 млн.
2. Пей-Шен Цянь
Фальсификатор Пей-Шен Цянь.
Пей-Шен Цянь был осужден городским судом Нью -Йорка как организатор мошеннической схемы, в которой были задействованы два недобросовестных испанских арт-дилеров и 5 подставных фирм. Пей-Шен Цянь продавал подделки картин Джексона Поллока, Марка Ротко и Виллема де Кунинга. Завладев $ 33 млн 75-летний китайско-американский художник скрылся в Поднебесной. В силу особенностей национального законодательства невыездной фальсификатор до конца своих дней может рисовать в своё удовольствие.
3. Вольфганг Бельтракки
Фальсификатор Вольфганг Бельтракки.
Бельтракки не подделывал картины, он копировал технику и создавал «утерянные полотна». Работая с воспоминаниями современников и биографиями знаменитостей, мошенние получал необходимую информацию и создавал легенду будущей подделки. Впрочем, подделкой в чистом виде эти полотна и не назовешь. Ведь подлинника не существовало никогда. Подпись «под своими работами», правда, рукой Вольвгана Бельтракки поставили Макс Эрнст, Андре Дерен, Кес ван Донген, Генрих Кампендонк и еще 12 не менее известных авторов.
4. Вильям Дж. Тойе
Фальсификатор Вильям Дж. Тойе.
Не все фальсификаторы пытаются подражать европейским мастерам. Хотя Уильям Дж. Тойе, художник из Нового Орлеана, начал с имитации таких мастеров как Дега, Моне, Гоген и Ренуар. Он стал самым известным благодаря ряду мошеннических сделок, связанных продажей копий произведений афроамериканского народного художника Клементины Хантер. Хантер практиковала прямые продажи так как в Луизиане. Именно этим фактом Уильям Дж. Тойе объяснял «гаражно-расспродажное» происхождение картин.
Художница Клементина Хантер.
Точку в этой истории поставило ФБР: $ 426 393 – выплата обманутым покупателям и два года исправительных работ. Видимо тюрьма и долги окончательно испортили и без того скверный характер фальсификатора. По сей день Уильям Дж. Тойе утверждает, что картины г-жи Клементины хороши лишь для стрельбы по ним.
5. Элмир де Хори
Фальсификатор Элмир де Хори.
Венгерский художник Элмир де Хори был заключен в тюрьму за политическое инакомыслие на Родине, после он сидел в немецком лагере как гей, в тюрьме Мехико — как убийца, в Испании — за гомосексуализм и общение в преступной среде. Франция потребовала экстрадиции Хори для нового судебного процесса, обвинив его в подделке полотен известных мастеров. Хори утверждал, что никогда не подписывал свои копии, а посему он не фальсификатор.
Мошенником Хори так и не стал, а смертельная доза снотворного поставила точку в его биографии. Полного списка подделок Элмир де Хори не оставил и остается лишь догадываться о том сколько мнимых произведений Пабло Пикассо и Анри Матисса до Альфреда Сислея и Анри де Тулуз-Лотрека пылится в часных коллекциях и музеях.
6. Роберт Дриссен
Фальсификатор Роберт Дриссен.
Голландский художник Роберт Дриссен является самым успешным фальсификатором . Продав более 1000 подделок скульптора Альберто Джакометти на сумму более чем $ 10 млн, он расстворился в Юго-Восточном направлении. Немецкие подельники фальсификатора отбывают заслуженное наказание и получают дополнительное в виде поздравительных открыток из солнечного Таиланда. Сам Дриссен утверждает, что он «в ловушке… в раю.»
7. Джон Майат
Фальсификатор Джон Майат.
Преступления Джона Майата в Скотланд-Ярде считают «самым большим мошенничеством в сфере искусства в 20-м веке». В период с 1986 по 1994 год, английский художник Джон Майат создал более 200 фальшивок, обманывая всех от аукционного дома Сотбис и европейских музеев до обычных искусствоведов и ценителей живописи. В 1999 году он был пойман и приговорен к году тюремного заключения. За хорошее поведение фальсификатора отпустили уже через четыре месяца. Теперь Джон Майат продает картины как Джон Майат.
Источник:
Тетрахроматы способны различать сотни тысяч оттенков цветов, которые недоступны обычному человеческому глазу. Кончетта Антико (Concetta Antico) – художница из Сан-Диего, обладающая подобной уникальной способностью. Ее картины – сочные, яркие, многоцветные – это настоящая симфония красоты жизни.
Картины Кончетты Антико
Ученые установили, что некоторые люди наделены способностью различать большее количество оттенков цвета благодаря тому, что у них не три (что является нормой для человека), а четыре типа колбочек. Тогда как большинство из нас улавливает 1 млн оттенков, эти счастливчики видят 99 миллионов!
Картины Кончетты Антико (Concetta Antico)
Картины Кончетты Антико (Concetta Antico)
Конечно же, на генетическом уровне подобную мутацию можно назвать отклонением от нормы: исследователи склоняются к мысли, что во время определенных хромосомных сбоев мужчины рождаются дальтониками, а вот у женщин больше предрасположенности к тому, чтобы быть тетрахроматами. Кончетта Антико рассказывает, что с детства видела мир перенасыщенным цветом, но о своем диагнозе узнала лишь в 2012 году. Врачи подтвердили, что Кончетта обладает возможностью различать не только синий, красный и зеленый пигмент, но и другие, а значит, воспринимает мир иначе, чем окружающие.
Картины Кончетты Антико (Concetta Antico)
Первым обратил внимание на специфические особенности Кончетты Мартин, учитель рисования из художественной школы, куда ходила девочка. Она выбирала странные цвета, чтобы рисовать картины, и по детской наивности не понимала, что же удивляет ее одноклассников.
Картины Кончетты Антико (Concetta Antico)
Сама Кончетта относится к своей болезни как к дару свыше, она искренне наслаждается природой, наблюдая ее разнообразие и великолепие. Свои ощущения она старается передать в картинах, хотя очевидно, что зрительское восприятие не совпадает с авторским видением. По иронии судьбы у 12-летней дочери Кончетты тоже проблемы со зрением, однако она, в отличие от матери, — дальтоник.
Кончетта Антико (Concetta Antico) — художница-тетрахромат
Источник:
Британский фотограф видоизменяет известные достопримечательности с помощью бумаги и ножниц.
источник
«Портрет доктора Гаше» — одна из самых известных и узнаваемых работ голландского художника Винсента Ван Гога. Но именно эта картина овеяна пеленой тайны и интригами. В нашем обзоре мы собрали малоизвестные и занимательно-удивительные факты о создании этого всемирно известного портрета.
1. Существуют 2 практически одинаковых портрета
Портрет доктора Гаше. Второй вариант.
Оба называются «Портрет доктора Гаше», а мужчина на них изображен в одинаковом костюме, с одинаковым меланхолическим выражением лица и в одной позе — оперев голову на руку. Тем не менее, на картинах частично различный реквизит. Также полотна практически идентичного размера (67 х 56 см), и они оба были написаны в 1890 году, в последний год жизни Ван Гога.
2. Ванг Гог надеялся заработать на первом Портрете доктора Гаше.
Портрет доктора Гаше. Первый вариант.
Хотя сегодня Ван Гог считается одним из самых знаковых художников, он продал всего две картины в течение своей жизни. Художник надеялся, что картина человека, известного в мире искусства, может принести ему деньги и дальнейшие заказы.
3. Ван Гог также сделал гравюру-офорт врача, изображенного на картине
Гравюра-офорт врача.
Примерно в то же время, когда он завершил две картины, Ван Гог также сделал аналогичную гравюру на меди с рисунком, протравленным кислотой. Есть 61 известных оттиска этого офорта, из которых 14 , как полагают, принадлежат самому Ван Гогу. Считается, что остальные оттиски были созданы после его смерти. Оригинальная медная гравюра сейчас находится в коллекции Музея Орсе.
4. Ван Гог был доволен своим первым портретом
Автопортрет Винсента Ван Гога.
В письме к Тео он заявил: «Я сделал портрет Гаше с меланхоличным выражением лица, которое вполне может показаться кому-то гримасой. Печальное, но спокойное и умное выражение объединяет в себе по сути несколько портретов одного человека».
5. Доктор Гаше был не просто моделью для картины художника
Церковь в Овере.
Он также был его лечащим врачом. Поклонник импрессионизма, Поль-Фердинанд Гаше был художником- любителем, который был лично знаком с Полем Сезанном, Камилем Писсарро, Клодом Моне и Огюстом Ренуаром. По профессии он был врачом, который верил в силу гомеопатии и интересовался хиромантией.
После того, как Ван Гог покинул психиатрическую лечебницу, его брат Тео оставил Ван Гога под опекой Гаше. Ван Гог переехал в Овер-сюр-Уаз, северо — западный пригород Парижа, где Гаше присматривал за ним в последние месяцы художника.
6. Некоторые люди обвиняют Гаше в смерти Ван Гога
Гаше обвиняли в недостаточной психиатрической помощи Ван Гогу.
Считалось, что поскольку Гаше имеет хорошую репутацию и знаком с многими художниками, он должен «спасти Ван Гога от его внутренних демонов». Но оба мужчины проиграли эту битву 27 июля 1890 года, когда художник покончил с собой, выстрелив из револьвера себе в грудь (умер он через два дня после этого). Некоторые обвиняли Гаше в недостаточной психиатрической помощи Ван Гогу, а другие считали, что врач нерегулярно беседовал с пациентом.
Но стоит отметить, что, когда жандармы попытались допросить смертельно раненого художника, то Ван Гог заявил : «Это мое тело мое и я волен делать с ним, что угодно. Не обвиняйте никого, это я сам хотел совершить самоубийство».
7. Доктор Гаше позировал и для других художников
Эмиль Бернар также написал портрет Гаше.
Амбруаз Детре, Норберт Гёнётт и Эмиль Бернар также написали портреты Гаше. Шарль Леандр сделал на него карикатуру, а Поль Сезанн написал картину «Дом доктора Гаше в Овере».
8. Во время работы Ван Гог черпал вдохновение в другой картине
Тассо в темнице.
Представляя то, как будет выглядеть портрет, и находясь в это время под наблюдением врача, Ван Гог попросил в письме своего брата привезти ему копию картины Эжена Делакруа «Тассо в темнице».
9. Отношения Ван Гога с Гаше были довольно нестабильными
Автопортрет Ван Гога.
В письмах к своему брату, Винсент попеременно писал, что он «нашел в докторе настоящего друга и даже что — то вроде нового брата» и «я думаю, что мы вообще не должны рассчитывать на доктора Гаше вообще. Он даже более безумен, чем я».
10. Портреты Гаше были созданы в очень плодотворный период для Ван Гога
Кукурузное поле.
В последние 70 дней своей жизни Ван Гог, как полагают, создал 70 картин, в том числе портреты доктора Гаше, «Церковь в Овере» и «Кукурузное поле». Точное число картин находится под сомнением.
11. Некоторые критики считают, что «Портрет доктора Гаше» — подделка
Подлинность обоих портретов доктора Гаше поставлена под сомнение.
В конце 1990-х годов среди искусствоведов и историков возникла теория, что некоторые из картин Ван Гога, написанных им в последние дни жизни, были на самом деле написаны Гаше. Подлинность обоих портретов доктора Гаше была поставлена под сомнение, а некоторые люди предполагают, что они на самом деле являются автопортретами.
12. Один из портретов побил рекорды на аукционе
Портрета доктора Гаше был продан за $ 82,5 млн.
Всего за три минуты на аукционе Christie оригинал «Портрета доктора Гаше» с подписью Ван Гога был продан за $ 82,5 млн. При этом был установлен новый рекорд суммы, заплаченной за картину.
13. Угроза уничтожения оригинала картины возмутила мир искусства
Угроза кремации.
Когда 74-летний японский бизнесмен Риоеи Сайто приобрел «Портрет доктора Гаше» на аукционе, он заявил: «Это мой принцип — получать то, что я хочу, несмотря во сколько денег это обойдется». Но позже весь мир возмутил тот факт, что японец написал в завещании, чтобы картину кремировали с ним после его смерти. После разгоревшегося международного скандала, Сайто признался, что его заявление было неудачной шуткой.
14. Предполагаемая подделка экспонируется в Париже
Mузей Орсе.
Многие работы из богатой коллекции импрессионизма искусства, принадлежащей Гаше, были переданы в дар Mузею Орсе. Второй «Портрет доктора Гаше» выставлен именно в этом музее. Примечательно, что эта картина не подписана Ван Гогом.
15. Музей пытался убедить скептиков
Попытки доказать подлинность.
Музей Орсе надеялся доказать раз и навсегда скептикам подлинность картины, подвергнув ее инфракрасному сканированию и химическому анализу. Но этого оказалось мало.
Источник:
Что может быть роднее и понятнее народного творчества? Все мы с детства выросли на бабушкиных сказках и на маминых колыбельных, быть может, именно поэтому образы, рожденные фантазией известной художницы Марии Примаченко, так близки каждому, кому довелось их увидеть. Талантливая украинка прожила всю жизнь в селе и никогда не училась живописи, но оставила нам такое богатое художественное наследие, что просто диву даешься!
Звериные картины Марии Примаченко
Мария Примаченко (второй вариант фамилии — Приймаченко) родилась в 1909 году под Киевом в селе Болотня, здесь прошла вся ее жизнь. С детства Мария проявляла способности к творчеству: с интересом наблюдала за тем, как вышивает ее мать, чуть повзрослев, принялась расписывать дом, в котором жила ее семья, цветами и узорами, увлекалась также декорированием керамических изделий. Недюжинный талант девушки односельчане оценили по достоинству, а со временем слава о ее художественном мастерстве долетела до Киева, и Марию Примаченко впервые пригласили принять участие в выставке народного искусства.
Зверь гуляет, 1972 год
Птица
Наездница
Работы Марии произвели настоящий фурор, и о ней стали охотно писать журналисты, тут же появились первые приглашения от зарубежных выставочных залов и галерей. Париж, Прага, Монреаль, София, Варшава — повсюду молодую талантливую рукодельницу принимали тепло и с восторгом.
Едет осень на коне
Фантастический зверь
Черный зверь
Стоит отметить, что Мария всегда рисовала от сердца, получала истинное удовольствие от творческого процесса. Правда, жизнь ее не была безоблачной: в детстве она перенесла полиомиелит, в молодости — потеряла мужа на войне.
Подсолнухи
Наивная живопись Марии Примаченко
Васильки в синей вазе
В раннем творчестве Мария Примаченко отдавала предпочтение цветочным композициям, позже — стала делать зарисовки бытовых сценок, но ее наиболее известные работы — это, конечно же, «звериная» серия картин. Вдохновение художница черпала из фольклора — народных сказок, легенд и преданий, традиций и обрядов. Часто ее фантазия рождала фантастические образы зверей: яркая цветовая гамма, часто орнаментальный окрас, гиперболизированные размеры… Эти звери не внушают страх, напротив, они становятся олицетворением лучших человеческих чувств — дружбы, любви, спокойствия. Мария охотно иллюстрировала детские книги, ее рисунки хорошо известны малышам и сегодня.
Портрет Марии Примаченко
Творчество украинской художницы было неоднократно высоко оценено. В частности, решением ЮНЕСКО 2009 год был признан годом Марии Примаченко. Многие ее работы на сегодняшний день находятся в музеях, частных коллекциях и у Внука Петра, который тоже стал художником и очень тепло вспоминает о своей знаменитой бабушке.
Бычок-Третьячек
Мария Примаченко за работой
Источник: