картина
29 июля исполняется 199 лет со дня рождения знаменитого художника-мариниста Ивана Айвазовского. За всю жизнь он написал около 6 тысяч картин на морскую тему, а самой известной среди них является «Девятый вал». История создания этого шедевра позволяет приблизиться к пониманию основных принципов работы художника над морскими пейзажами и приоткрыть завесу над тайнами его творческой мастерской.
И. Айвазовский. Среди волн, 1898 | Фото: art-portrets.ru
Иван Айвазовский (Ованес Айвазян) родился в Крыму, в Феодосии, и с детства слышал рассказы моряков об опасностях и приключениях, случавшихся с ними в плавании. По древним морским поверьям, девятый вал – самая мощная и страшная из идущих одна за другой во время шторма волн (древние греки считали самой опасной третью волну, а римляне – десятую). Позднее физики объяснили это явление принципом интерференции: несколько волн сливаются в единый вал и срабатывает эффект синергии.
И. Айвазовский. Буря у скалистых берегов, 1875 | Фото: art-portrets.ru
В ХХ в. в советском искусствоведении бытовала традиция истолкования сюжета картины как политической аллегории: неизменно вспоминалась волна революций, прокатившаяся в 1848 г. в Европе, и безвременная кончина В. Белинского. Однако вряд ли к автору «Девятого вала» это имеет какое бы то ни было отношение. Художник большую часть жизни провел в приморском городе – Феодосии, и был просто влюблен в морскую стихию, особенно в моменты шторма. Буря Айвазовского – это природное явление, прекрасное в своей мощи и свободе, и не стоит тут искать подтексты и скрытые смыслы. Кроме того, роковое противостояние человека и стихии – типичная для романтических произведений тема.
И. Айвазовский у мольберта | Фото: liveinternet.ru
Буря вызывала у художника не страх перед стихией, а упоение ее непостижимой силой. Показателен в этом отношении один эпизод из жизни Айвазовского. Однажды он плыл на корабле из Англии в Испанию и попал в сильный шторм. После этого в европейской прессе даже появились сообщения о его гибели. Позже он заявил о том, что эти новости были ошибочными и признался в том, что многие пассажиры, обезумев от страха, тогда действительно мысленно попрощались с жизнью, а он с восхищением наблюдал за разбушевавшимся морем: «Страх не подавил способности воспринять и сохранить в памяти впечатление, произведенное бурею, как дивною живою картиною».
И. Айвазовский. Биарриц, 1889 | Фото: liveinternet.ru
Интересно то, что и эту, и большинство других работ художник писал не с натуры, а по памяти. Сам он так объяснял свою позицию: «Живописец, только копирующий природу, становится ее рабом, связанным по рукам и ногам. Движение живых стихий неуловимо для кисти: писать молнию, порыв ветра, всплеск волны немыслимо с натуры. Для этого-то художник и должен запомнить их и этими случайностями, равно как и эффектами света и теней, обставлять свою картину». С натуры он делал только наброски, а дальше работал над картиной в мастерской.
И. Айвазовский. Слева – Корабль среди бурного моря, 1887. Справа – Буря на Северном море, 1865 | Фото: muzei-mira.com и art-portrets.ru
Для того, чтобы воспроизводить сюжет по памяти, нужно было работать очень быстро, чтобы не утратить первоначального впечатления и успеть запечатлеть увиденное. Поэтому Айвазовский писал по несколько часов кряду, иногда по 12 часов без перерыва, и не понимал художников, которые работают над картинами по несколько месяцев или даже лет. «Девятый вал» был написан за 11 дней. «Не отхожу от картины, пока не выскажусь», – говорил он. А его техника написания волн удивляла знатоков живописи: он умел создавать движущуюся и почти прозрачную морскую волну. Эффект прозрачности достигался с помощью лессировки – нанесения тончайших слоев краски друг на друга. Его лессировку критики называли виртуозной.
И. Айвазовский. Корабль среди бурного моря, 1887. Фрагмент | Фото: liveinternet.ru
И. Айвазовский. Корабль *Императрица Мария* во время шторма, 1892 | Фото: art-portrets.ru
Эта картина была написана, когда художнику было всего 33 года, и сразу после создания ее ждал ошеломляющий успех, во время первого показа в 1850 г. в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Люди приходили по несколько раз, чтобы снова увидеть «Девятый вал». Эту работу вместе с «Последним днем Помпеи» Брюллова называли высшим расцветом романтизма в российском изобразительном искусстве.
Источник:
источник
К. Сомов. Дама в голубом, 1897-1900. Фрагмент | Фото: gallerix.ru
«Даму в голубом» называют лучшей картиной художника К. Сомова, «Джокондой современности» и символом эпохи Серебряного века. Для этой работы Сомову позировала Елизавета Мартынова – едва ли не единственная женщина, к которой художник испытывал чувства. Ее судьба сложилась трагически: она умерла вскоре после того, как ее портрет был выставлен в Третьяковской галерее.
К. Сомов. Автопортрет, 1895 | Фото: artsait.ru
С Елизаветой Мартыновой Сомов познакомился во время учебы в Академии художеств. На тот момент она была одной из первых женщин, допущенных к обучению на живописном отделении Академии. Она поступила туда в 1890 г., но вскоре вынуждена была прервать учебу из-за болезни – девушка была больна туберкулезом, и врачи рекомендовали ей лечение за границей. Мартынова мечтала стать настоящей художницей, но ее планам так и не суждено было осуществиться – она умерла от туберкулеза в 1904 году в 36-летнем возрасте.
К. Сомов. Дама в голубом, 1897-1900 | Фото: gallerix.ru
По-видимому, Елизавета Мартынова была одной из немногочисленных женщин, которыми Сомов увлекался. Еще в студенческие годы он написал несколько портретных этюдов, а в 1897 г. приступил к созданию «Дамы в голубом платье» (так назывался портрет на персональной выставке произведений художника). Работа длилась около трех лет с перерывами из-за поездки Сомова в Париж и лечения Мартыновой в Тироле. Ее портреты писали и другие художники: И. Браз, Л. Бакст, Ф. Малявин.
И. Браз. Портрет Е. М. Мартыновой, 1896. Фрагмент | Фото: artsait.ru
«Дама в голубом» появилась на выставке «Мира искусства» в 1900 г. Еще тогда портрет обратил на себя внимание членов Совета Третьяковской галереи, В. Серов рекомендовал приобрести эту картину для галереи. В начале ХХ в. собрание Третьяковки состояло преимущественно из работ художников-передвижников, и картина Сомова казалась на их фоне слишком декадентской. По этой причине многие члены Совета Третьяковки высказывались против ее приобретения. Но Серову удалось их переубедить, и «Дама в голубом» пополнила знаменитую коллекцию.
К. Сомов. Фото, 1910 | Фото: liveinternet.ru
Сама Елизавета Мартынова была категорически против продажи картины. Сохранилось ее письмо, в котором она и умоляла, и требовала не продавать работу в Третьяковскую галерею: «Может быть, Вы будете удивлены, Константин Андреевич, получив это письмо, и тотчас приедете ко мне, станете меня с улыбкой и некоторой иронией убеждать смотреть на вещи иначе, но это мне все равно… Сегодня ночью я проснулась и не спала от одной назойливой и мучительной мысли: Вы не должны и не имеете права продать мой портрет. Я позировала Вам для Вас, для чистого искусства, а не для того, чтобы Вы получили за мою грусть в глазах, за мою душу и страдания деньги… Я не хочу этого! Оставьте портрет у себя, сожгите его, если Вам так жаль отдать его мне, подарите его даром в галерею…». Однако художник нуждался в деньгах, и картина все же была продана.
Ф. Малявин. Портрет художника К. А. Сомова, 1895 | Фото: artscroll.ru
К. Сомов. Автопортрет, 1898 | Фото: gallerix.ru
«Дама в голубом» – это одновременно и портрет Мартыновой, и обобщенный символ эпохи: художник не только запечатлевает настоящие черты позирующей, но и поэтизирует ее болезненность и одиночество, что было так характерно для искусства Серебряного века. Сомову удалось создать образ почти трагический, хотя многие удивлялись такой интерпретации реальности – в жизни девушка была довольно энергичной и жизнерадостной. Подруга Мартыновой М. Ямщикова писала об этой картине: «Что сделал художник с этим лицом, с этими когда-то сияющими торжеством глазами? Как сумел вытащить на свет глубоко запрятанную боль и печаль, горечь неудовлетворенности? Как сумел передать это нежное и вместе с тем болезненное выражение губ и глаз?».
К. Сомов. Автопортрет, 1909 | Фото: gallerix.ru
Возможно, именно этим и объясняется популярность «Дамы в голубом», которую И. Грабарь назвал «Джокондой современности». Сомов отразил не только трагические обстоятельства жизни конкретной личности, но и характер целой эпохи. «Изящная грусть его картин и придает им особое, несравненное очарование и какую-то странную загадочность», – писал Грабарь. «Все его произведения проникнуты духом нашего времени: безумной любовью к жизни, и в то же время каким-то грустным скептицизмом, глубочайшей меланхолией от «недоверия к жизни», – утверждал А. Бенуа.
Ф. Малявин. Больная, 1897 (Портрет Е. М. Мартыновой)
Источник
Анри Матисса называли «диким» художником, упростившим законы живописи донельзя. Публика возмущалась, критиковала новаторство художника, но при этом постоянно заказывала ему полотна. «Танец» (1910) года считается самой провокационной картиной художника. Обнаженные тела, «примитивное» изображение, широкие мазки – все это эпатировало и, в то же время, привлекало зрителей.
Портрет С. И. Щукина. Х. Крон. | Фото: beesona.ru.
В 1908 году в мастерскую к Анри Матиссу заглянул русский промышленник и коллекционер Сергей Щукин. Он сделал художнику заказ на несколько картин для украшения своего московского особняка. Щукину хотелось получить что-то эдакое на тему танца и музыки. Матисс с радостью согласился, ведь в его голове уже довольно долгое время зрела идея некой аллегории на танцы.
La Danse. Henri Matisse, 1910. | Фото: img0.liveinternet.ru.
При написании картины художник вдохновлялся русскими сезонами популярного на тот момент Сергея Дягилева, раскрепощенными танцами Айседоры Дункан, греческой вазовой живописью. Почти 4-метровое полотно изображали танцующих в хороводе девушек. Несмотря на то, что мастер упростил их изображение почти что до схематизации, все равно он смог передать экспрессию через цвета (хоть их было все три). Красный символизировал собой внутренний жар человека, объединяющий собой небо и землю, представленных синим и зеленым оттенками. Сам же хоровод олицетворяет экспрессию безумного XX века.
Музыка, Анри Матисс, 1910 год. | Фото: gallery.lariel.ru.
Кроме «Танца», художник написал картину в том же стиле «Музыка». Третье полотно под название «Купание, или Медитация» осталось незаконченным.
Перед тем, как отправить два полотна в Москву, их выставили на всеобщее обозрение в Осеннем салоне в Гранд-Пале. Несмотря на то, что в начале XX века художники, скульпторы и прочие творческие личности позволяли себе экспериментировать и переходить рамки дозволенного, картины Матисса вызвали бурю эмоций и негодования у публики. Простые небрежные линии, всего лишь три доминирующих цвета и (верх неприличия!) неприкрытые гениталии.
Художник Анри Матисс. | Фото: theredlist.com.
Сергея Щукина обвинили в безвкусице, назвали его собирателем мусора и чуть ли не сумасшедшим. Коллекционер испугался такого натиска и отказался забирать картины. Но уже через несколько дней, будучи на полпути в Москву, Щукин прислал Матиссу телеграмму с просьбой все-таки выслать ему картины. Он просил у художника прощения за свою слабость и трусость, но «причинные» места нужно было все-таки зарисовать.
После наступления Октябрьской революции и прихода к власти большевиков Сергей Щукин в спешке покидает Россию, но картины пришлось оставить. Полотна коллекционера отправились в Эрмитаж.
Картина «Танец» в Эрмитаже.
О картине мы прежде всего знаем две вещи: ее автора и, возможно, историю полотна. А вот о судьбах тех, кто смотрит на нас с холстов, нам известно не так уж и много.
1. Жанна Самари
Огюст Ренуар, «Портрет актрисы Жанны Самари», 1877 г.
Актриса Жанна Самари хоть и не смогла стать звездой сцены (играла она преимущественно служанок), но повезло ей кое в чем другом: некоторое время она жила недалеко от мастерской Ренуара, который в 1877-1878 годах написал четыре ее портрета, тем самым прославив куда больше, чем это могла бы сделать ее актерская карьера. Жанна играла в спектаклях с 18 лет, в 25 она вышла замуж и родила троих детей, затем даже написала детскую книжку. Но прожила эта обаятельная дама, к сожалению, не долго: в 33 года заболела брюшным тифом и скончалась.
2. Чечилия Галлерани
Леонардо да Винчи, «Дама с горностаем»,
1489-1490 гг.
Чечилия Галлерани была девушкой из благородной итальянской семьи, которая в возрасте 10 (!) лет уже была помолвлена. Однако когда девочке было 14, помолвка по неизвестным причинам была расторгнута, а Чечилия — отправлена в монастырь, где и познакомилась (или же все это было подстроено) с герцогом миланским Людовико Сфорца. Завязался роман, Чечилия забеременела, и герцог поселил девушку в своем замке, но тут пришло время вступить в династический брак с другой женщиной, которой, конечно же, присутствие любовницы в их доме не понравилось. Тогда после родов Галлерани герцог забрал себе сына, а ее выдал замуж за обедневшего графа.
В этом браке Чечилия родила четверых детей, держала чуть ли не самый первый в Европе литературный салон, бывала у герцога в гостях и с удовольствием играла с его ребенком от новой любовницы. Спустя время супруг Чечилии погиб, наступила война, она потеряла свое благосостояние и нашла приют в доме сестры той самой жены герцога − вот в таких замечательных отношениях она умудрялась быть с людьми. После войны Галлерани вернула свое имение, где и жила вплоть до своей смерти в возрасте 63 лет.
3. Зинаида Юсупова
В.А. Серов, «Портрет княгини Зинаиды Юсуповой», 1902 г.
Богатейшая российская наследница, последняя из рода Юсуповых, княжна Зинаида была невероятно хороша собой и, несмотря на то что ее расположения добивались в числе прочих августейшие особы, замуж она хотела выйти по любви. Желание свое она осуществила: замужество было счастливым и принесло двоих сыновей. Юсупова много времени и сил тратила на благотворительную деятельность, причем после революции продолжила ее и в эмиграции. Любимый старший сын погиб на дуэли, когда княгине было 47 лет, и она с трудом перенесла эту утрату. С началом волнений Юсуповы покинули Петербург и поселились в Риме, а после смерти супруга княгиня переехала к сыну в Париж, где и провела остаток своих дней.
4. Мария Лопухина
В.Л. Боровиковский, «Портрет М.И. Лопухиной», 1797 г.
Боровиковский написал множество портретов русских дворянок, но этот — самый чарующий. Мария Лопухина, представительница графского рода Толстых, изображена здесь в нежном возрасте 18 лет. Портрет был заказан ее супругом Степаном Авраамовичем Лопухиным вскоре после свадьбы. Непринужденность и чуть надменный взгляд кажутся то ли обычной позой для подобного портрета эпохи сентиментализма, то ли признаками меланхолического и поэтического нрава. Судьба этой загадочной девушки оказалась печальной: спустя всего 6 лет после написания картины Мария умерла от чахотки.
5. Джованина и Амацилия Пачини
Карл Брюллов, «Всадница», 1832 г.
«Всадница» Брюллова — блистательный парадный портрет, в котором роскошно все: и яркость красок, и пышность драпировок, и красота моделей. На нем изображены две девочки, носившие фамилию Пачини: старшая Джованина сидит на лошади, младшая Амацилия смотрит на нее с крыльца. Картину Карлу Брюллову — своему многолетнему возлюбленному — заказала их приемная мать, графиня Юлия Павловна Самойлова, одна из красивейших женщин России и наследница колоссального состояния. Повзрослевшим дочерям графиня гарантировала большое приданое. Но получилось так, что к старости она практически разорилась, и тогда приемные дочери Джованина и Амацилия через суд взыскивали у графини обещанные деньги и имущество.
6. Симонетта Веспуччи
Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры»,
1482–1486 гг.
На знаменитой картине Боттичелли изображена Симонетта Веспуччи — первая красавица флорентийского Ренессанса. Симонетта родилась в богатой семье, в 16 лет вышла замуж за Марко Веспуччи (родственника Америго Веспуччи, «открывшего» Америку и давшего континенту свое имя). После свадьбы молодожены обосновались во Флоренции, были приняты при дворе Лоренцо Медичи, в те годы славившемся пышными пирами и приемами.
Красивая, при этом очень скромная и доброжелательная Симонетта быстро влюбила в себя флорентийских мужчин. Ухаживать за ней пытался и сам правитель Флоренции Лоренцо, но активнее всех ее добивался его брат Джулиано. Красота Симонетты вдохновляла многих художников того времени, среди которых был Сандро Боттичелли. Считается, что с момента их встречи моделью всех Мадонн и Венер кисти Боттичелли была именно Симонетта. В возрасте 23 лет Симонетта умерла от чахотки, несмотря на старания лучших придворных врачей. После этого художник изображал свою музу только по памяти, а в старости завещал, чтобы его похоронили рядом с ней, что и было выполнено.
7. Вера Мамонтова
В.А. Серов, «Девочка с персиками», 1887 г.
Самая знаменитая картина мастера портрета Валентина Серова была написана в усадьбе богатого промышленника Саввы Ивановича Мамонтова. Ежедневно на протяжении двух месяцев художнику позировала его дочь, 12-летняя Вера. Девочка выросла и превратилась в очаровательную девушку, вышла замуж по взаимной любви за Александра Самарина, принадлежащего к известной дворянской фамилии. После свадебного путешествия по Италии семья поселилась в городе Богородске, где один за другим родилось трое детей. Но неожиданно в декабре 1907 года, спустя всего 5 лет после свадьбы, Вера Саввишна умерла от воспаления легких. Ей было всего 32 года, а ее муж больше так и не женился.
8. Александра Петровна Струйская
Ф.С. Рокотов, «Портрет Струйской», 1772 г.
Этот портрет кисти Рокотова словно воздушный полунамек. Александре Струйской было 18, когда ее выдали замуж за очень богатого вдовца. Есть легенда, что на свадьбу муж подарил ей ни больше ни меньше как новую церковь. И всю жизнь писал ей стихи. Был ли этот брак счастливым, доподлинно не известно, но все, кто бывал в их доме, обращали внимание на то, как несхожи между собой супруги. За 24 года брака Александра родила мужу 18 детей, 10 из которых умерли во младенчестве. После смерти мужа она прожила еще 40 лет, твердо управляла поместьем и оставила детям приличное состояние.
9. Галина Владимировна Адеркас
Б.М. Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918 г.
«Купчиха за чаем» Кустодиева — настоящая иллюстрация той яркой и сытой России, где ярмарки, карусели и «хруст французской булки». Написана картина была в послереволюционном голодном 1918 году, когда о таком изобилии можно было только мечтать.
Для купчихи в этом портрете-картине позировала Галина Владимировна Адеркас — натуральная баронесса из рода, ведущего свою историю аж от одного ливонского рыцаря XVIII века. В Астрахани Галя Адеркас была соседкой Кустодиевых по дому, с шестого этажа; в студию девушку привела жена художника, приметив колоритную модель. В этот период Адеркас была совсем молода — студентка-первокурсница медицинского факультета — и на набросках ее фигура выглядит гораздо тоньше. Окончив университет и проработав какое-то время хирургом, она бросила профессию и в советские годы пела в составе русского хора, участвовала в озвучивании фильмов, вышла замуж и стала выступать в цирке.
10. Лиза дель Джокондо
Леонардо да Винчи, «Мона Лиза»,1503—1519 гг.
Пожалуй, один из самых известных и загадочных портретов всех времен и народов — это знаменитая Мона Лиза кисти великого Леонардо. Среди множества версий о том, кому принадлежит легендарная улыбка, официально в 2005 году подтвердилось следующее: на полотне изображена Лиза дель Джокондо, супруга торговца шелком из Флоренции Франческо дель Джокондо. Портрет мог быть заказан художнику, чтобы отметить рождение сына и покупку дома.
Вместе с мужем Лиза вырастила пятерых детей и, вероятнее всего, ее брак был основан на любви. Когда супруг умер от чумы и Лизу также поразила эта тяжелая болезнь, одна из дочерей не побоялась взять маму к себе и выходила ее. Мона Лиза вылечилась и прожила еще некоторое время вместе со своими дочерьми, скончавшись в возрасте 63 лет.
источник
Чтобы по салону не размотало…
Есть люди, которые считают абсурдным использование ременя безопасности. И штрафы им нипочем! Важный аргумент у таких водителей – моя безопасность – это мое дело! А зря..
Ивана Ивановича Шишкина по праву считают великим художником-пейзажистом. Ему, как никому другому, удавалось передавать через свои полотна красоту первозданного леса, бескрайние просторы полей, холод сурового края. При взгляде на его картины часто создается впечатление, что вот-вот подует ветерок или послышится треск сучьев. Живопись настолько занимала все мысли художника, что он даже скончался с кистью в руке, сидя за мольбертом.
Иван Иванович Шишкин (1832—1898 гг).
Иван Иванович Шишкин родился в небольшом провинциальном городке Елабуга, расположенном у берегов Камы. В детстве будущий художник мог часами бродить по лесу, восхищаясь красотой первозданной природы. К тому же, мальчик старательно разрисовывал стены и двери дома, удивляя окружающих. В конце концов, будущий художник в 1852 году попадает в Московское училище живописи и ваяния. Там преподаватели помогают Шишкину распознать именно то направление в живописи, которому он будет следовать всю свою жизнь.
Корабельная роща. И. Шишкин. 1898.
Пейзажи стали основой творчества Ивана Шишкина. Художник мастерски передавал породы деревьев, трав, поросшие мхом валуны, неровности почвы. Его картины выглядели настолько реалистичными, что казалось, что вот-вот где-то послышится шум ручья или шелест листьев.
Рубка леса. И. Шишкин. 1867.
Утро в сосновом лесу. И. Шишкин. 1889..
Вне всяких сомнений, одним из самых популярных полотен Ивана Шишкина считается «Утро в сосновом лесу». На картине изображен не просто сосновый лес. Присутствие медведей словно указывает на то, что где-то далеко, в глуши, существует своя уникальная жизнь.
В отличие от других своих полотен, это художник писал не в одиночку. Медведи принадлежат кисти Константина Савицкого. Иван Шишкин рассудил по справедливости, и под картиной подписались оба художника. Однако когда готовое полотно привезли к покупателю Павлу Третьякову, тот рассердился и приказал стереть фамилию Савицкого, объяснив это тем, что заказывал картину только Шишкину, а не двоим художникам.
Рожь. И. Шишкин. 1878.
Ручей в березовом лесу. И. Шишкин. 1883.
Первые встречи с Шишкиным вызывали у окружающих смешанные чувства. Он казался им угрюмым и неразговорчивым человеком. В училище его за глаза даже называли монахом. На самом деле художник раскрывался только в компании своих друзей. Там он мог и поспорить, и пошутить.
Сосновый бор. И. Шишкин. 1883. | Фото: allpainters.ru.
На севере диком. И. Шишкин. 1890. | Фото: artonline.ru.
Смерть настигла художника за мольбертом. Иван Иванович Шишкин скончался 20 марта 1898 года с кистью в руках.
Среди долины ровныя. И. Шишкин. 1883.
Источник