картина
Фрагмент полотна «Мистерия XX века». Автор: И.С.Глазунов.
Написанная в 1977 году Ильёй Глазуновым картина «Мистерия XX века» должна была стать главным экспонатом, готовящейся выставки в зале Союза художников на Кузнецком мосту в Москве. Но полотно это вызвало эффект взрыва атомной бомбы. Идеологическая цензура, которая свирепствовала в то время в СССР, настоятельно требовала от автора снять «крамольную» картину с экспозиции. На что Глазунов ответил отказом, рискуя при этом не только карьерой, но и головой. О том, как сложилась судьба «Мистерии XX века» и ее автора, и пойдёт речь в этом обзоре.
Итак, выставка так и не была открыта, а самого художника спасла от выдворения из страны, всего лишь одна лишняя поднятая рука, перевесившая в голосовании на заседании ЦК партии.
«Не совсем понятно, – недоумевал корреспондент газеты «International New York Times», посетивший тогда мастерскую художника, – зачем понадобилось Глазунову рисковать своим трудно заработанным успехом, посвятив два года своей жизни написанию монументальной работы, пока не принесшей ему ничего, кроме официального порицания».
Неугодному художнику был вынесен строжайший вердикт: выехать в Сибирь на БАМ, писать портреты передовиков строительства. Но несостоявшийся показ картины широкой публике не стал препятствием для популярности крамольного полотна. Запрет лишь подогрел интерес желающих увидеть ее. Фото этой картины очень быстро распространились по всему Союзу.
Художник Илья Глазунов
А на рубеже 70-80 годов Глазунов был приглашен руководством Берлинского театра в качестве художника-постановщика оперы Бородина «Князь Игорь». Пользуясь случаем, Илья Сергеевич втайне вывез «Мистерию XX века» из Советского Союза в Германию. Вместе с эскизами декораций в Германию поехало и полотно размерами шесть на три, свернутое в огромный свиток. Живописец боялся, что его «мистерию» постигнет участь картин неугодных властям художников — полотна бывало сжигали прямо в мастерских.
Декорации к опере Бородина «Князь Игорь». 1980год.
«Мистерию XX века» сразу начали выставлять в разных галереях Германии. Иностранные журналы запестрели заголовками: «Картина, которую никогда не увидят русские». На предложение одного из коллекционеров Гамбурга купить «Мистерию ХХ века», Глазунов после долгого размышления ответил согласием.
Но в Россию картина всё же попала. Прошло более 10 лет, и в 1988 году первый вариант картины был выставлен в московском Доме молодежи. Выставка имела ошеломительный успех: люди выстраивались в многотысячные очереди, чтобы увидеть легендарное полотно. Второй вариант «Мистерии ХХ века» Глазунов написал в начале 2000-х. Размер новой картины был восемь на три – художник дописал послеперестроечные эпохальные события и главных действующих лиц.
Подтекст и крамола
Фрагмент полотна «Мистерия XX века». (Христос над историей ХХ века, а у подножия маленький земной шар, разыгрываемый главными игроками истории). Автор: И.С.Глазунов.
Мистерия (от латинского «церемония») — это жанр средневекового театрализованного представления, основанный на религиозных мотивах. Сюжеты для мистерии средневековые лицедеи брали с Библии и «наполняли» комическими сценками, взятыми с жизни. Вот и Глазунов разыграл на своем полотне целое театрализованное представление со знакомыми всем событиями и персонажами, которые сломали судьбы народов и наций и довели землян до апокалипсиса за последние 100 лет.
Творцы исторических событий – вожди и правители стран, выступают в главных ролях этой застывшей трагедии. Зритель словно попадает в подземное царство оживших мертвецов. Картина насчитывает 2342 образа и символа, имеющих свою роль в исторической мистерии.
В самом центре над этим всем хаосом — Христос, занесший руку для благословения. Нижняя левая часть полотна подсвечена ярким свечением пролитой алой крови, а правая ядерным взрывом.
Фрагмент полотна «Мистерия XX века».(И.Глазунов, Л.Толстой, П.Столыпин, Николай-II, Г.Распутин, М.Горький, Л.Троцкий, В.Ленин в бронзе). Автор И.С.Глазунов.
Исторические события мистерии начинают развиваться линейно с левого угла картины: царь, держащий на руках убитого сына, его приближенные, разгром церквей, свергнутый герб — всё это символы падения великой империи. Над ними вождь в бронзе – указывающий путь в «светлое» будущее.
Фрагмент полотна «Мистерия XX века». ( А.Эйнштейн, Э.Хемингуэй, Л.Армстронг, Ч.Чаплин, И.Сталин, У.Черчилль, Ф.Рузвельт, Б.Муссолини, А.Гитлер, М.Цзэдун). Автор: И.С.Глазунов.
Ближе к центру лежащий на кровавом одре «отец всех народов» — как символ утонувшего в крови Советского Союза. Рядом с ним совсем не скорбящие союзники. А над похоронной процессией возвышается торжествующий нацизм. Парадокс? Да! Но подводя итоги ХХ столетия понимаем, смысл того, что хотел сказать автор в конце 70-х годов. Глазунов еще тогда предрекал развал Союза и торжество западной идеологии.
Фрагмент полотна «Мистерия XX века». ( Римский Папа — Пий ХХII, Н.Хрущев, М.Ганди, Э.Че Гевара, Ф.Кастро, М.Цзэдун, Д.Кеннеди, группа «Битлз»). Автор: И.С.Глазунов.
В нижней центральной части полотна: писатели, поэты, ученые, артисты – своим трудом и творчеством принимающие непосредственное участие в борьбе двух враждующих лагерей.
Фрагмент полотна «Мистерия XX века». ( А.Солженицын, М.Тэтчер, Л.Брежнев, Ю. Андропов, М.Горбачев, Р.Горбачева, М.Монро, Б.Ельцин). Автор: И.С.Глазунов.
Все генсеки ЦК, их соратники по соцлагерю, и, конечно, первый президент России, приветствуемый ликующим народом, а также правители и политические деятели, до некоторого времени, враждебных стран… Все эти герои — главные действующие лица трагической мистерии, приложившие руку к падению великой империи, забвению религии, уничтожению миллионов человеческих жизней, развалу великой страны, продвижению нацизма. Они то и закатили земной шарик, изображенный в виде мяча, в нищету, в сексуальный разврат, бездуховность, угрозу ядерной войны и террористических актов. И не сложно догадаться какая идеология взяла верх в этом жестоком противостоянии.
Фрагмент полотна «Мистерия XX века».( М.Горбачев, Б.Ельцин, Б.Клинтон, И.Глазунов). Автор: И.С.Глазунов.
Художник разыграл на своем полотне мистерию не как драму, а как трагедию, угрожающую всему человечеству. На авансцене по двум сторонам этого театрального действия автор изобразил два своих автопортрета, чем показал свою причастность и ответственность за апокалипсис, разворачивающийся на планете. Зеркало, которое он поддерживает рукой, как отражение каждого из нас — мы также в ответе перед историей.
Гений Ильи Глазунова как творца
Илья Глазунов.
Вся сила творчества Глазунова в том, что он «затронул за живое» массового зрителя, откликнулся на его проблемы и запросы, дав ему то самое искусство, которое все ждали много лет.
«Такой фантастической репутации не было ни у кого из русских живописцев. И даже ни у кого из советских. В 60-70-80-е годы Глазунова дружно ненавидели коллеги-профессионалы, и художники, и искусствоведы. Причем все, и правые, и левые… Публика — или, скажем, массовая публика — боготворила. До сих пор помню очередь, вьющуюся кольцами вокруг Манежа на его выставку. Феерическое зрелище…»,- эти слова публициста Дмитрия Хмельницкого четко дают определение художнику и его творчеству.
И действительно никогда ни в Москве, ни в Ленинграде не собирались многотысячные очереди на выставки художников. И даже когда привозили Ган Гога или «Джоконду» не рвались такие толпы людей, как на выставки Глазунова.
Полотно «Моя жизнь» (1994). Автор: И.С.Глазунов
Личная жизнь художника не менее скандальна, чем и творческая. Она всегда вызывала большой интерес и среди поклонников, и среди критиков. Художник выплеснул историю своей жизни на полотно «Моя жизнь» (1994), наполненное трагическим звучанием, и отразившее основные этапы жизни живописца и его семьи на фоне бытия всей России.
Источник:
«Вечная Россия». Илья Глазунов, 1988 год.
Вокруг Ильи Глазунова всегда кипела буря страстей, а это только усиливало интерес к уникальному творчеству. Выставки его грандиозных работ собирали почти километровые очереди. На посетителей производили неизгладимое впечатление гигантские полотна, размером от 6 до 8 метров в ширину и 3 метра в высоту, на которых они узнавали множество знаменитых лиц.
Илья Сергеевич Глазунов —
советский и российский художник-живописец. | Фото: karavan.ua.
Мировая общественность, еще не знавшая примера монументальной живописи, подобной картинам Глазунова, как по своему содержанию, так и по своей сложности, была потрясена величием и гениальностью работ художника.
Но в России ценители искусства разделилась на два лагеря: одни доказывали, что Глазунов – лучший художник земли русской ХХ века, другие, в основном официальные критики – указывали на неуемный пафос произведений, исторические косяки и неординарную плоскую технику письма. Художник почти весь свой творческий путь прошел в атмосфере травли за «пропаганду достоевщины и религиозного мистицизма», за увлеченность «проклятым прошлым» России.
«Вечная Россия» (1988 г.)- посвящение 1000-летию Крещения Руси
Путь России в сто веков — нескончаемое народное шествие, крестный ход, берущий свое начало из глубины веков.
«Боже мой, сколько силы у этой картины! Я ощущаю гордость, что я родился русским!», — восхищенная фраза одного из посетителей выставки, возле полотна «Вечная Россия», в которой и гордость за Отчизну, и восторг, и неоспоримое признание. Это титанический труд, отразивший тысячелетний исторический путь России, все его взлёты и падения, а также триумф и поражение, воистину всех великих ее сынов.
Присмотревшись, видим мастерски прописанные образы, архитектурные сооружения, иконы, которые не только узнаваемы, но и «звучат» как единое целое. Их на полотне около 180-ти.
Образ девочки с ясными голубыми глазами олицетворяет непорочное начало, что возродит и пробудит народ великой России. | Фото: pbs.twimg.com.
За образом каждого из православных святых, великих князей, царей, полководцев, писателей, живописцев, ученых, композиторов, политических деятелей, творивших историю могучего государства, стоит человеческая судьба.
Как преемственность поколений запечатлел Илья Глазунов и своих родных в этой уникальной летописи. В юноше со свечой, и рядом стоящей с ним девочкой, в центре полотна, можно узнать черты родителей художника, и в левом углу картины, черты его деда, в образе государственного сановника.
«Мистерия ХХ века» (1978г.) — протест поклонению вождям всех народов за последние 100 лет
В конце 70-х прошлого века западные журналы пестрели заголовками: «Картина, которую никогда не увидят русские». В действительности, лишь по прошествии многих лет, сотни тысяч зрителей увидели в Московском Доме молодежи картину «Мистерия ХХ века».
«Мистерия ХХ века» (1978 г). Фрагмент. Апокалипсис, к которому человечество привело планету за последние 100 лет. | Фото: i.artfile.me.
Масштабы полотна «Мистерия ХХ века» просто потрясают своей грандиозностью: на холсте размером 8х3 метра изображено 2342 персонажа. В целом же картина смотрится как застывший фильм-катастрофа, который демонстрирует, сколько ужаса и несправедливости натворило человечество на земле за минувшие сто лет.
Интересна и сама история создания картины: написанная в 1978 году, в конце 90-х она стала намного больше размерами, в буквальном смысле. Глазунов дописал к ней эпоху перестройки, развал Союза, приватизацию и всех деятелей, приложивших к этому руку.
На картине изображен и сам художник, притом, дважды: в левом нижнем углу – молодым, как в 70 годы, и в правом — уже в преклонном возрасте, чем показал и свою ответственность за апокалипсис, разворачивающийся на планете. А в зеркале, которое он поддерживает рукой, каждый должен был увидеть себя.
Источник:
В былые времена, когда людям запрещали выражать свое мнение или убеждения публично (или считалось грубым выставлять на всеобщее достояние свои истинные чувства), картины и скульптуры были подходящим объектом, которые творцы использовали, чтобы донести до людей какие-либо сообщения. Кто-то из художников таким обзором делился с миром своими политическим убеждениями и нравственными воззрениями, тогда как другие оставляли в своих полотнах аллегории на религиозные темы. Но были в эпоху Возрождения и такие художники, которые оставляли для будущих поколений так называемые «пасхалки». Сегодня все эти скрытые символы являются для ученых предметом изучения.
1. Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря»
Леонардо да Винчи — Тайная вечеря (1498)
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи является одним из самых обсуждаемых произведений искусства среди теоретиков заговора, которые регулярно находят скрытые коды в этой работе. Оказывается, что «Тайная вечеря» полна секретных кодов и смыслов. Причем, речь пойдет не о криптограммах, которые, по мнению Дэна Брауна, автора «Кода Да Винчи», хранят секреты о дальнейшей жизни Иисуса, и даже не по поводу заявлений, что в картине скрыт математический и астрологический код, который показывает день, когда начнется конец света (21 марта 4006 года).
Наряду со всеми кодами, Леонардо, кажется, передал потомкам в своем произведении музыку. На первый взгляд, в булочках, разбросанных по столу, нет ничего таинственного. Но тем не менее, несколько лет назад итальянский компьютерный техник Джованни Мария Пала нашла в картине… партитуру. Положение рук и хлеба можно интерпретировать как музыкальные ноты. А если прочесть эти ноты справа налево (Да Винчи часто писал именно подобным образом), получится 40-секундная композиция, которая звучит как реквием. ПОДРОБНЕЕ…
2. Микеланджело, «Бог, отделяющий свет от тьмы»
Одним из самых известных произведений искусства еще одного знаменитого художника эпохи Возрождения, Микеланджело, является его огромная картина на потолке Сикстинской капеллы. Этот действительно гигантский шедевр делится на девять сегментов, и каждый из них рассказывает отдельную историю из Книги Бытия.
Микеланджело был гением и «истинным человеком Возрождения»: художником, скульптором, архитектором, и, среди прочего, специалистом в области анатомии человека. Это стало известно из-за его скульптур, а также потому, что художнику удалось скрыть несколько анатомических элементов в своих картинах. Еще в молодости Микеланджело препарировал трупы, откопанные на кладбище, и в течение этого довольно отвратительного периода его жизни он узнал много нового о человеческом теле.
Микеланджело, «Бог, отделяющий свет от тьмы», потолок Сикстинской капеллы.
К примеру, если внимательно посмотреть на фрагмент под названием «Бог, отделяющий свет от тьмы», то можно увидеть, что шея и подбородок Бога напоминают изображение человеческого мозга.
Так почему же Микеланджело скрывал анатомические зарисовки в своих картинах. Большинство теоретиков считают, что это был протест Микеланджело против отказа церкви принять научные факты.
3. Микеланджело, «Сотворение Адама»
Микеланджело, «Сотворение Адама», фрагмент потолка Сикстинской капеллы
Похоже, что Микеланджело был очарован человеческим мозгом. В другом популярном фрагменте его шедевра на потолке Сикстинской капеллы, он вставил еще одно изображение мозга. Пожалуй, все видели эту картину, известную как «Сотворение Адама», поскольку это одна из самых тиражируемых религиозных картин всех времен.
Бог, которого поддерживают двенадцать фигур, протягивает руку и едва касается руки Адама, передавая ему искру жизни. Изначально считалось, что вся композиция является лишь аллегорией отношений между человеком и Богом, но некоторые эксперты проанализировали картину и заметили, что Бог и двенадцать фигур изображены на фоне скрученного плаща, который очень напоминает структуру человеческого мозга.
Это не может быть простым совпадением, поскольку Микеланджело даже удалось изобразить некоторые из наиболее сложных частей головного мозга, таких как мозжечок, зрительный нерв и гипофиз.
4. Винсент Ван Гог, «Ночная терраса кафе»
«Ночная терраса кафе» считается одной из самых ценных картин Ван Гога. Сцена, изображенная на ней, довольно проста — это ночь и куча людей с напитками в полупустом кафе. Но оказывается, что в картине скрыто больше, чем обычная уличная сцена. Многие исследователи считают, что Ван Гог фактически создал свой собственный вариант изображения «Тайной вечери».
Те, кто поддерживает эту теорию, объясняют подобную возможность большой религиозностью Ван Гога. Также все знают, что Иисус проводил свою Тайную Вечерю вместе со своими двенадцатью учениками.
Винсент Ван Гог, «Ночная терраса кафе»
Ровно двенадцать людей сидят в кафе на картине Ван Гога, причем все они сосредоточены вокруг длинноволосого человека. Более того, на картине есть несколько скрытых крестов, один из которых находится выше «Иисуса».
Ван Гог никогда не говорил, что это его картина имеет какую-либо религиозную символику, хотя в одном письме к своему брату Тео он написал следующее: «…это не мешает мне жутко нуждаться в религии. Так что я выхожу на улицу по ночам, чтобы рисовать звезды, и я всегда мечтал написать при этом картину с группой своих приятелей».
5. Леонардо да Винчи, «Джоконда»
Этот загадочный шедевр озадачивал исследователей и историков искусства на протяжении веков. Теперь итальянские ученые добавили еще один аспект интриги, заявив, что да Винчи оставил на картине ряд очень маленьких букв и цифр. При рассмотрении под микроскопом, можно разглядеть буквы LV в правом глазу Моны Лизы.
А в левом глазу также есть какие-то символы, но не так заметны, как другие. Они напоминают буквы CE, либо букву B.
На арке моста на фоне картины есть надпись либо «72», либо «L2» или буква L, а число 2. Также на картине есть число 149 и четвертое затертое число после них.
Леонардо да Винчи, «Джоконда».
Исследователи предполагают, что это, вероятно, год создания картины (если да Винчи был в Милане во время 1490-х). Но, что на самом деле значат эти все цифры и буквы, знал только сам да Винчи.
6. Сандро Боттичелли, «Весна»
Этот шедевр Боттичелли имеет много интересного для тех, кто ищет скрытые символы и смысл в произведениях искусства. Происхождение картины неясно. Она была написана либо по заказу Лоренцо де Медичи, или несколько позже — для его двоюродного брата Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи. В любом случае, и, возможно, что более важно, картина была создана при дворе одной из самых прогрессивных семей того времени.
Сандро Боттичелли, «Весна».
«Весна» изобилует персонажами из римской мифологии, что было сделано (как утверждают исследователи) для отображения мифологических аллегорий расцветающего плодородия мира. Помимо этого очевидного объяснения, существует множество интерпретаций сцены, изображенной на картине. Некоторые люди думают, что она предоставляет ключи к заговору против семьи Медичи, а другие думают, что полотно связано с языческой эпохой Возрождения и неоплатонической философией.
Также картина примечательна тем, что на ней изображен настоящий ботанический рай. На воображаемом луге, изображенном на «Primavera» (Весна), Боттичелли нарисовал просто невероятное количество растений с удивительной степенью детализации.
По словам ботаников, которые сделали исследование данной картины, на ней есть, по крайней мере, 500 различных растений более 200 разных видов. Одна из теорий предполагает, что это все виды весенних растений, которые росли близ Флоренции в XV веке.
7. Джорджоне, «Буря»
На картине венецианского художника Джорджоне «Буря» изображены две фигуры, мужчина и женщина под стенами неизвестного города, на который надвигается буря.
Картина выглядит очень простой и понятной, но на протяжении многих лет многие ученые анализировали ее и пытались найти наилучшее толкование. Молодого человека, стоящего на тропинке, описывали как солдата, пастуха, цыгана или молодого аристократа. Женщину, сидящую напротив него, считали цыганкой, проституткой, Евой или Марией, матерью Иисуса, по дороге в Египет. На крыше одного из домов можно увидеть аиста, который, по мнению некоторых, является символом любви родителей к своим детям.
«Буря» (примерно 1508 год)
Все вокруг кажется, замерло в ожидании предстоящей бури. По словам итальянского ученого Сальваторе Сеттиса, город на заднем плане — изображение Рая, а два персонажа — это Адам и Ева с их сыном Каином. В древнегреческой и иудейской мифологии молнии в небе символизируют Бога.
Сеттис считает, что картина показывает момент, когда Бог выгнал Адама и Еву из Рая. Это лишь одно из объяснений «Бури», которую многие ученые считают одним из самых загадочных произведений искусства.
8. Питер Брейгель Старший, «Фламандские пословицы»
Казалось бы, нет ничего таинственного в этой картине Питера Брейгеля Старшего, но она не менее интересная, чем другие, упомянутые выше. «Фламандские пословицы» можно описать, как буквальное толкование пословиц на голландском языке. Брейгелю удалось нарисовать визуальное отображение огромного количества пословиц, которые были популярны в то время.
Питер Брейгель Старший, «Фламандские пословицы».
Всего ученым удалось идентифицировать около 112 пословиц, но очень вероятно, что их намного больше, просто сегодня о них забыли (что не позволяет их идентифицировать), или же они очень хорошо спрятаны.
9. Иероним Босх, «Сад земных наслаждений»
Фрагмент триптиха Иеронима Босха «Сад земных наслаждений», правая створка «Ад», на которой можно увидеть партитуру на ягодицах грешника
Работа Иеронима Босха известна своими фантастическими образами, детализированными пейзажами и иллюстрациями религиозных концепций. Босх был настоящим мастером в изображении гротеска. Каждая картина Басха выглядит как проверка людей на способность замечать мелкие и скрытые детали.
Иероним Босх, «Сад земных наслаждений»
К примеру, всего три года назад, блоггер под названием Amelia рассказала в своем блоге на Tumblr о том, что она нашла какие-то скрытые музыкальные ноты на одной из картин. Речь как раз и идет об этой пресловутой пятой точке грешника. Вскоре в Интернете появился «Гимн грешника», написанный по этим нотам.
10. Караваджо, «Вакх»
«Вакх» является одной из самых нашумевших картин Караваджо. Сегодня ее можно увидеть в галерее Уффици во Флоренции. На картине, написанной в 1595 году, изображен римский бог Вакх (Дионис) с бокалом вина, который как бы приглашает зрителя присоединиться к нему.
Вроде бы все выглядит достаточно очевидно, но восемь лет назад группе экспертов, использующих современную технологию рефлектограммы, удалось увидеть нечто своеобразное внутри графина вина (в нижнем левом углу): Караваджо написал в этом месте крошечный автопортрет.
Караваджо, «Вакх»
Миниатюрный портрет обнаружили в 1922 году, когда реставратор очищал холст. Тогда ученые не поняли что они обнаружили под вековыми слоями грязи. Но, благодаря современной технологии, теперь все могут увидеть забавное изображение Караваджо.
Источник:
Пожалуй, большинство видели картину Репина «Запорожцы» (также известную под названием «Запорожцы пишут письмо турецкому султану») много раз. Но мало кто задумывался, почему человек на переднем плане изображён без рубашки
. На самом деле ответ на этот вопрос кроется в самой картине.
Художник Илья Репин известен удивительно тщательным подходом к созданию своих картин — на его полоднах всё выверено до мелочек и каждая деталь имеет значение. Идеи свои будущих творений он вынашивал подолгу. Так, над картиной «Запорожцы» Репин работал 13 лет. И результат стоит того! Об истории создания этой картины можно было бы написать книгу, а рассматривать ей можно часами. Но сегодня мы сосредоточимся всего на одной весьма занимательной детали.
Одна любопытная деталь.
Глядя на картину сложно не заметить сидящего слева от писаря казака с обнажённым торсом. Почему же один он из всей братии, изображённой на картине, не одет. Чтобы правильно ответить на вопрос, достаточно внимательно рассмотреть увеличенный фрагмент картины.
Рассмотрите внимательно этот фрагмент.
Заметили колоду карт? В ней и кроется правильный ответ.
Заметили колоду карт?
Человек, изображённый обнажённым, никто другой, как банкомет — тот, кто раздаёт карты. Поэтому игральная колода рядом с ним нарисована неслучайно. Такие люди во времена Запорожской Сечи традиционно снимали верхнюю одежду, чтобы не было сомнений в их честности — ведь в этом случае не было возможности спрятать карту в рукав.
Источник:
Ночные грёзы. Автор: Валентин Губарев.
Несмотря на то, что картины Валентина Губарева пропитаны суровой советской реальностью, наполнены невероятным душевным теплом, искренностью и добротой, которой порой так не хватает современному миру. Ведь его творчество – глоток ностальгии, ловко переносящий зрителя в далёко прошлое, когда жизнь, да и люди были абсолютно другими, более открытыми, гостеприимными и живыми…
Благодаря непосредственному восприятию окружающего мира, Валентин не устаёт придумывать разнообразные сюжеты для своих работ. Его картины похожи на увлекательную игру, переносящую зрителя на просторы советского прошлого, где, казалось бы, жизнь шла своим чередом, но при этом, по сей день есть что вспомнить. И каждый раз, глядя на ту или иную картину, вновь хочется почувствовать себя героем былых времён. Ведь, по мнению художника, человек состоит из 60-ти процентов прошлого, 30-ти — настоящего и лишь 10-ть из них – будущее, состоящее из мечтаний и желаний. Его творчество пропитано невероятной ностальгией, приправленной «солью и перцем», щепоткой грусти и нотками радости, отражающими самые разнообразные чувства и эмоции.
Уроки плавания в ожидании глобального потепления. Автор: Валентин Губарев.
Титаник. Автор: Валентин Губарев.
Птаха. Автор: Валентин Губарев.
Бабье лето. Автор: Валентин Губарев.
Детство. Автор: Валентин Губарев.
Перечитывая Шопенгауэра. Автор: Валентин Губарев.
Красное-креплёное. Автор: Валентин Губарев.
«Простой как пять копеек» — так можно сказать о Валентине и его творчестве, в основе которого лежит не только ирония с тонким юмором, но и романтика, приправленная переживаниями, светлыми чувствами и душевным теплом, а так же невероятная энергетика и позитив, без которого трудно представить подобные картины. В них чувствуется самая настоящая жизнь, знакомая большинству зрителей, которые родились и выросли во времена Советского Союза. И, несмотря на то, что вся она, казалось бы, состояла из нелепостей, мимолётных мгновений и нескольких праздников, по которым устраивались застолья, с танцами и плясками, царящая вокруг атмосфера не могла не радовать. Ведь именно тогда, люди не просто ждали приближающегося веселья, а и ценили то, что у них было и есть, радуясь каждому прожитому дню.
Дача. Автор: Валентин Губарев.
Медляк. Автор: Валентин Губарев.
Ты этого достойна! Автор: Валентин Губарев.
Вдохновение. Автор: Валентин Губарев.
Тридцать лет вместе. Автор: Валентин Губарев.
Джек-пот. Автор: Валентин Губарев.
Ленин в октябре. Автор: Валентин Губарев.
Только ты и я. Автор: Валентин Губарев.
Возвращение блудного мужа. Автор: Валентин Губарев.
Розовый сон. Автор: Валентин Губарев.
В ожидании восхода солнца. Автор: Валентин Губарев.
Явные преимущества точки кругового обзора. Автор: Валентин Губарев.
Источник:
источник
Картина Эдварда Мунка «Мадонна» в конце XIX в. вызвала широкий резонанс. Обнаженная женщина с распущенными волосами и полуприкрытыми в экстазе глазами не вызывала никаких ассоциаций с Девой Марией. Единственное, что напоминало канонические изображения Мадонны, – нимб над ее головой, но он почему-то был красного цвета. Эта женщина была больше похожа на любовницу в момент пика чувственного наслаждения, чем на библейский персонаж. На художника обрушилась волна негодования.
Эдвард Мунк. Автопортрет с бутылкой вина, 1906 | Фото: artchive.ru
Мунк создал пять версий этой картины и литографию. Каждый из вариантов, согласно замыслу, должен был соответствовать основным этапам жизненного пути женщины: зачатие ребенка, рождение потомства и смерть. Именно в продолжении рода видел художник главное женское предназначение. Первая версия «Мадонны» также носила название «Зачатие» или «Любящая женщина». Поза женщина заставляет предположить, что она изображена лежащей, с запрокинутой головой. Вторую стадию – рождение потомства – художник изобразил в литографии 1895 г. Она повторяла первую версию, но тут в нижнем углу был изображен эмбрион, а на раме – сперматозоиды. Каждый из вариантов картины был не повторением ее темы, а дополнением и развитием.
Эдвард Мунк. Автопортрет с зажженной сигаретой, 1895 | Фото: artchive.ru
Как во всех картинах норвежского экспрессиониста, доминирующее значение здесь имеет цвет. Несмотря на выбранную тему, которая ожидаемо предполагает ассоциации с любовью, страстью и животворящей энергией, цветовая гамма производит гнетущее впечатление и вызывает ощущение тревоги. И это именно тот эффект, который намеревался создать художник, – размытые изогнутые линии словно обволакивают тело женщины и заключают его в плотное кольцо. Автору была близка идея самоотречения во имя любви и тема губительной природы человеческих страстей.
Эдвард Мунк. Мадонна, 1894-1895 | Фото: artchive.ru
Темная палитра красок и странная поза женщины заставляют задуматься: находится ли она на пике наслаждения или изображена в момент последнего вздоха, когда душа покидает тело? Любовь и смерть в работах Мунка часто становятся синонимичными понятиями. По мнению художника, «любовь – божественное чувство, и каждая новая влюбленность обязательно несет в себе оттенок скорби по кусочку собственного «я», принесенному в дар объекту страсти». Поэтому в глазах Мунка влюбленная женщина – это Мадонна Скорбящая. В ХХ в. критики даже усматривали в этой картине предупреждение о надвигающейся угрозе для всего человечества.
Эдвард Мунк. Мадонна, 1895 | Фото: artversed.com
Картина «Мадонна» была впервые представлена публике в 1896 г. под названием «Влюбленная женщина». Критики назвали ее опасной для юных девушек, особенно вторую ее версию, с эмбрионом и сперматозоидами. А. Стриндберг в 1896 г. в своей рецензии на эту картину писал: «Скорее всего, здесь изображено зачатие – неважно, непорочное или грешное. Красный и золотой ореолы вокруг фигуры героини символизируют акт совокупления как единственного смысла существования любого существа, неспособного жить в одиночестве».
Дагни Юль | Фото: liveinternet.ru
Мадонну Мунк писал с натурщицы Дагни Юль – женщины, которую называют роковой музой многих деятелей искусства того времени. Одно время она была любовницей Мунка, а на момент написания картины – женой его друга. За ее бесконечные романы Дагни именовали «пожирательницей мужчин». Тем более кощунственным было для современников увидеть ее в образе Мадонны.
Дагни Юль | Фото: georgianjournal.ge
Эдвард Мунк на самом деле не намеревался глумиться над христианскими ценностями, он пытался разглядеть земное в небесном, увидеть в Деве Марии обычную женщину, чтобы максимально ее очеловечить, сделать близкой и узнаваемой, возвеличить в ней земное, человеческое, смертное. В момент зарождения жизни женщина, по мнению художника, объединяет в себе святость и одухотворенность мира вместе с его страданиями и страхами. Отношение Мунка к женщинам было амбивалентным: красота для него всегда подразумевала смертельную опасность. «Женщина в ее тотальной изменчивости – это загадка для мужчины. Она одновременно святая и потаскуха, наркотик, страдание, человек… Человек, сводящий с ума…», – писал художник.
Картины *Крик* и *Мадонна* были похищены из музея в 2004 г. | Фото: etoday.ru
В 2004 г. из музея Мунка в Осло «Мадонна» была похищена вместе с другой знаменитой картиной художника – «Крик». Полотна были возвращены только спустя два года. Из-за полученных повреждений они не демонстрировались в течение двух лет, пока велись реставрационные работы.
В 2006 г. *Мадонну* вернули в музей Мунка в Осло
Источник:
Полотна Ивана Айвазовского во все времена буквально притягивали зрителей, морские пейзажи мастера даже в век компьютерной графики и высокого разрешения по-настоящем завораживают. На выставку знаменитого мариниста в Третьяковской галерее, открывшуюся в конце июля, выстраиваются очереди, ее уже посетили около 250 тысяч человек. Но мало кто знает, что со многими знаменитыми картинами художника связаны мистические истории.
Тайны пяти самых загадочных полотен Айвазовского раскрывает дипломированный историк искусства и лектор образовательного проекта Level One Наталья Игнатова. Три из них можно увидеть на выставке в Москве до 20 ноября.
Полотно с демонами, или «Сотворение мира» («Хаос») (1841)
В основу этого монументального полотна положен библейский сюжет о сотворении мира: художник изобразил на ней Дух Божий в виде света, пробивающегося сквозь мрачные тучи. Когда Айвазовский представлял свою работу в Италии, этот образ так впечатлил папу римского Григория XVI, что он захотел приобрести ее для своей коллекции. Но священнослужители разглядели на картине и нечистую силу, по их мнению, намеренно спрятанную художником в темных облаках. Чтобы узнать так это или нет, кардиналы созвали совет и подвергли ее тщательному осмотру на предмет присутствия демонов, но так их и не обнаружили. Так «Хаос» попал в Ватикан.
Между жизнью и смертью, или «Девятый вал» (1850)
Айвазовский написал эту картину после того, как сам чудом выжил в страшной буре. Однажды моряки рассказали художнику, что во время шторма волны идут по нарастанию и самым сильным и высоким всегда оказывается девятый вал, именно он губит корабли. Но если судну удается его преодолеть, появляется надежда выжить, потому что затем волны пойдут на спад. После окончания Академии художеств Айвазовский путешествовал по Европе и попал у берегов Испании в сильный шторм, где увидел воочию, что такое девятый вал. На берегу уже не верили, что корабль вернется, и начали готовиться к похоронам, но все закончилось благополучно. Как потом вспоминал художник, рискуя жизнью, он вышел на палубу, чтобы в мельчайших деталях запомнить этот роковой момент и ощутить всю мощь бушующей стихии. Эти впечатления он воплотил в своей самой известной картине «Девятый вал». Люди цепляются за оторванную мачту, а на них надвигается девятый вал, но яркое солнце, пробивающееся сквозь тучи, дает надежду, что им удастся пережить шторм, как когда-то удалось автору полотна.
Тревожная стихия или «Черное море» (1881)
Если романтичный «Девятый вал» наполнен светом надежды, то в картине «Черное море» мы видим тревожную стихию. Небо затянуто тучами, надвигается буря, одинокий парусник на горизонте спешит вернуться в порт. Это одно из самых драматичных полотен Айвазовского, которое ознаменовало новый реалистичный этап в творчестве художника. Глядя на картину, можно ощутить, как могучие темные волны надвигаются прямо на зрителя. Другой великий художник XIX века Иван Крамской считал эту работу самым сильным творением Айвазовского. Не случайно он изобразил фрагмент этого полотна на своей картине «Неутешное горе», разместив мрачный морской пейзаж над детским гробиком. Картина надвигающейся бури стала отражением внутреннего горя матери, потерявшей ребенка.
Найди убийцу, или «На смерть Александра III» (1894)
Свое самое мистическое полотно Иван Айвазовский написал после того, как получил известие о смерти императора Александра III, которого знал лично. Эта картина наполнена горем и скорбью, которые пережил художник. Она производит настолько гнетущее впечатление, что сейчас картина находится в отдельном зале Феодосийской галереи. Считается, что она приносит несчастье всем, кто на нее посмотрит. Если долго вглядываться в полотно, то в тумане можно разглядеть образы призраков. Сквозь мрачные очертания Петропавловской крепости и набережной Невы проступают воды реки мертвых Стикс. Образ женщины в черном, аллегории скорбящей вдовы, при определенном ракурсе может показаться мужчиной с усами. Одним он напоминает террориста, который покушался на Александра III, другим – последнего российского императора Николая II. Картину случайно обнаружили и представили публике в начале 2000-х годов, правда выставлялась она недолго.
Встреча на кладбище, или «Штиль у крымских берегов» (1899)
Эта картина отличается от остальных полотен Айвазовского, она пропитана духом спокойствия и безмятежности. Художник написал этот пейзаж в 82 года, когда наконец обрел семейное счастье. Однако встретил он свою последнюю любовь при весьма трагических обстоятельствах: Айвазовский увидел свою будущую супругу Анну Саркисову-Бурназян на похоронах ее мужа. Шел 1882 год, Анне в тот момент было всего 25 лет, а художнику – 65, но они полюбили друг друга с первого взгляда. Спустя год, когда молодая вдова выдержала положенный траур, они поженились. Несмотря на огромную разницу в возрасте, их брак оказался очень счастливым, а картина «Штиль у крымских берегов» стала отражением гармонии, любви и умиротворения, царивших в душе художника в последние годы его жизни. Он умер в возрасте 83 лет за работой.
Источник
«Автопортрет в соломенной шляпе» Винсента Ван Гога историки называют картиной-путешественницей, а мистики – картиной-убийцей. И у тех, и у других есть на то веские основания. История этого шедевра, написанного нидерландским живописцем, тесно связана с судьбой коллекционера Амбруаза Воллара. Цепь загадочных событий началась, когда однажды он узнал, что у автопортрета есть «двойник», который приносит несчастья своим владельцам…
Амбруаз Воллар – известный коллекционер и торговец картинами. В XIX веке он прославился благодаря тому, что прекрасно улавливал тенденции развития современной живописи и часто покупал за сотню франков полотна, который через годы оценивались в целое состояние. Воллар был одним из первооткрывателей Ван Гога для широкой публики, он высоко ценил творческую манеру художника и знал его картины. В частности, именно он проводил экспертизу «Автопортрета в соломенной шляпе», когда полотно покупал Ротшильд.
Коллекционер и торговец картинами Амбруаз Воллар
Зная, что картина украшает зал в доме барона-миллионера, Амбруаз без тени сомнения назвал подделкой холст, который однажды под рождество принес в его лавку бродяга. Он просил за картину тысячу франков, Амбруаз назвал полотно мазней и выгнал нищего вон. На следующий день к торговцу картинами пожаловал полицейский, он сообщил ему пренеприятную новость, что бродяга от отчаянья бросился в Сену, выкрикнув напоследок имя Воллара. Учитывая авторитет коллекционера, никто не собирался признавать его виновным в смерти бродяги, но все же сам Амбруаз был расстроен. Он смотрел на полотно и отказывался верить в историю, рассказанную нищим, что якобы он получил этот портрет от друга-путешественника, который, в свою очередь, работал официантом в баре, где частенько отдыхал художник. Ван Гог подарил ему автопортрет, когда официант поделился с ним, что планирует служить юнгой корабле и много путешествовать. Художник мечтал, что таким образом портрет осуществит мечту создателя о поездке в неизведанные страны.
История казалась Амбруазу нереальной, он в который раз смотрел на портрет и вдруг, протерев краски, увидел, как сквозь пыль и грязь стали просвечивать солнечные цвета вангоговской палитры. Сомнений не оставалось, перед Амбруазом был оригинал-дубль портрета, хранившегося у Ротшильдов.
С этого момента началась мистическая история картины: Воллар тут же постарался продать ее, но всех последующих владельцев полотна постигали несчастья. Вначале она была куплена аргентинским землевладельцем, его дочь, которая захотела лично забрать картину, погибла, возвращаясь с полотном, от рук своих любовников (мужчины случайно встретились и, уличив в измене неверную возлюбленную, убили ее).
Портрет Жоржа Клемансо
Картина была возвращена Амбруазу, и тот отдал ее политику Жоржу Клемансо. Как только полотно повесили на его террасе, Клемансо пережил покушение, в него стрелял неизвестный. А на следующий день к нему в гости заглянул промышленник Генри Фрик, подозрительно посмотрел на тяжелую раму картины и предостерег Жоржа от ее возможного падения. Практически сразу же картина с грохотом упала на пол, едва не покалечив Клемансо, сидевшего рядом.
Портрет промышленника Генри Фрика
Следующим владельцем картины стал Фрик. Казалось, портрет перестал «гневаться», поскольку промышленник постоянно возил картину за собой по миру, экспонировал на выставках по всей Америке. Беды начались только после смерти Фрика: автопортрет Ван Гога перешел во владение дочери промышленника, картина к тому времени оценивалась в миллионы долларов, и было принято решение хранить ее в сейфе. Как только портрет оказался под замком, в доме начали происходить мистические события, и вызванная для консультации ясновидящая посоветовала продать картину.
Покупатель нашелся быстро, им стал испанский коллекционер, не пожалевший отдать за картину 20 миллионов. Ввезти ее в страну получилось не сразу: посредник попал в руки таможенников, картину конфисковали. Спустя время ее удалось найти в одной из нью-йоркских галерей. Вторая попытка ввезти картину в Испанию была еще более невероятной: полотно решено было везти, завернутым в ковер. Ковер вручался как ценный подарок секретарше коллекционера. Казалось, уж на этот раз все пройдет гладко, однако по нелепейшему стечению обстоятельств не подозревавшая ни о чем секретарша выбросила картон с холостом Ван Гога, приняв его за упаковочную бумагу.
Портрет Ван Гога
Историю предали огласке, но картину так и не нашли. Сегодня «Автопортрет в соломенной шляпе» выставлен в музее Детройта, вот только какой из двух картин – Ротшильда или Воллара – могут полюбоваться посетители, остается загадкой.
Источник: