картины
У тебя никогда не было ощущения, что Моне Лизе с ее таинственной улыбкой чего-то не хватает? Чего-то, что сделало бы ее портрет идеальным? Даем подсказку: оно рыжее и мохнатое.
Толстый (и в данном случае никакой это не фэтшейминг!) рыжий кот Заратустра уже звезда Instagram. Его любят все, у него нет хейтеров, и это чистая, незамутненная слава.
Н.С. Гончарова — двоюродная правнучка Н.Н. Гончаровой.
Рассматривая творчество Натальи Сергеевны Гончаровой — художницы-авангардистки, представительницы движения «лучистов», флагмана русского модернизма, скульптора и декоратора, невольно задаешься вопросом: «А выкладывали бы коллекционеры живописи такие баснословные суммы денег за примитивные работы художницы, если бы ее не окружали публичные скандалы и аресты картин прямо в выставочных залах?» Думается, вряд ли… А обвиняла ее церковь за неординарное решение церковных сюжетов, а общественность — за пропаганду порно.
Наталья Гончарова — русская художница- авангардистка.
Работы Гончаровой очень далеки от экстравагантных работ авангардистов того времени, а куда более близки к примитивизму и реализму, что не позволяет их считать действительно авангардистскими. Однако огромный пиар вокруг творчества художницы раздули люди, имеющие в своих собраниях произведения Натальи Сергеевны. И весьма любопытно то, что в 2011 году вдруг выяснилось — более 300 картин, приписываемых Гончаровой, являются подделками. И тут возникает очередной вопрос: «Кто же так столь неистово продвигает Гончарову уже после её смерти?»
«Цветы».(1912). Автор: Наталья Гончарова.
Но как бы там ни было Гончарова на сегодняшний день является известной во всем мире художницей, картины которой продаются по невероятно баснословным ценам на арт-рынке. Согласно статистике ее работа «Цветы» (1912) была продана на аукционе Christie’s в 2008 году более чем за 10,9 миллионов долларов, полотно «Испанка»(1916) в 2010 году — за $10,7 млн, а «Сбор яблок»(1909) в 2007 году — за $ 9,8 млн.
Личное дело
Наталья Гончарова — русская художница- авангардистка.
Наталья Гончарова (1881-1962) — дочь московского архитектора Сергея Михайловича Гончарова, принадлежащего к дворянскому роду; двоюродная правнучка жены А.С. Пушкина Натальи Гончаровой.
«Автопортрет с желтыми лилиями». Автор: Наталья Гончарова.
Проведя детство в деревне, позже всегда будет жалеть, что всю жизнь ей довелось прожить в крупных городах в то время как предпочла бы сельский быт. Ведь в будущем художницу будет всегда привлекать тематика крестьянства. Она всю жизнь, стремясь познать сущность творчества народа, коллекционировала лубок, каменных баб.
«Бабы с граблями» (1907). Автор: Наталья Гончарова.
«Хоровод». Автор: Наталья Гончарова.
Гимназию Наталья окончила с серебряной медалью, затем 3 дня проучилась на медицинских курсах и пол года на историческом факультете прежде чем нашла свое призвание. В 1901 году в статусе вольнослушателя Гончарова поступила в Московское училище живописи, ваяния и зодчества на отделение скульптуры. Там и познакомилась со своим будущим мужем М.Ф.Ларионовым. Именно он посоветовал ей не тратить время на скульптуру и заняться живописью. «Откройте глаза на свои глаза. У вас талант к цвету, а вы занимаетесь формой», — сказал он. И Наталья перешла на живописное отделение, где ее наставником стал Константин Коровин, но скульптуру она также не оставила.
«Велосипедист» (1913). Автор: Наталия Гончарова.
В 1909 году Наталья Гончарова перестала вносить оплату за своё обучение, за что была отчислена. Однако уже к этому времени она начала продавать свои картины и вести преподавательскую деятельность в Студии живописи и рисунка, а также выставляться на художественных выставках.
«Соблазнительные картины» Наталии Гончаровой: слева — «Обнаженная негритянка», справа — «Натурщица с закинутыми за голову руками (на синем фоне)».
Первая персональная выставка Гончаровой в 1910 году, где было представлено 22 ее полотна, продлилась чуть дольше суток. Несколько представленных работ в жанре ню были изъяты полицией, а экспозиция закрыта. Самой же художнице предъявили обвинение в распространении порнографии, но позже в суде ее оправдали. Больше в этом жанре Наталья не работала никогда.
«Дева на драконе». Автор: Наталья Гончарова.
Сложно было понять почему так ополчились против Гончаровой, но по всей вероятности одна из причин была в том, что для женщин-художниц в то время существовало негласное табу, ограничивающие возможности работы над обнаженной натурой.
Наталья разрушила стереотипы «женского» поведения не только в живописи, но и в жизни: ходила в рубахах, больше напоминавших рабочую одежду, брюках и кепке, снялась в футуристическом фильме «Драма в кабаре № 13» с обнаженной грудью.
«Старец с семью звездами». (Апокалипсис). (1910). Автор: Наталья Гончарова.
Через год на одной из выставок «Бубнового валета», было конфисковано еще одно полотно Гончаровой — «Бог плодородия». А еще через год православная церковь выступила с официальным запретом цикла работ «Евангелисты» на выставке «Ослиный хвост» — официальным предлогом для запрета выступило то, что сюжеты картин не соответствовали названию выставки.
«Распятие». Автор: Наталья Гончарова.
В 1914 году организаторы открывая выставку художницы уже заранее согласовали список экспонируемых работ Гончаровой. Однако не пройдет и двух дней как появится анонимный отзыв, осуждающий использование авангардистских техник для изображения религиозных сюжетов.
«Отец, Сын и Святой Дух». Автор: Наталья Гончарова.
Безусловно снова разразился скандал, и духовенство требовало немедленного закрытия выставки. Но в этот раз за молодую художницу заступились граф И.И. Толстой, вице-президент Академии художеств Николай Врангель и художник Мстислав Добужинский. И духовным сановникам пришлось отступить. Синод, вынес вердикт, что мол художница «возрождает технику древних византийских мастеров» и скандал замялся сам собой.
«Рождество Христово». Автор: Наталья Гончарова.
Большинство экспозиций Гончаровой провоцировали агрессию со стороны прессы, цензуры или оскорбленной общественности. Отец художницы выступая в защиту дочери написал открытое письмо в газету, в котором негодовал: «Ужели вы не видите в этих изображениях живого духа — духа творчества и духа исканий, не найденного еще почти никем?».
«Портрет Натальи Гончаровой и Михаила Ларионова». Автор: Наталья Гончарова.
В 1915 году, спустя год после своего последнего столкновения с цензурой, Наталья Гончарова вместе с мужем Михаилом Ларионовым по приглашению Сергея Дягилева ненадолго переехали во Францию для работы над Русскими сезонами, однако в итоге художники решили остаться жить во Франции. Позже вернуться в Россию им помешала революция.
Н.С. Гончарова и М.Ф.Ларионов в Париже.
Они поселились в Латинском квартале Парижа, где любил бывать весь цвет русской эмиграции. Гончарова и Ларионов устраивали благотворительные балы для начинающих живописцев. В их доме часто бывали Николай Гумилёв и Марина Цветаева.
«Павлин под ярким солнцем». Автор: Наталья Гончарова.
«Сухоцвет». Автор: Наталья Гончарова.
В 50-х годах Гончарова очень много работала, её циклы «Павлины», «Магнолии», «Колючие цветы» говорят о ней как о зрелом живописце. Особенно любопытно то, что она творила в весьма широком диапазоне. Да и вообще создается такое впечатление, что она творила вообще во всех стилях.
«Весна. Белые испанки». Автор: Наталья Гончарова.
«Испанка с веером». Автор: Наталья Гончарова.
А в 60-х произошло возрождение широкого интереса к искусству Ларионова и Гончаровой, их выставки прошли во многих странах и городах Европы и Америки. Скончалась художница в Париже в 1962 году.
Наталия Гончарова с Михаилом Ларионовым. 1956 г
Однако по прошествии 100 лет творчество Гончаровой по-прежнему вызывает споры у церковников, которые и по сей день недовольны «дескарализацией символов», обвиняют художницу в откровенном эпатаже, «декоративности без наполнения» и тому подобное.
Иконография Н. Гончаровой.
Отчасти в этом есть доля правды, так как Гончарова очень любила народное творчество, наивное искусство и примитивизм и была всю жизнь в поиске. Ведь в этом и заключена суть профессии художника — реализовывать темы через художественные способы.
Источник
Так что же на самом деле обозначают известные картины?
Нередко люди разглядывают известны полотна и даже не догадываются, какой смысл первоначально вкладывали в них художники. И даже искусствоведы порой спорят о том, что именно хотел сказать художник. В этом обзоре собраны 12 известных полотен, глубокий смысл которых сегодня практически все забыли.
1. Венера Урбинская (1538). Тициан
Венера Урбинская. Тициан.
Определенно, эта картина Тициана — одно из самых красивых и известных полотен в истории искусства. Герцог Урбино, Гвидобальдо II делла Ровеве, преподнес ее жене в подарок, чтобы холст мог быть символом всего, что она чувствовала. Герцог стремился представить брак через эротизм, верность и материнство. Венера, как богиня любви, была идеальным персонажем для отображения эротизма. Собака, лежащая на кровати, идеально подходит для представления верности. А леди, которая стоит на заднем плане за девушкой, представляет материнство и заботу.
2. Анжелюс (примерно 1858). Жан-Франсуа Милле
Анжелюс. Жан-Франсуа Милле.
Данная картина получила название по первым словам молитвы «Angelus Domini», которую крестьяне возносят, прося Бога о хорошем урожае. Стоящие на фоне сумеречного света мужчина и женщина опускают лица, смотрят на корзину и ждут, когда Бог их услышит … или, по крайней мере, это то, что видно «невооруженным глазом». Когда Сальвадор Дали пошел в школу в Фигерасе, в одном из ее коридоров висела репродукция этой картины.
Вскоре Дали стал буквально одержим холстом Милле и начал искать людей, которые могли бы помочь ему разгадать тайну того, почему на картине такие грустные лица у людей. В итоге друг Милле сказал Сальвадору, что художник зарисовал гроб, написав поверх его корзину, поскольку посчитал, что это будет слишком мрачно для парижского общества. Позже Дали обратился к администрации Лувра и попросил провести рентгеновский анализ, чтобы окончательно разгадать тайну. Под слоем краски, которой была нарисована корзина, на самом деле было изображение чего-то квадратного, что могло быть гробом ребенка.
Сальвадор Дали также ассоциировал картину Милле «Анжелюс» с интимом и смертью. Художник утверждал, что тачка представляла половой акт, корзина была намеком на мертвого сына, и, таким образом, женская фигура демонстрирует напряженность по отношению к своему партнеру, который стоит в подчиненном положении.
3. Габриэль д’Эстре с сестрой (1594). Неизвестный художник школы Фонтенбло
Габриэль д’Эстре с сестрой. Неизвестный художник школы Фонтенбло
Габриэль д’Эстре, известная как любовница короля Франции Генриха IV, имела трех детей-бастардов, которые стали родоначальниками рода Вандом, побочной линии династии Бурбонов. Художник изобразил ее рядом с сестрой, которая сжимает ее сосок, чтобы показать зрителям, что Габриэль скоро родит (в год создания картины она была беременна одним из ее детей-бастардов по имени Сезар). Кроме того, Габриэль держит кольцо, символ ее любви к королю и брака, который она обещала ему.
4. Качели (1767). Жан-Оноре Фрагонар
Качели. Жан-Оноре Фрагонар
Эта картина изобилует эротикой, но Фрагонар, прежде всего, пытался создать пародию на прелюбодеяние посредством стереотипов. Холст был заказан молодым аристократом, изображенным в левом нижнем углу, прячущимся среди кустов роз, чтобы напоминать ему время, когда он жил с женщиной на качелях. Согласно различным источникам, молодой мужчина и женщина наслаждаются тайной любовью, что символизирует палец Купидона, прижатый к губам, как бы в знак молчания. Мужчина, который раскачивает качели, является мужем женщины, а скульптура двух маленьких влюбленных ангелов показывает то, как влюблен тот, кто качает качели.
5. Ночной кошмар (1781). Иоганн Генрих Фюссли (Генри Фюзели)
Ночной кошмар. Иоганн Генрих Фюссли
Считающаяся примером готических ужасов, эта картина Фюзели показывает спящую женщину и горгулью над ней. На самом деле это сцена овладения демоном: инкуб появляется в эротическом кошмаре женщины. На заднем плане за этим наблюдает лошадь — монстр, которого в Германии называли Nachtmahr (ночной кошмар). Его также называли лошадью Мефистофеля.
6. Смерть Марата (1793). Жак-Луи Давид
Смерть Марата. Жак-Луи Давид.
Лидер якобинцев Жан-Поль Марат был зарезан дворянкой Шарлоттой Корде в то время, когда Марат принимал ванну с серной водой, чтобы облечить кожную болезнь. Художник был близким другом Марата, и поэтому он решил нарисовать революционера как мученика, а не показывать его полную беспомощность на тот момент. Таким образом, Жак-Луид Давид выставил эту картину как пропагандистский акт героизма: работа напоминает образ снятого с креста Иисуса на картине Аньоло Бронзино.
Descendimiento de Cristo (c. 1540-1545), Bronzino.
Нож на земле определенно контрастирует с пером в руке Марата: оружие убийцы против оружия Марата в борьбы за революцию. Кроме того, даже мертвый революционер все еще держит перо в руке. Это подчеркивает, что даже смерть не может удержать его от его своих обязанностей.
7. Поцелуй (1859). Франческо Айец
Поцелуй. Франческо Айец
Хотя на первый взгляд эта картина показывает прощание двух влюбленных, она имеет скрытый смысле: в 1859 году королевства Пьемонт и Сардиния подписали союз с Францией для борьбы с Австрией. По этой причине главные герои носят синий, красный, белый и зеленый цвета, представляющие собой флаги Италии и Франции, объединенные пактом столь же страстным, как эти двое влюбленных.
8. Завтрак на траве (1882). Эдуард Мане
Завтрак на траве. Эдуард Мане
В этой импрессионистской картине Мане подчеркивает свет как один из важнейших элементов его творчества. Также имеют большое значение все фигуры на картине: и перевернутая корзина с фруктами в левом нижнем углу, и обнаженная женщина, которая бесстыдно смотрит на зрителя. Таким образом, Мане удалось показать антагонизм, существующий между воображаемым и реальным. При всем этом самое любопытное, что, хотя благодаря игре со светом и цветами Мане стал одним из лучших художников-импрессионистов, эта картина является переинтерпретацией работы «Сельский концерт» Тициана.
«Сельский концерт». Тициан
ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: 15 малоизвестных фактов о скандальной картине Эдуарда Мане «Завтрак на траве» >>
9. Бар в «Фоли-Бержер» (1832). Эдуард Мане
Бар в «Фоли-Бержер». Эдуард Мане
Как и в предыдущей картине, Мане попытался передать игру света. В этом случае, речь идет об искусственном освещении в баре «Фоли-Бержер». На переднем плане показана официантка, но самая интересная часть работы — это то, что находится по левую руку от нее. Хотя многие говорят, что это еще одна официантка, на самом деле это зеркало. Однако отраженное изображение не соответствует настоящему, поскольку позы женщины не совпадают в точности, равно как и не совпадает с оригиналом отражение бутылок на барной стойке. Считается, что так художник хотел подчеркнуть разницу между реальным и вымышленным, между настоящим и другим временем, между социальными классами.
ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: 15 малоизвестных фактов о картине Эдуарда Мане «Бар в „Фоли-Бержер“» >>
10. Мадам X (1883 — 1884). Джон Сингер Сарджент
Мадам X. Джон Сингер Сарджент
Красотой Виржини Готро восхищалась вся Франция. Многие художники просили светскую львицу стать их музой, однако она всегда отвергала их. Сарджент, которому в то время было двадцать лет, связался с Готро через общего друга, написав ему: «Я очень хочу нарисовать ее портрет, и я думаю, что она примет его как великую дань ее красоте … если Вы можете, то передайте ей, что я человек с потрясающим талантом». После двух лет упрашиваний Готро согласилась.
ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ: 15 малоизвестных фактов о скандальной картине Сарджента «Портрет мадам Х» >>
Тем не менее, картина почти разрушила карьеру художника, который после того, как его начали презирать, был на грани отказа от живописи и собирался заняться музыкой. «Мадам X», портрет мистической женщины в черном платье с золотыми бретельками, которая надменно смотрит вдаль, подвергся суровой критике. Разразился такой скандал, что мадам Готро была вынуждена удалиться от светской жизни, а художник переехать в Великобританию, а затем в США.
11. Поцелуй (1907-1908). Густав Климт
Поцелуй. Густав Климт
Недавние исследования утверждают, что картина, которая когда-то считалась самой романтичной в истории искусства, на самом деле является интерпретацией мифа Овидия. Аполлон был проклят Эросом за то, что тот высмеял его. Затем Эрос сделал так, чтобы Аполлон влюбился в нимфу Дафну, которая чувствовала отвращение и презрение к нему. Когда Аполлон попытался приблизиться к Дафне, та попросила о помощи, и отец превратил ее в лавр. Согласно этой теории, «Поцелуй Климта» представляет собой тот момент, когда Аполлон, переполненный желанием и страстью, обнимает нимфу, а та начитает превращаться.
12. Карта (1961). Джаспер Джонс
Карта. Джаспер Джонс
Джонс создавал свои парадоксальные карты, которые мало кто понимал. Некоторые уверяют, что так он пытался полностью стереть границы между государствами, чтобы подчеркнуть политическую несостоятельность современных границ. Кроме того, его картины, как и полотна многих художников той эпохи, стремились отразить потерю индивидуальности и появления однородной идентичности с ростом потребительства.
Источник:
Прежде всего, Иван Айвазовский запомнился потомкам как выдающийся маринист. Морские пейзажи ему давались превосходно, несмотря на то, что художник никогда не писал их в открытом море. Но кроме марин в коллекции Ивана Константиновича находились картины с «сухопутными» сюжетами. Настоящей редкостью стали зимние пейзажи Айвазовского, которые завораживают с первой же секунды.
Мельница, 1874 год.
У большинства людей имя Ивана Константиновича Айвазовского ассоциируется с картинами на морскую тематику, но истинные ценители творчества художника знают, что он писал не только марины. Его зимние пейзажи заслуживают отдельного внимания.
Зимний пейзаж. И. Айвазовский, 1876 год.
Картина «Зимний пейзаж» была написана в 1876 году. Судя по тому, что дорога еще не занесена снегом, автор, наверное, изобразил начало зимы. Тщательный подбор цветовой гаммы позволяет понять, что деревья покрыты инеем и ледяной коркой.
Зимний пейзаж. И. Айвазовский, 1874 год.
Чтобы передать «суровое дыхание» зимы, художник использовал синие, серые, розовые, небесно-голубые оттенки. При взгляде на некоторые полотна, кажется, что вот-вот подует ветер, или послышится шум деревьев.
Зимний обоз в пути. И. Айвазовский, 1857 год
Исаакиевский собор в морозный день. И. Айвазовский.
За всю свою жизнь Айвазовский написал около 6 тысяч картин. При жизни живописца состоялось 120 его персональных выставок.
Зимняя сцена в Малороссии. И. Айвазовский.
Этот проект обязательно понравится тем, кто мечтал хотя бы на минуточку стать персонажем картины Леонардо да Винчи или почувствовать себя Ван Гогом.
Теперь в Сети появилось пространство, где каждый может воссоздать всемирно-известные картины и поделиться ими со всем миром. Получается весьма забавно и атмосферно.
1. Картина «Автопортрет в серой фетровой шляпе» нидерландского художника Винсента Ван Гога (1853-1890)
Воссоздано Optivion: «Я попытался передать точную эмоцию Винсента Ван Гога, который, наверное, и подумать не мог, что незнакомые люди в будущем будут отдавать дань уважения такой красивой картине».
2. Картина «Венгерский танец» финского художника и графика Хуго Симберга (1873-1917)
Воссоздано Pаivi:«Сотрудники музея начали свой рабочий день, танцуя на солнечном причале!»
3. Картина «Шут с лютней» голландского художника-портретиста Франса Халса (около 1582-1666)
На фотографии Nikolina пол у шута не тот, да и с инструментом промахнулись, а вот одежда в полоску как раз то, что нужно!
4. Работа «Встреча Марии и Елизаветы» итальянского живописца Якопо Понтормо (1494-1557)
Кто есть кто на снимке автора Priscilla?
5. Монументальная роспись «Тайная вечеря» итальянского художника Леонардо да Винчи (1452-1519)
Снимок, сделанный Mariella Brunazzi, очень напоминает планерку по понедельникам…
6. Картина «Император Август упрекает Корнелиуса Цинну за его предательство» художника Этьена-Жана Деликуза (1781-1863)
«Император» на фотографии Leoht, видимо, недоволен тем, что кто-то съел его печеньки к чаю – чем не предательство?
7. Картина «Дети Гранвиль Левезон-Гауэр» английского художника-портретиста Джорджа Ромни (1734-1802)
На снимке, сделанном Maria, маленькая леди с бубном оказалась весьма находчивой!
8. Картина «Автопортрет» польского художника и декоратора Наполеона Иллаковича (1811-1861)
На фотографии Lenni палитра у художника маловата и совсем без красок…
9. Картина «Мадонна с младенцем» итальянского художника Амброджо Бергоньоне (1453-1523)
На снимке, воссозданном Ruzistori, кот заменил младенца, а яблоко стало большим желтым лимоном.
10. Картина «Жнея» польского художника Канута Русецкого (1800-1860)
Eglandas Visinskas удалось довольно точно воплотить картину в фотографию.
11. Картина «Вечерняя лекция» нидерландского художника Хендрика Якобуса Шолтена (1824-1907)
И на картине выдающегося художника, и на снимке samir mazumder девушка, скорее всего, читает увлекательный женский роман за чашечкой ароматного чая.
12. Картина «Горький напиток» южнонидерландского художника Адриана Брауэра (1605/06-1638)
Действительно горькое зелье или мужчина очень талантливо позирует художнику, как и на фотографии Sahan Gurkan?
Источник:
История знает случаи, когда даже великие художники по каким-то причинам не заканчивали свои картины. Остаётся только догадываться, закончилось ли у художника вдохновение или довести работу до конца помешали какие-то другие причины. В этом обзоре десятка незавершённых картин всемирно известных художников.
10 Поклонение волхвов. Леонардо да Винчи
Поклонение волхвов. Леонардо да Винчи
Леонардо да Винчи считал, что «качественная работа требует много времени». Он работал слишком медленно, чтобы закончить ряд своих творений, поскольку огромный спектр его талантов заставлял гения изобретать все новые и новые вещи.
В 1481 году, когда да Винчи жил во Флоренции, монахи-августинцы заказали ему нарисовать «Поклонение волхвов» — сцену, изображающую трех волхвов, пришедших поклониться новорожденному Иисусу. В течение года да Винчи создал первоначальный эскиз в натуральную величину (2,1х2,1 метра) и начал раскрашивать его. Но художнику нужны были деньги. В 1482 году он забросил свою работу и уехал в Милан, чтобы снискать благосклонность богатого будущего миланского герцога Людовико Сфорца. Это стоило того, поскольку в Милане художнику было поручено нарисовать знаменитую «Тайную вечерю».
2. Парижский договор. Бенджамин Уэст
Парижский договор. Бенджамин Уэст
К концу американской революции обе стороны по вполне понятным причинам искали взаимовыгодные условия для взаимного соглашения, поэтому американская делегация, в том числе Джон Адамс и Бенджамин Франклин, отправилась в Париж, чтобы начать переговоры с французами, испанцами, голландцами и англичанами в 1783 году.
Для того чтобы отпраздновать мирный договор, который был в конце-концов заключен, знаменитому историческому художнику Бенджамину Уэсту заказали нарисовать картину, изображающую это событие. В этом всем была только одна загвоздка: британские делегаты отказались, чтобы их рисовали, поскольку чувствовали стыд за поражение. В результате, на картине есть зияющее пустое пространство в том месте, где англичане сидели во время написания картины.
3. Победа Буги Вуги. Пит Мондриан
Победа Буги Вуги. Пит Мондриан
Абстрактные работы голландского художника Пита Мондриана известны во всем мире тем, что они изображают макеты городов в самых основных элементарных цветах и формах. Отражающая музыкальные влияния и энергию Нью-Йорка, картина «Победа буги-вуги» не была закончена из-за смерти Мондриана от пневмонии в 1944 году.
4. Джеймс Хантер — черный призывник. Элис Нил
Джеймс Хантер — черный призывник. Элис Нил.
Картина маслом американской портретистки Элис Нил «Джеймс Хантер — черный призывник» является отличным примером того, как картина может быть завершенной, несмотря на то, что не дописана до конца. Хотя картина была фактически не закончена, Нил решила, что ее незавершенность фактически уже передает эмоции, которых она хотела добиться от картины. В итоге, она подписала картину и выставила ее в музее Уитни.
В течение большей части своей карьеры, Нил часто приглашала незнакомцев позировать для портрета. В 1965 году она пригласила Джеймса Хантера, который только что узнал, что его призвали на службу для участия в войне во Вьетнаме. В течение первого позирования, Нил закончила большую часть картины, а на второе позирование Хантер так и не явился.
5. Мадонна с длинной шеей. Пармиджанино
Мадонна с длинной шеей. Пармиджанино
Джироламо Франческо Мария Маццола (также известный как Пармиджанино, поскольку он родился в Парме) был итальянским художником эпохи Ренессанса, который рисовал в стиле маньеризма, т.е. с преувеличенными и удлиненными пропорциями. Получив заказ нарисовать картину Марии и Иисуса для похоронной часовни, Пармиджанино посвятил созданию «Мадонны с длинной шеей», но умер от лихорадки в 1540 году, так и не закончив ее.
Известный перфекционист Пармиджанино, возможно, является классическим примером того, как человек не умеет вовремя остановится и довести дело до конца. Он так и не смог полностью достичь, чего хотел, и в итоге на картине есть несколько незавершенных областей (к примеру, колонна и небо).
6. Портрет Джорджа Вашингтона. Гилберт Стюарт
Портрет Джорджа Вашингтона. Гилберт Стюарт.
Один из самых известных портретных художников своего времени Гилберт Стюарт написал более 1000 работ, включая портреты президентов, королей и королев по всей Европе и США. Его самой известной работой, однако, является намеренно незаконченная картина Джорджа Вашингтона. После того, как Стюарт в первый раз написал Джорджа Вашингтона в 1795 году, жена Джорджа Марта попросила Стюарта создать еще один портрет первого президента США в 1796 году. Стюарт не закончил этот второй портрет, написав только лицо и часть фона. Однако, именно этот образ используется на купюре в $ 1.
7. Оскар — прерванный портрет. Натали Холланд
Оскар — прерванный портрет. Натали Холланд.
Также известный как «Бегущий по лезвию», Оскар Писториус многими считается героем, поскольку он бросил вызов своей инвалидности (он родился без малоберцовой кости в обеих ногах) и выиграл шесть золотых медалей на Паралимпийских играх. Подобное просто невероятно для человека, у которого было ампутированы обе ноги ниже колена. Чтобы отпраздновать это событие, родившейся в России художнице Натали Холланд было поручено нарисовать несколько портретов Писториуса.
Третий портрет (на котором она хотела показать победу Писториуса) остался незавершенным. После того, как Холланд завершила написание лица и рук спортсмена, того признали виновным в убийстве его подруги и заключили в тюрьму.
8. Неоконченный портрет. Елизавета Шуматова
Неоконченный портрет. Елизавета Шуматова
Елизавета Шуматова изначально отказалась писать портрет Франклина Д. Рузвельта, но ее сумели убедить. Первым портретом, она была не довольна, поэтому в 1943 году попробовала сделать еще один портрет президента. Хотя художница слышала, что Рузвельт был нездоров, президент настоял на позировании. Он был в хорошем настроении в течение недели, позируя для Шуматовой, и постоянно шутил. Но внезапно во время очередного позирования Рузвельт пожаловался на сильную головную боль, а затем потерял сознание и упал лицом вперед. Он перенес инсульт и умер в тот же день.
9. Погребение. Микеланджело
Погребение. Микеланджело
«Погребение» — незаконченная картина с изображением тела Иисуса, которое заносят в гробницу после распятия. История картины покрыта тайной. На ней нет подписи Микеланджело, на картине не хватает нескольких фигур, а само полотно было утеряно в течение многих столетий. Где находилось «Погребение», было неизвестно до 1846 года, когда шотландский фотограф и художник Роберт Макферсон решил пересмотреть много картин, купленных им по £ 1, и решить, что выбросить, а что оставить. К своему изумлению, он узнал в одной из картин кисть Микеланджело.
10. Поворот дороги. Поль Сезанн
Поворот дороги. Поль Сезанн
По поводу поздних картин Поля Сезанна часто задают вопрос: «А эта картина действительно закончена?». Сезанн боялся, что один неверный мазок испортит все полотно, поэтому в его поздних произведениях встречаются целые куски незакрашенного холста. Некоторые считают , что подобное было сделано непреднамеренно, а из-за плохого зрения художника.
Источник:
Райская птица. Автор: Judy Garfin.
Витиеватые узоры растений, чьи стебли и листья сплетаясь между собой, тянутся к пёстрым птицам, сидящим на ветках. Яркие цвета, сочные оттенки, абстрактные формы и богатые растительные мотивы оживают в работах современного художника Джуди Гарфин (Judy Garfin) известной во всём мире своими чрезвычайно детализированными и гипер-реалистичными картинами.
Благодаря необычной технике исполнения, скрупулезности и чувству прекрасного Джуди создаёт сочные картины с яркими сюжетами. Её метод письма заключается в том, что она изначально начинает работать без каких-либо эскизов и набросков на белом фоне, тщательно прорабатывая каждый эпизод и деталь, а лишь потом переходит к следующей части, что позволяет создавать запутанные, но от того не менее прекрасные изображения, где всё гармонично дополняет друг друга.
Ворон среди опавших листьев. Автор: Judy Garfin.
Осень. Автор: Judy Garfin.
Кора. Автор: Judy Garfin.
Волшебный сад. Автор: Judy Garfin.
Сказочный лес. Автор: Judy Garfin.
Цветочное поле. Автор: Judy Garfin.
Цветочные мотивы. Автор: Judy Garfin.
Стебли. Автор: Judy Garfin.
Лилии. Автор: Judy Garfin.
Райские птички. Автор: Judy Garfin.
Тайны леса. Автор: Judy Garfin.
Веточка золотистых листьев. Автор: Judy Garfin.
Источник:
Слева – М. Горький и М. Андреева позируют Репину. Финляндия, 1905. Справа – И. Репин. Портрет М. Ф. Андреевой, 1905
Илья Репин был одним из величайших портретистов в мировом искусстве. Он создал целую галерею портретов своих выдающихся современников, благодаря которым мы можем сделать выводы не только о том, как они выглядели, но и какими они были людьми – ведь Репина по праву считают тончайшим психологом, запечатлевавшим не только внешние черты позирующих, но и доминирующие черты их характеров. При этом он старался отвлечься от собственного отношения к позирующему и уловить внутреннюю глубинную сущность личности. Интересно сравнить фотографии знаменитых современников художника с их портретами.
Актриса Мария Федоровна Андреева | Фото: dayonline.ru и liveinternet.ru
Мария Андреева была не только одной из самых известных актрис начала ХХ в., но и одной из самых красивых и пленительных женщин – из тех, кого называют роковыми. Она была пламенной революционеркой и гражданского женой Максима Горького, Ленин называл ее «товарищ феномен». Говорили, что она была причастна к гибели промышленника и мецената Саввы Морозова. Впрочем, Репин сумел устоять перед чарами актрисы – ведь она была женой его товарища. Они оба были частыми гостями в его усадьбе и позировали художнику для портретов.
М. Горький и М. Андреева позируют Репину. Финляндия, 1905 | Фото: mirtesen.ru
Свидетелем создания этого портрета был писатель Куприн, и когда художник спросил его мнения, тот замешкался: «Вопрос застал меня врасплох. Портрет неудачен, он не похож на Марию Федоровну. Эта большая шляпа бросает тень на её лицо, и потом он (Репин) придал её лицу такое отталкивающее выражение, что оно кажется неприятным». Впрочем, многие современники видели Андрееву именно такой.
И. Репин. Портрет композитора М. П. Мусоргского, 1881. М. П. Мусоргский, фото | Фото: artchive.ru и philharmonia.co.uk
Илья Репин был поклонником творчества композитора Модеста Мусоргского и был его приятелем. Он знал об алкогольной зависимости композитора и о тех последствиях для его здоровья, к которым она привела. Когда художник услышал о том, что Мусоргский госпитализирован в тяжелом состоянии, он написал критику Стасову: «Вот опять прочитал я в газете, что Мусоргский очень болен. Как жаль эту гениальную силу, так глупо с собой распорядившуюся физически». Репин отправился к Мусоргскому в больницу и в течение 4-х дней создал портрет, который стал настоящим шедевром. Через 10 дней после этого композитор скончался.
И. Репин. Портрет Льва Толстого, 1887, и фото писателя | Фото: palitra.co и edebiyathane.com
Дружба Репина и Льва Толстого длилась 30 лет, вплоть до самой смерти писателя. Хотя их взгляды на жизнь и на искусство часто расходились, они очень тепло относились друг к другу. Художник написал несколько портретов членов семьи Толстого, создал иллюстрации к его произведениям. Репин изобразил и силу воли, и мудрость, и доброту, и спокойное величие писателя – таким, каким он его увидел. В доме художника бывала и старшая дочь Толстого Татьяна Сухотина, которая также стала моделью художника.
Татьяна Сухотина, дочь Толстого, на фото и на портрете кисти Репина | Фото: e-vesti.ru
Однажды к Репину обратилась мать начинающего художника Валентина Серова с просьбой посмотреть работы ее сына. В этой властной женщине Репин увидел черты непреклонной и гордой царевны Софьи Алексеевны. Он давно увлекался исторической темой и хотел написать царевну Софью в заключении, но никак не мог найти натурщицу, а тут она нашла его сама.
Валентина Серова, мать художника, фото. Справа – И. Репин. Царевна Софья в Новодевичьем монастыре, 1879 | Фото: e-vesti.ru
Валентина Серова на фото и на портрете Репина | Фото: lechaim.ru, artchive.ru и rembr.ru
Очень долго пришлось Репину убеждать своего друга Павла Третьякова позировать ему для портрета – галерист был очень сдержанным и замкнутым человеком, он любил оставаться в тени и не хотел, чтобы его знали в лицо. Затерявшись в толпе посетителей своих выставок, он мог, оставаясь неузнанным, услышать их искренние отзывы. Репин же, напротив, считал, что все должны знать Третьякова как одного из самых выдающихся культурных деятелей эпохи. Художник изобразил галериста в его привычной позе, поглощенным своими размышлениями. Сомкнутые руки указывают на его обычную замкнутость и отстраненность. Современники говорили, что в жизни Третьяков был таким же скромным и крайне сдержанным, каким изобразил его Репин.
И. Репин. Портрет П. М. Третьякова, 1883, и фото галериста | Фото: palitra.co и tphv-history.ru
Все, кто лично был знаком с писателем А. Ф. Писемским, утверждали, что Репину удалось очень точно запечатлеть определяющие черты его характера. Известно, что он был довольно язвительным и саркастичным по отношению к собеседнику. Но художник уловил и другие немаловажные детали, он знал, что писатель болен и сломлен трагическими обстоятельствами его жизни (один сын покончил с собой, второй был неизлечимо болен), и следы боли и тоски он сумел запечатлеть во взгляде писателя.
И. Репин. Портрет А. Ф. Писемского, 1880, и фото писателя | Фото: palitra.co и memory.loc.gov
С особенной теплотой Репин писал портреты своих близких. Неподдельной нежностью проникнут портрет его дочери Веры на картине «Осенний букет».
И. Репин. Осенний букет. Портрет Веры Ильиничны Репиной, 1892, и фото дочери художника
Источник:
Имя Сэмюэла Морзе всем знакомо благодаря его самому известному открытию – знаменитой азбуке, названной в честь изобретателя. Однако мало кто знает о том, что Морзе был еще и художником, к тому же основателем и президентом Национальной академии рисунка в Нью-Йорке. Впрочем, об эстетической ценности его работ искусствоведы высказывали весьма противоречивые отзывы, так же, как ученые – о значении его изобретений. Кем же он был на самом деле – художником, изобретателем или талантливым авантюристом?
С. Морзе. Автопортрет, 1818. Фрагмент | Фото: technofresh.ru
Сэмюэл Финли Бриз Морзе родился в Америке, в семье проповедника. Свою первую серьезную работу Сэмюэл создал в 14 лет – он тогда написал удачный семейный портрет, а немного позже – картину «Высадка паломников» о прибытии первых поселенцев в Америку. Это полотно привлекло внимание известного в те времена художника В. Олстона, который предложил юноше отправиться вместе с ним в Англию для изучения живописи. Родители Сэмюэла не одобряли этих занятий, но поездке не препятствовали. И в 1811 г., в возрасте 20 лет Сэмюэл Морзе начал изучать живопись в Королевской академии.
С. Морзе. Высадка паломников | Фото: holst.com.ua
С. Морзе. Слева – *Умирающий Геркулес*. Справа – *Суд Юпитера* | Фото: holst.com.ua
Во время учебы в Академии Морзе создал две значительные работы – «Умирающий Геркулес» (за нее художник получил золотую медаль на выставке) и «Суд Юпитера». В 24 года юноша вернулся в Америку известным художником, однако на родине его картин никто не покупал, и он начал писать портреты на заказ. Серди них был портрет бывшего президента США Джона Адамса, а также портреты маркиза де Лафайета и пятого президента США Джеймса Монро.
С. Морзе. Портреты Джеймса Монро (слева) и маркиза де Лафайета | Фото: holst.com.ua
В Нью-Йорке Морзе основал Национальную академию рисунка и стал ее президентом. В то же время он решил заняться усовершенствованием своего мастерства и продолжил обучение в Европе. Его занятия живописью были настолько усердными, что никто не мог предположить, что вскоре он займется кардинально другим родом деятельности. Позже Морзе признался: «Я посвятил свои молодые годы только живописи. Но, как оказалось, не смог забыть поразившую меня в юности фразу, услышанную на лекции по естественным наукам: «Если электрический ток встретит задержку на своем пути, он станет видимым». Эта мысль была первым семенем, из которого много лет спустя в моей голове выросло изобретение телеграфа».
С. Морзе. Галерея Лувра, 1831-32 | Фото: gallerix.ru
Изобретателей телеграфа было несколько, и Морзе не был первооткрывателем: в России создателем нового вида связи был Шиллинг, в Германии – Гаусс и Вебер, в Англии – Кук и Уитстон. Но их электромагнитные аппараты были стрелочного типа, а Морзе изобрел электромеханический телеграф. Он получил патент на свое изобретение и продемонстрировал его работу в Нью-Йоркском университете. Однако ученые мужи не только не оценили его находку, но и прозвали Морзе авантюристом: дело в том, что он по сути ничего не изобрел, а просто объединил несколько успешно действующих изобретений своих предшественников. Но сам Морзе был уверен в том, что грамотное применение существующего не менее важно, чем внедрение чего-то нового.
С. Морзе. Слева – Муза (портрет старшей дочери Сьюзан). Справа – автопортрет | Фото: holst.com.ua
Революционным изобретение Морзе стало благодаря не технологии передачи данных, а способу их фиксации и сфере применения. При этом Морзе не разбирался не только в последних открытиях в области электричества, но даже в основных его правилах и законах. У него не было ни специальных знаний, ни подготовки, но их заменили упорство и целеустремленность.
С. Морзе. Портреты Сэмюэла Нельсона и Кетрин Энн Рассел Нельсон, 1822 | Фото: holst.com.ua
Телеграфы с магнитными стрелками существовали и до Морзе, но они были неудобны в применении. И он решил заменить стрелку на самописец, фиксирующий полученное сообщение на протягиваемой через аппарат бумажной ленте. Значительную помощь в изобретении оказал Альфред Вейл, у которого, в отличие от Морзе, было техническое образование: он изобрел схему печатающего телеграфного аппарата и усовершенствовал телеграфный код. В результате появилась знаменитая азбука Морзе, представляющая собой комбинации коротких и длинных сигналов, зафиксированных на бумажной ленте в виде точек и тире.
С. Морзе. Ниагара, 1835 | Фото: gallerix.ru
Слава, богатство и признание пришли к нему только на склоне лет. Научно-практическую ценность его изобретения вынуждены были признать многие, даже те, кто настаивал на вторичности этих открытий. После смерти Морзе в 1872 г. его слава как изобретателя угасла, но о нем снова заговорили как о самобытном художнике-портретисте. Эти споры продолжаются и по сей день.
Известный американский художник и изобретатель Сэмюэл Морзе
Источник:
Эдгар Дега вошел в историю мирового искусства как «живописец танцовщиц». Так одного из ярчайших представителей импрессионизма называли за его приверженность теме балета. Сам художник признавался, что испытывает особое наслаждение, рисуя балерин в облаке газа. Однако, кроме легких и воздушных картин, он писал и совсем иные. Тяжелые, сумрачные. В нашем обзоре – 9 неизвестных полотен мастера, созданных в необычной технике.
Сцена балета. Эдгар Дега. 1879
Картины, о которых пойдет речь в этом обзоре, экспонируются впервые. Выставка проходит в Нью-Йоркском музее современного искусства и носит название «Эдгар Дега: Странная новая красота». Все работы выполнены в технике монотипии – это особый вид графики, когда художник наносит изображение красками на металлическую пластину, а после делает единственный оттиск. По мнению куратора выставки Джоди Гауптмана, именно в технике монотипии Дега проявил себя как новатор. Эти эксперименты ставят работы великого мастера в один ряд с самыми смелыми исканиями художников XXI века. Принты Дега опережали свое время.
Танцовщица на сцене с букетов. Эдгар Дега. 1876
В молодости Дега много внимания уделял точности рисунка, он копировал полотна великих мастеров с такой поразительной скрупулезностью, что их тяжело было отличить от оригиналов. Использование монотипии в зрелом творчестве – это совершенно новый подход к творчеству. Такая техника позволяла вносить изменения в рисунок вплоть до того момента, когда, казалось бы, был нанесен последний штрих. Рисование по наитию было совершенно нехарактерным для манеры молодого Дега.
Осенний пейзаж. Эдгар Дега. 1890
Обращение к технике монотипии было для Дега интересно, поскольку давало возможность запечатлеть веяния современности. Например, картина «Осенний пейзаж» написана в 1890 году так, словно художник увидел природу из окна проносящегося поезда. Важно помнить, что сознание человека XIX века – это в большинстве своем поездки на перекладных, поэтому подобный динамизм свидетельствует о прогрессивности художника.
Головы мужчины и женщины. Эдгар Дега. 1877-80
Благодаря «смазанной» технике монотипии Дега удавалось точно передать окружающую его действительность. Рост городов, расширение контактов… Водоворот жизни увлекал за собой мастера. И вот на его картинах – мельком увиденные лица, дышащие гарью заводские трубы.
Дым заводов. Эдгар Дега. 1877-79
Интересно и то, что только в технике монотипии Дега воссоздает образы куртизанок. Художник создает зарисовки из жизни борделей, на периферии можно заметить клиентов, замерших в нерешительности, и дам в ожидании. В центре, как правило, — пустота, пространство для обмена.
В ожидании клиента. Эдгар Дега. 1879
Особое внимание на выставке заслуживает полотно «Frieze of Dancers». Это новый подход Дега к воссозданию динамики. Что перед зрителем – четыре балерины или одна девушка, запечатленная в различные моменты? Искусствоведы традиционно относят эту работу к предтечам кинематографичности в живописи.
Frieze of Dancers. Эдгар Дега. 1895
Качественно новый подход проявился у Эдгара Дега и в работе над картиной «Три женщины в борделе. Вид сзади». Это полотно художник пишет, сочетая возможности монотипии и пастели, при этом он использует трафарет не единожды, как требовала техника, а трижды. Каждый последующий оттиск – более размытый, но в этом случае это играет на руку мастеру. Так он создает галерею силуэтов, похожих друг на друга, но вместе с тем – индивидуализированных. «Дега во всем видел больше возможностей, чем было определено правилами», — подытоживает Джоди Гауптман.
The Fireside. Эдгар Дега. 1880-85
Источник: