художник
Картина Густава Климта «Поцелуй», которая считается шедевром раннего модернистского периода, с первого взгляда кажется ещё одним тривиальным изображением страсти и любви. Но за обманчиво простым сюжетом кроется множество увлекательных фактов, о которых мы и решили рассказать нашим читателям.
1. Климт написал «Поцелуй» на излёте своей карьеры В первом десятилетии 20-го века Климт столкнулся с волной критики и презрения со стороны Венского сецессиона из-за того, что в своих работах он допускал изображение наготы. Из-за его нестандартных взглядов в вопросах философии, медицины и юриспруденции его картины считали «извращением и порнографией».
2. «Поцелуй» — результат творческого кризиса Климта
Фрагмент картины «Поцелуй» Климта.
В 1907 году после того, как его раскритиковал Венский сецессион, Климт продолжил активно рисовать, но он начал сомневаться в своем таланте. Как-то он признался в письме: «Или я стал слишком старым или слишком нервным или слишком глупым, но что-то явно идет не так». Но именно в этот период он и написал картину, которая принесла ему огромную популярность.
3. Картина «Поцелуй» была куплена ещё до того, как художник её закончил В 1908 году «Поцелуй» был впервые выставлен в австрийской Галерее искусств, несмотря на то, что Климт фактически ещё не закончил свою картину. Его незавершенную работу выкупила Галерея Бельведер.
4. «Поцелуй» был продан за рекордную для Австрии сумму
Цена картины в $240 тыс. стала рекордом цены для Австрии.
Как приобрести произведение искусства, которое еще даже не закончено? Нужно сделать предложение, от которого невозможно отказаться. Чтобы приобрести картину, Галерея Бельведер заплатила 25 000 крон (примерно $ 240 000 на сегодняшние деньги). До этой продажи, самая высокая цена, заплаченная за живопись в Австрии, составляла 500 крон.
5. Сегодня цена картины возросла в много раз Австрия считает «Поцелуй» национальным достоянием, поэтому Венский музей не собирается продавать эту картину. Тем не менее, если подобное произойдет, то «Поцелуй» снова побьет рекорды продаж. Ведь, в 2006 году менее известная картина Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр» была продана за $ 135 млн.
6. Картина Климта – эклектика стилей Поза любовников, изображенных на «Поцелуе», полностью отражает стилистику, которая была популярна во время венского модернизма. Но простая форма и золотая окантовка их плащей скорее относится к движению Arts and Crafts , а использование спиралей относится и вовсе к искусству бронзового века.
7. «Поцелуй» — яркий пример «золотого периода» Климта
Густав Климт с котёнком.
Вдохновленный византийскими мозаиками, которые он видел во время своих путешествий, Климт смешивал сусальное золото с масляными красками. Это стало его фирменным стилем.
8. «Поцелуй» контрастирует с основной тематикой картин Климта
Работы художника в основном были сосредоточены на женщинах, поэтому включение в сюжет полотна мужчины очень необычно для Климта. Скромные одеяния любовников также более консервативны, чем те, которые в основном можно встретить на его картинах.
9. «Поцелуй» может быть автопортретом
Некоторые искусствоведы предположили, что влюбленные, слившиеся в поцелуе, на самом деле являются изображением самого австрийского художника и его возлюбленной — австрийского модельера Эмилию Флёге.
10. На картине запечатлена муза Климта
Есть ещё одно мнение — натурщицей для картины «Поцелуй» была Адели Блох-Бауэр, которая позировала еще для одной картины — «Портрета Адели Блох-Бауэр». Третья теория гласит, что рыжие волосы свидетельствуют о том, что девушка является «Красной Хильдой» — моделью, с которой Климт писал «Данаю», «Даму со шляпкой и боа из перьев» и «Золотую рыбку».
11. Размер картины достаточно большой
Картина в музее.
Размеры «Поцелуя» — 180 х 180 сантиметров.
12. Форму картины часто неправильно изображают на репродукциях
Хотя оригинальная картина Климта представляет собой квадрат, популярность картины привела к тому, что начали появляться ее бесчисленные репродукции на плакатах, открытках и памятных подарках. Но на этих сувенирах обычно обрезают правую и левую части картины, чтобы сделать ее форму более стандартной, прямоугольной.
13. «Поцелуй» может быть кощунственным
Использование Климтом золота перекликается с религиозным искусством, которое можно часто встретить в церквях. Использование сусального золота, чтобы отобразить земные удовольствия и чувственность, может быть кощунственным, по мнению некоторых профанов.
14. «Поцелуй» и самого Климта можно увидеть на монетах
«Поцелуй» и самого Климта можно увидеть на монетах.
В 2003 году Австрия выпустила памятную монету номиналом 100 евро, на одной стороне которой был изображен «Поцелуй», а на другой — портрет Климта.
15. Критики всегда были благосклонны к «Поцелую»
Может быть, это случилось из-за масштабности картины. Может быть, из-за золота. А может и из-за гения художника. Но всегда картина получала только положительные отзывы от критиков.
Источник:
На данный момент печатное издание «Форбс» «озвучило» Топ наиболее перспективных художников нынешнего поколения.
По мнению специалистов их работы в будущем будут представлять немалый интерес для частных коллекционеров и международных выставок искусств. Все кандидаты прошли двух этапный отбор. В первую очередь учитывали мнение экспертов, а после и заслуги самих «молодых дарований».
На первом этапе было «отсеяно» двадцать человек. Оставшиеся пятнадцать прошли во второй тур. После продолжительного голосования осталось семь лидеров. Причем не каждый из них имеет профессиональное художественное образование.
Алиса Йоффе – ее направление – это живопись. Уже сегодня из двухсот существующих работ в коллекции ушло около пятидесяти. Они разошлись практически по всему миру: Вена, Будапешт, Литва и Венеция. Цена за одну работу начинается с отметки в сто евро.
Долгов И. – основной жанр художника – графика, видео и инсталляция. Сорок творческих работ из семидесяти находятся в различных коллекциях. Стоимость его работ варьируется в промежутке от восьми ста до двух тысяч евро.
Морозов Д. – занимается искусством гибридного типа. Из семидесяти имеющихся работ автора по коллекциях разошлось только шесть. Его работами можно полюбоваться на мировых выставках. Стоимость творений автора варьируется в промежутке от десяти тысяч до тридцати тысяч евро.
Ахметгалиева Т. – жанр творчества: инсталляция, графика и видео. Создано сто пятьдесят работ. Из них половина находится в коллекциях известных музеев. Цена работ от тысячи до десяти тысяч евро.
Рябова А. – занимается фотографией, скульптурой, живописью и процессией. Создано более тысячи артефактов и около пятнадцати проектов. Примерно семьдесят артефактов разошлось по коллекциям. Цена на творения автора – тысяча — пятнадцать тысяч евро.
Матвеева О. – занимается скульптурой, фотографией и видео. Из созданных ею десяти проектов в частные коллекции отправилось около пяти принтов. Ее работы можно встретить в Германии, Англии, Китае и Франции. Стоимость работ – от двухсот евро.
Фролова А.– работает в жанре скульптура и перфоманс. На сегодняшний день создано около ста работ. Из них десять уже давно находятся в коллекциях. Цена на творчество Фроловой варьируется от тысячи до пятнадцати тысяч евро.
Уже сегодня художники получили мировую известность и выделились из «серой массы» оригинальным собственным стилем.
Источник:
Работы Густава Климта известны на весь мир, но фотограф из Австрии решила вдохнуть в них новую жизнь, напомнив о шедеврах мировой общественности. Для этого она воплотила известные полотна мэтра из его «золотого периода» в жизнь — воссоздала все, изображенное на картинах в реальности, используя моделей, большей частью обнаженных, и яркие декорации.
Фриз Бетховена. Густав Климт. 1902г.
Фриз Бетховена. Inge Prader. 2015г.
Густав Климт (Gustav Klimt) был президентом Венского сецессиона — объединение венских художников, скульпторов и архитекторов той эпохи. Это был коллектив, который который позже вдохновил организаторов благотворительной акции The Life Ball, в рамках которой, собственно, фотограф Инге Прадер (Inge Prader) и выставила свои фотографические интерпретации полотен Климта.
Даная. Густав Климт. 1907г.
Даная. Inge Prader. 2015г.
Ценности авангардного движения, возглавляемого Густавом Климтом вполне соотносимы и с сегодняшними реалиями. Красота женского тела все так же подлегает табуированию, а искусство вынуждено балансировать на тонкой грани социальных стандартов. Однако в рамках the Life Ball многие темы перестают быть запрещенными. Это самое большое благотворительное событие в Европе, все средства от которого идут в помощь больными СПИДом. И здесь перед творческими людьми не ставят преград — до тех пор, пока искусство прославляет жизнь, все возможно, все разрешено.
Смерть и жизнь. Густав Климт. 1908г.
Смерть и жизнь. Inge Prader. 2015г.
Бетховенский фриз — Страдания человечества. Густав Климт. 1902г.
Бетховенский фриз — Страдания человечества. Inge Prader. 2015г.
Интересно, что музой Густава Климта была Эмилия Флёге, которая действительно создавала эти причудливые узорчатые платья, кажущиеся настолько сложными, что легче приписать их богатому воображению художника, чем действительности.
источник
Самым известным и модным русским портретистом конца XIX – начала ХХ вв. был Валентин Серов. Его кисти принадлежат парадные портреты знатных дворян, светских красавиц, промышленников и генералов. Тем не менее, в высшем свете опасались заказывать портреты у Серова, так как его называли «злым» и «беспощадным» художником. Все дело в том, что он не старался приукрасить реальность, его основными заповедями в искусстве были «простота – естественность – правда». Кому же хватило смелости посмотреть правде в глаза?
Валентин Серов. Портрет С. М. Боткиной, 1899. Портрет княгини О.К.Орловой, 1911
Когда в среде художников заходили споры о том, как следует писать портреты, Серов любил повторять: «Где просто, там и ангелов со сто». Подобное стремление к простоте линий и форм и правдивости изображения иногда вызывало негодование у дворян, привыкших к пышности и помпезности парадных портретов. «Надо, чтобы мужик понимал, а не барин, – утверждал Серов, – а мы все для бар пишем и ужасно падки на всякую затейливость и пышность».
Валентин Серов. Портрет графа Сумарокова-Эльстон с собакой, 1903
Писать портреты на заказ Серов начал в 1890-е гг., чтобы поправить стесненное материальное положение, и с тех пор довольно быстро стал самым модным портретистом своего времени, несмотря на то, что он не занимался украшательством и не льстил моделям. Среди его заказчиков были даже члены императорской семьи.
Валентин Серов. Петр I, 1907
Заказчики художника боялись «карикатурности» авторского стиля портретиста. В стремлении уйти от хрестоматийной слащавости и прилизанности образа Петра I в русской живописи, Серов создает «своего» Петра, объясняя: «Он был страшный, длинный, на слабых, тоненьких ножках, и с такой маленькой, по отношению к туловищу, головкой, что должен был походить на какое-то чучело с плохо приставленной головой». Именно поэтому многие воспринимали картину «Петр I» как карикатуру. А «Портрет Иды Рубинштейн» и вовсе называли надругательством над красотой, а модель – «гальванизированным трупом», хотя Серов искренне восхищался танцовщицей и был доволен портретом.
Валентин Серов. Портрет Иды Рубинштейн, 1910
Но когда Серов проникался к своей модели искренней симпатией, от подобной карикатурности не оставалось и следа. Так, например, обстояло дело с «Портретом княгини З. Н. Юсуповой»: художник с невероятной теплотой относился к членам этой семьи и часто гостил в подмосковном имении Юсуповых.
Валентин Серов. Портрет княгини З. Н. Юсуповой, 1902
Портреты, которые писались не на заказ, можно сразу же отличить от остальных. Тут нет и следа официоза, искусственности поз и вычурности нарядов моделей. Одной из самых известных таких его работ является «Девушка, освещенная солнцем». Для портрета позировала двоюродная сестра Серова Мария Симонович. Он работал вдохновенно, долго и упорно – девушка послушно позировала в течение трех месяцев.
Валентин Серов. Девушка, освещенная солнцем, 1888
В этом портрете столько света и тепла, что сразу угадывается благосклонное отношение художника к модели. Сам Серов признавал, что вложил в эту работу очень много: «Написал вот эту вещь, а потом всю жизнь, как ни пыжился, ничего уж не вышло: тут весь выдохся. Тогда я вроде как с ума спятил».
Валентин Серов. Девочка с персиками, 1887
С особенной теплотой и на одном дыхании написан и портрет 12-летней дочери Саввы Морозова Верочки – знаменитая «Девочка с персиками». Эту работу, написанную 22-летним художником, справедливо называют гимном юности, радости, чистоты, свежести, жажды жизни.
Валентин Серов. Портрет Е. П. Олив, 1909. Портрет Е.С.Карзинкиной, 1906
источник
До и после.Ни для кого не секрет, что многие известные художники и другие творческие личности, для того, чтобы поймать волну вдохновения и расширить сознание, принимали наркотические вещества. Вот только заканчивались это лично для них, как правило, весьма плачевно. Продемонстрировать пагубное воздействие наркотиков на мозг решил один из интернет-пользователей и сделал это весьма необычным способом.
В 1950-х годах американские учёные изучали воздействие наркотиков на мозг человека. Один из экспериментов был посвящён так называемому эффекту расширения сознания. В ходе эксперимента художник должные был принять ЛСД и на протяжении 9 часов после приёма наркотика нарисовать 9 портретов одного и тоже же человека. Вдохновившись этим экспериментом интернет-пользователь с ником Whatafinethrowaway решил его повторить. И вот что из этого получилось.
Этот рисунок был сделан до проявления какого-либо эффекта от принятия ЛСД. 15 мин после приема ЛСД.
Прошло 45 минут.
1 ч 45 мин.
2 ч 15 мин.
3 ч 30 мин. «Я не нарисовала глаза. Ты хочешь, чтобы я нарисовала глаза? Я не чувствую на этом рисунке глаз»
«Ну вот, я фиолетовая»
«Обычно я рисую глаза в самом конце, потому что я не хочу, чтобы изображение смотрело на меня, пока я рисую. Сейчас я не хочу, чтобы изображение смотрело на меня вовсе»
6 часов спустя «Я потеряла черный карандаш. У меня остались только цветные»
6 ч 45 мин
8 часов спустя
Через 45 минут в темноте, слушая Pink Floyd, она начала рисовать снова. «Когда я рисовала предыдущий рисунок, я пыталась нарисовать то, что было в моей голове, но в середине я поняла, что реальность вышла за пределы моей головы»
8 ч 45 мин.
9 ч 30 мин после приема ЛСД. В то время, когда эффект начал исчезать.
источник
Амедео Модильяни.
Лежащая обнаженная с раскинутыми руками, 1917 г.Сегодня Амедео Модильяни занимает лидирующие позиции среди самых дорогих художников в мире. А при жизни ему не удалось снискать славы, он жил и умер в нищете. Его первая и единственная выставка не только не была успешной – она стала причиной скандала, в результате которого по требованию полиции выставка была закрыта. Что могло поразить и возмутить искушенных французов в картинах ню?
Амедео Модильяни. Обнаженная на синей подушке, 1917 г.
Значительную часть художественного наследия Амедео Модильяни составляют картины в жанре ню. Скандальная серия, включающая около 30 работ, была создана по заказу Леопольда Зборовски в 1916-1917 гг. Невероятно тонкое и чувственное изображение обнаженной натуры было далеким от вульгарности, тем не менее, вызвало возмущенную реакцию публики. Ни одна картина тогда не была продана.
Амедео Модильяни. Сидящая обнаженная, 1916 г.
Выставка была организована в Париже в галерее Берты Вайль в 1917 г. Для привлечения внимания публики несколько работ вывесили на витрину. Не учли одного важного момента: галерея находилась напротив полицейского участка. Комиссар тут же вызвал Берту Вайль. Позже она напишет об этом инциденте: «Я приказываю Вам немедленно снять всю эту дрянь!». – Я отваживаюсь на замечание: «Но есть знатоки, которые отнюдь не разделяют Вашего мнения. Что же такого плохого в этих обнаженных?» – «Эти голые! У них срамные волосы! Если Вы тотчас же не выполните мой приказ, я прикажу моим полицейским конфисковать все!». Несколько полотен конфисковали «за покушение на нравственность». Выставка была закрыта через несколько часов.
Амедео Модильяни. Обнаженная с рубашкой, 1917 г.
Модильяни не понимал причин критики, поскольку телесное никогда не было для него первичным. Об этом свидетельствует его диалог с Ренуаром в 1919 г. Маститый художник советовал Амедео, как правильно писать обнаженную натуру: «Когда Вы пишете обнаженную женщину, Вы должны как бы ласкать кисточкой ее обольстительный зад». На что Модильяни возмутился: «Я не собираюсь гладить кисточкой женские задницы. Меня вообще не интересуют зады!»
Амедео Модильяни. Прекрасная римлянка, 1917 г.
Красота обнаженных на полотнах художника действительно имеет иную природу – они словно светятся изнутри. Теплая световая гамма и своеобразная техника словно оживляют работы, это не абстрактные образы. Жан Кокто писал об этой серии: «Ню Модильяни кажутся всегда индивидуальными и портретными. В этих образах сохраняется конкретно-чувственное начало, но оно «сублимировано», одухотворено, переведено на язык музыкально-текучих линий и гармоний насыщенных охристых тонов».
Амедео Модильяни. Большая обнаженная, 1917 г.
Только после смерти художника «неприличную и аморальную» серию картин в жанре ню оценят по достоинству. «Прекрасная римлянка» была продана на аукционе Sotheby’s в 2010 г. за 68,96 млн долларов.
Амедео Модильяни. Обнаженная с закрытыми глазами, 1917 г.
источник
*В школу*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
Зоя Черкасская приехала из Киева в Израиль в возрасте 15 лет. Именно в этой стране она стала знаменитой художницей, имеющей свой узнаваемый стиль. Ее картины, может, несколько наивны в своем воплощении, однако чрезвычайно глубоки по смыслу, они мысленно отсылают зрителей к знакомым реалиям собственной жизни, сюжеты насколько легко узнаваемы, что могли бы быть списаны с воспоминаний любого из нас.
*Командир класса*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Ламбада*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Прическа каскад*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Желтые листья*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*В детский сад*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
Как вспоминает Зоя (Zoya Cherkassky-Nnadi), в киевской художественной школе учеников учили прежде всего технике, достоверности рисунка, реализму. А уж творчеству, если оно вообще было у кого-либо, обещали приделить внимание позже: главное КАК рисовать, а не ЧТО. После переезда в Израиль Зоя столкнулась с совершенно противоположным подходом к живописи. Здесь учили прежде всего творить, а не механически доводить рисунок до совершенства. Зоя продолжила свое художественное образование, и сейчас она является разноплановым художником, однако именно эти «наивно честные» картины о советском прошлом сделали ее популярной.
*Пылесос Урал*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Елочный рынок*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Резиночки*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Гунько*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
Помимо цикла о советском детстве, у художницы есть также серия картин «Алия 90-х», посвященная русским иммигрантам в Израиле. Кроме того, недавно в Тель-Авиве выставлялись работы Зои, посвященные образам из обычной жизни в Нигерии, родины мужа Зои.
*Тост*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Мандарины*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Вареники*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Дядя Ваня*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*На озере*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Пирожки*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Карате*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Прожектор перестройки*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Хоровод*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Скользанка*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Дождливый день во время летних каникул*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Школьник*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Майские праздники*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
*Глаз Давида*. Автор: Zoya Cherkassky-Nnadi.
Источник:
Эдвард Мунк. Крик. Версии 1893 г. и 1895 г.Работы знаменитого норвежского художника сегодня входят в перечень самых дорогих в мире – в 2012 г. картина «Крик» была продана за 119,9 млн долларов. Причина неугасающего интереса к творчеству экспрессиониста Эдварда Мунка (Edvard Munch) – не только в высоком уровне мастерства, а и в том заряде невероятных эмоций, которые несут его картины. Во всех работах повторяются лейтмотивы, заставляющие психоаналитиков делать выводы о страхах и страстях, всю жизнь преследующих автора.
Эдвард Мунк. Расставание, 1896 г.
Эдварду Мунку пришлось пережить немало потрясений, сформировавших его характер. В пятилетнем возрасте он потерял мать, после чего замкнулся в себе и почти год не разговаривал. Через несколько лет умерла от туберкулеза его сестра. В живописи он находит для себя утешение и отдушину.
Эдвард Мунк. Улица Карла Иоганна вечером, 1892 г.
Первая же выставка работ Мунка в Норвегии принесла ему скандальную славу. Его называли «зарвавшимся анархистом», а пресса писала: «Эти картины – не что иное, как просто мазня». Тем не менее, популярность художника росла и на родине, и за ее пределами.
Эдвард Мунк. Три периода жизни женщины, 1895 г.
Друг Мунка писатель Стриндберг часто изображал конфронтацию полов, представляя женщин как «ненасытных тварей» и «узниц порока». После череды неудачных романов Мунк разделяет мнение друга. Бурный роман с Туллой Ларсен не привел к браку, и девушка пыталась шантажировать художника, угрожая ему пистолетом. Она нечаянно нажала на курок и повредила ему руку, в результате пришлось ампутировать палец. Художник впал в затяжную депрессию и начал пить. Частые нервные срывы и злоупотребление алкоголем привели к тому, что Мунк проводит несколько месяцев в клинике для душевнобольных.
Эдвард Мунк. Ревность, 1895 г.
Темы страсти и тревоги, страха и отчаяния повторяются в большинстве работ Мунка. Он часто изображает женщин, истязающих мужчин, как на картине «Вампир»: рыжие волосы вампирши словно опутывают и поглощают мужчину. Психоаналитики утверждают, что художник испытывал страх перед сексом и видел в страсти смертельную опасность. На картине «Прах» мужчина угнетен и подавлен, он сидит, закрыв лицо руками, а волосы женщины, как длинные щупальца, тянутся к нему: «Так тоска и отчаяние овладевают душой человека, затягивая ее в свои сети», – комментирует Мунк.
Эдвард Мунк. Вампир, 1893 г.
Эдвард Мунк. Прах, 1894 г.
Двойственное отношение к женщине – как к существу желанному и опасному – просматривается во многих работах Мунка. Картина «Поцелуй» вопреки теме производит гнетущее впечатление. Один из друзей художника писал: «Это две фигуры, лица которых сливаются. И место это напоминает гигантское безобразное ухо, оглушенное напором пульсирующей крови».
Эдвард Мунк. Поцелуй, 1898 г. Мадонна, 1895 г.
Апофеоз тревог и страхов, мучавших Мунка всю жизнь, – это самая знаменитая его картина, «Крик». Художник создал около 50 ее версий после того, как услышал крик самоубийцы, бросившегося с моста. Цветовая гамма настолько точно передает ощущения автора, что, кажется, кричать начинают сами краски.
Источник: