художник
Эдгар Дега вошел в историю мирового искусства как «живописец танцовщиц». Так одного из ярчайших представителей импрессионизма называли за его приверженность теме балета. Сам художник признавался, что испытывает особое наслаждение, рисуя балерин в облаке газа. Однако, кроме легких и воздушных картин, он писал и совсем иные. Тяжелые, сумрачные. В нашем обзоре – 9 неизвестных полотен мастера, созданных в необычной технике.
Сцена балета. Эдгар Дега. 1879
Картины, о которых пойдет речь в этом обзоре, экспонируются впервые. Выставка проходит в Нью-Йоркском музее современного искусства и носит название «Эдгар Дега: Странная новая красота». Все работы выполнены в технике монотипии – это особый вид графики, когда художник наносит изображение красками на металлическую пластину, а после делает единственный оттиск. По мнению куратора выставки Джоди Гауптмана, именно в технике монотипии Дега проявил себя как новатор. Эти эксперименты ставят работы великого мастера в один ряд с самыми смелыми исканиями художников XXI века. Принты Дега опережали свое время.
Танцовщица на сцене с букетов. Эдгар Дега. 1876
В молодости Дега много внимания уделял точности рисунка, он копировал полотна великих мастеров с такой поразительной скрупулезностью, что их тяжело было отличить от оригиналов. Использование монотипии в зрелом творчестве – это совершенно новый подход к творчеству. Такая техника позволяла вносить изменения в рисунок вплоть до того момента, когда, казалось бы, был нанесен последний штрих. Рисование по наитию было совершенно нехарактерным для манеры молодого Дега.
Осенний пейзаж. Эдгар Дега. 1890
Обращение к технике монотипии было для Дега интересно, поскольку давало возможность запечатлеть веяния современности. Например, картина «Осенний пейзаж» написана в 1890 году так, словно художник увидел природу из окна проносящегося поезда. Важно помнить, что сознание человека XIX века – это в большинстве своем поездки на перекладных, поэтому подобный динамизм свидетельствует о прогрессивности художника.
Головы мужчины и женщины. Эдгар Дега. 1877-80
Благодаря «смазанной» технике монотипии Дега удавалось точно передать окружающую его действительность. Рост городов, расширение контактов… Водоворот жизни увлекал за собой мастера. И вот на его картинах – мельком увиденные лица, дышащие гарью заводские трубы.
Дым заводов. Эдгар Дега. 1877-79
Интересно и то, что только в технике монотипии Дега воссоздает образы куртизанок. Художник создает зарисовки из жизни борделей, на периферии можно заметить клиентов, замерших в нерешительности, и дам в ожидании. В центре, как правило, — пустота, пространство для обмена.
В ожидании клиента. Эдгар Дега. 1879
Особое внимание на выставке заслуживает полотно «Frieze of Dancers». Это новый подход Дега к воссозданию динамики. Что перед зрителем – четыре балерины или одна девушка, запечатленная в различные моменты? Искусствоведы традиционно относят эту работу к предтечам кинематографичности в живописи.
Frieze of Dancers. Эдгар Дега. 1895
Качественно новый подход проявился у Эдгара Дега и в работе над картиной «Три женщины в борделе. Вид сзади». Это полотно художник пишет, сочетая возможности монотипии и пастели, при этом он использует трафарет не единожды, как требовала техника, а трижды. Каждый последующий оттиск – более размытый, но в этом случае это играет на руку мастеру. Так он создает галерею силуэтов, похожих друг на друга, но вместе с тем – индивидуализированных. «Дега во всем видел больше возможностей, чем было определено правилами», — подытоживает Джоди Гауптман.
The Fireside. Эдгар Дега. 1880-85
Источник:
источник
29 июля исполняется 199 лет со дня рождения знаменитого художника-мариниста Ивана Айвазовского. За всю жизнь он написал около 6 тысяч картин на морскую тему, а самой известной среди них является «Девятый вал». История создания этого шедевра позволяет приблизиться к пониманию основных принципов работы художника над морскими пейзажами и приоткрыть завесу над тайнами его творческой мастерской.
И. Айвазовский. Среди волн, 1898 | Фото: art-portrets.ru
Иван Айвазовский (Ованес Айвазян) родился в Крыму, в Феодосии, и с детства слышал рассказы моряков об опасностях и приключениях, случавшихся с ними в плавании. По древним морским поверьям, девятый вал – самая мощная и страшная из идущих одна за другой во время шторма волн (древние греки считали самой опасной третью волну, а римляне – десятую). Позднее физики объяснили это явление принципом интерференции: несколько волн сливаются в единый вал и срабатывает эффект синергии.
И. Айвазовский. Буря у скалистых берегов, 1875 | Фото: art-portrets.ru
В ХХ в. в советском искусствоведении бытовала традиция истолкования сюжета картины как политической аллегории: неизменно вспоминалась волна революций, прокатившаяся в 1848 г. в Европе, и безвременная кончина В. Белинского. Однако вряд ли к автору «Девятого вала» это имеет какое бы то ни было отношение. Художник большую часть жизни провел в приморском городе – Феодосии, и был просто влюблен в морскую стихию, особенно в моменты шторма. Буря Айвазовского – это природное явление, прекрасное в своей мощи и свободе, и не стоит тут искать подтексты и скрытые смыслы. Кроме того, роковое противостояние человека и стихии – типичная для романтических произведений тема.
И. Айвазовский у мольберта | Фото: liveinternet.ru
Буря вызывала у художника не страх перед стихией, а упоение ее непостижимой силой. Показателен в этом отношении один эпизод из жизни Айвазовского. Однажды он плыл на корабле из Англии в Испанию и попал в сильный шторм. После этого в европейской прессе даже появились сообщения о его гибели. Позже он заявил о том, что эти новости были ошибочными и признался в том, что многие пассажиры, обезумев от страха, тогда действительно мысленно попрощались с жизнью, а он с восхищением наблюдал за разбушевавшимся морем: «Страх не подавил способности воспринять и сохранить в памяти впечатление, произведенное бурею, как дивною живою картиною».
И. Айвазовский. Биарриц, 1889 | Фото: liveinternet.ru
Интересно то, что и эту, и большинство других работ художник писал не с натуры, а по памяти. Сам он так объяснял свою позицию: «Живописец, только копирующий природу, становится ее рабом, связанным по рукам и ногам. Движение живых стихий неуловимо для кисти: писать молнию, порыв ветра, всплеск волны немыслимо с натуры. Для этого-то художник и должен запомнить их и этими случайностями, равно как и эффектами света и теней, обставлять свою картину». С натуры он делал только наброски, а дальше работал над картиной в мастерской.
И. Айвазовский. Слева – Корабль среди бурного моря, 1887. Справа – Буря на Северном море, 1865 | Фото: muzei-mira.com и art-portrets.ru
Для того, чтобы воспроизводить сюжет по памяти, нужно было работать очень быстро, чтобы не утратить первоначального впечатления и успеть запечатлеть увиденное. Поэтому Айвазовский писал по несколько часов кряду, иногда по 12 часов без перерыва, и не понимал художников, которые работают над картинами по несколько месяцев или даже лет. «Девятый вал» был написан за 11 дней. «Не отхожу от картины, пока не выскажусь», – говорил он. А его техника написания волн удивляла знатоков живописи: он умел создавать движущуюся и почти прозрачную морскую волну. Эффект прозрачности достигался с помощью лессировки – нанесения тончайших слоев краски друг на друга. Его лессировку критики называли виртуозной.
И. Айвазовский. Корабль среди бурного моря, 1887. Фрагмент | Фото: liveinternet.ru
И. Айвазовский. Корабль *Императрица Мария* во время шторма, 1892 | Фото: art-portrets.ru
Эта картина была написана, когда художнику было всего 33 года, и сразу после создания ее ждал ошеломляющий успех, во время первого показа в 1850 г. в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Люди приходили по несколько раз, чтобы снова увидеть «Девятый вал». Эту работу вместе с «Последним днем Помпеи» Брюллова называли высшим расцветом романтизма в российском изобразительном искусстве.
Источник:
Слева – Н. И. Забела-Врубель, 1897. Справа – М. Врубель. Царевна-Лебедь, 1900 | Фото: wroubel.ru
До знакомства с выдающейся оперной певицей Надеждой Забелой у Врубеля были романы, но ни одни из них не привел к браку. Надежда стала для него музой, женой и ангелом-хранителем, оберегающим его до последних дней жизни. Она вдохновила его на создание множества работ, в том числе и самой загадочной – «Царевны-Лебеди», и пыталась сделать невозможное – спасти от безумия.
Н. И. Забела-Врубель в спектакле *Царская невеста* | Фото: chtoby-pomnili.com
Михаил Врубель и Надежда Забела, 1890- е гг. | Фото: wroubel.ru
Они познакомились в Русской частной опере Саввы Мамонтова, на репетиции спектакля. Впервые услышав пение Забелы, он подошел к ней за кулисами, целовал руки и повторял: «Какой прелестный голос!». Это была любовь с первого взгляда, он предложил ей руку и сердце спустя два дня после знакомства. «Другие певицы поют, как птицы, а Надя поет, как человек», – сказал художник. «Голос ровный-ровный, легкий, нежно-свирельный и полный красок. И сколько любви было в этом пении! Душа сказки сливалась в нем с душой человека. И какой облик! Чудо чудное, диво дивное!» – говорил о Забеле композитор М. Гнесин. Летом 1896 г. Забела и Врубель обвенчались в Женеве.
М. Врубель. Слева – Н. И. Забела-Врубель в роли Волховы в опере Н. А. Римского-Корсакова Садко, 1898. Справа – Портрет Н. И. Забелы-Врубель в летнем туалете ампир, 1898 | Фото: vrubel-world.ru
Надежда Забела была любимой исполнительницей Н. Римского-Корсакова: специально для нее он написал партию Марфы в опере «Царская невеста», она исполнила главные партии в операх «Садко», «Сказка о царе Салтане», «Демон» и «Евгений Онегин». Врубель сопровождал ее на всех репетициях и спектаклях, подсказывал нюансы трактовки образов, создавал эскизы театральных костюмов. «Единственное, чем он жил, была музыка, – писал художник С. Судейкин. – Символом, идеальным выразителем прекрасного для него оставалась Надежда Ивановна».
М. Врубель и Н. И. Забела-Врубель, 1900-е гг. | Фото: wroubel.ru
Н. И. Забела-Врубель, 1900 г. | Фото: wroubel.ru
Художник часто писал портреты жены, она вдохновила его на создание знаменитой картины «Царевна-Лебедь», хотя портретного сходства в этом случае нет. Н. Римский-Корсаков по сюжету «Сказки о царе Салтане» А. Пушкина написал оперу, главную партию в которой исполнила Надежда Забела. Вдохновленный ее исполнением, Врубель написал одну из самых загадочных своих работ. Огромные глаза Царевны-Лебеди полны печали, тревоги и словно предчувствия беды.
Н. И. Забела-Врубель | Фото: liveinternet.ru
Сценический облик Забелы в этой роли был таким же, как на картине: «Ее Царевна-Лебедь, также запечатленная Врубелем на полотне – это видение, созданное народной фантазией. Одухотворите эти кристально чистые звуки светлым чувством и весенней девичьей нежностью – и вы, быть может, услышите и увидите ту Царевну-Лебедь, какой была Забела и какой впоследствии эта Царевна не была уже ни у одной из исполнительниц», – писали после спектакля.
Слева – Н. И. Забела-Врубель в роли Снегурочки. Справа – М. Врубель. Снегурочка, 1890 | Фото: wroubel.ru и muzei-mira.com
В 1901 г. у них родился сын Савва, однако счастье омрачало наличие у него врожденного порока – заячьей губы. Из-за этого у художника началась глубокая затяжная депрессия, что стало толчком к развитию душевной болезни. Ее симптомы проявлялись и раньше, но болезнь ребенка их усугубила. В 3-хлетнем возрасте малыш скончался от пневмонии, что окончательно подорвало психическое здоровье Врубеля.
М. Врубель. После концерта. Портрет Н.И. Забелы-Врубель у камина в платье, исполненном по замыслу художника, 1905 | Фото: culture.ru
С тех пор долгое время Врубель проводил в психиатрических клиниках, но жена не теряла надежды и пыталась облегчить его состояние всеми возможными способами. Зная о том, как на него действует ее пение, она привозила в больницу аккомпаниатора и пела для мужа. Она старалась не выдавать своего беспокойства и поддерживала художника до последних дней. Именно поэтому Надежду Забелу называли ангелом-хранителем Врубеля. Женщина проявляла необычайную стойкость, хотя ей довелось перенести немало: смерть ребенка, болезнь матери, смерть отца, безумие и гибель мужа. Она пережила Врубеля всего на три года и ушла из жизни в 45 лет.
Слева – Н. Забела в роли Ольги в опере Н. Римского-Корсакова *Псковитянка*. Справа – Н. И. Забела-Врубель в спектакле *Садко*| Фото: wroubel.ru и chtoby-pomnili.com
Н. И. Забела-Врубель в спектакле *Садко*
Источник:
К. Сомов. Дама в голубом, 1897-1900. Фрагмент | Фото: gallerix.ru
«Даму в голубом» называют лучшей картиной художника К. Сомова, «Джокондой современности» и символом эпохи Серебряного века. Для этой работы Сомову позировала Елизавета Мартынова – едва ли не единственная женщина, к которой художник испытывал чувства. Ее судьба сложилась трагически: она умерла вскоре после того, как ее портрет был выставлен в Третьяковской галерее.
К. Сомов. Автопортрет, 1895 | Фото: artsait.ru
С Елизаветой Мартыновой Сомов познакомился во время учебы в Академии художеств. На тот момент она была одной из первых женщин, допущенных к обучению на живописном отделении Академии. Она поступила туда в 1890 г., но вскоре вынуждена была прервать учебу из-за болезни – девушка была больна туберкулезом, и врачи рекомендовали ей лечение за границей. Мартынова мечтала стать настоящей художницей, но ее планам так и не суждено было осуществиться – она умерла от туберкулеза в 1904 году в 36-летнем возрасте.
К. Сомов. Дама в голубом, 1897-1900 | Фото: gallerix.ru
По-видимому, Елизавета Мартынова была одной из немногочисленных женщин, которыми Сомов увлекался. Еще в студенческие годы он написал несколько портретных этюдов, а в 1897 г. приступил к созданию «Дамы в голубом платье» (так назывался портрет на персональной выставке произведений художника). Работа длилась около трех лет с перерывами из-за поездки Сомова в Париж и лечения Мартыновой в Тироле. Ее портреты писали и другие художники: И. Браз, Л. Бакст, Ф. Малявин.
И. Браз. Портрет Е. М. Мартыновой, 1896. Фрагмент | Фото: artsait.ru
«Дама в голубом» появилась на выставке «Мира искусства» в 1900 г. Еще тогда портрет обратил на себя внимание членов Совета Третьяковской галереи, В. Серов рекомендовал приобрести эту картину для галереи. В начале ХХ в. собрание Третьяковки состояло преимущественно из работ художников-передвижников, и картина Сомова казалась на их фоне слишком декадентской. По этой причине многие члены Совета Третьяковки высказывались против ее приобретения. Но Серову удалось их переубедить, и «Дама в голубом» пополнила знаменитую коллекцию.
К. Сомов. Фото, 1910 | Фото: liveinternet.ru
Сама Елизавета Мартынова была категорически против продажи картины. Сохранилось ее письмо, в котором она и умоляла, и требовала не продавать работу в Третьяковскую галерею: «Может быть, Вы будете удивлены, Константин Андреевич, получив это письмо, и тотчас приедете ко мне, станете меня с улыбкой и некоторой иронией убеждать смотреть на вещи иначе, но это мне все равно… Сегодня ночью я проснулась и не спала от одной назойливой и мучительной мысли: Вы не должны и не имеете права продать мой портрет. Я позировала Вам для Вас, для чистого искусства, а не для того, чтобы Вы получили за мою грусть в глазах, за мою душу и страдания деньги… Я не хочу этого! Оставьте портрет у себя, сожгите его, если Вам так жаль отдать его мне, подарите его даром в галерею…». Однако художник нуждался в деньгах, и картина все же была продана.
Ф. Малявин. Портрет художника К. А. Сомова, 1895 | Фото: artscroll.ru
К. Сомов. Автопортрет, 1898 | Фото: gallerix.ru
«Дама в голубом» – это одновременно и портрет Мартыновой, и обобщенный символ эпохи: художник не только запечатлевает настоящие черты позирующей, но и поэтизирует ее болезненность и одиночество, что было так характерно для искусства Серебряного века. Сомову удалось создать образ почти трагический, хотя многие удивлялись такой интерпретации реальности – в жизни девушка была довольно энергичной и жизнерадостной. Подруга Мартыновой М. Ямщикова писала об этой картине: «Что сделал художник с этим лицом, с этими когда-то сияющими торжеством глазами? Как сумел вытащить на свет глубоко запрятанную боль и печаль, горечь неудовлетворенности? Как сумел передать это нежное и вместе с тем болезненное выражение губ и глаз?».
К. Сомов. Автопортрет, 1909 | Фото: gallerix.ru
Возможно, именно этим и объясняется популярность «Дамы в голубом», которую И. Грабарь назвал «Джокондой современности». Сомов отразил не только трагические обстоятельства жизни конкретной личности, но и характер целой эпохи. «Изящная грусть его картин и придает им особое, несравненное очарование и какую-то странную загадочность», – писал Грабарь. «Все его произведения проникнуты духом нашего времени: безумной любовью к жизни, и в то же время каким-то грустным скептицизмом, глубочайшей меланхолией от «недоверия к жизни», – утверждал А. Бенуа.
Ф. Малявин. Больная, 1897 (Портрет Е. М. Мартыновой)
Источник
Свапна Августин (Swapna Augustine).
Трудно поверить в то, что все эти картины написаны женщиной, которая родилась без рук. Ведь в работах Свапны Августин (Swapna Augustine) оживают не только красочные пейзажи, окутанные нескончаемым потоком света и тепла, но и потрясающие образы, связанные с индийской культурой, которые требуют к себе особого внимания в проработке мельчайших деталей.
Пейзажные работы Свапны Августин (Swapna Augustine).
Творчество Свапны Августин (Swapna Augustine).
Автор картины: Свапна Августин (Swapna Augustine).
Трудно поверить в то, что эти картины написаны женщиной, которая родилась без рук. Работы Свапны Августин (Swapna Augustine).
Свапна Августин за работой.
Несмотря на то, что Свапна родилась без рук, это не помешало ей осуществить мечту – стать художником. С раннего возраста девушка взяла за основу – делать все дела по дому ногами, в том числе и развивать в себе художественные способности. Благодаря поддержке родных и близких, а так же друзей и школьных учителей, которые всячески оказывали ей содействие, она научилась не просто рисовать, а писать полноценные картины со сложными элементами, которые требовали усидчивости и точной прорисовки мелких деталей. В студенческие годы работы Августин были опубликованы в молодёжных журналах, а спустя несколько лет, её полотна стали появляться на выставках по всей Индии. Сейчас же о таланте молодой женщины говорит практически весь мир, ведь Свапне удалось не просто воплотить свою мечту в реальность, а и вселить надежду в людей с ограниченными возможностями.
Свапна Августин (Swapna Augustine) и её картины.
Картины Свапны Августин (Swapna Augustine).
Автор картины: Свапна Августин (Swapna Augustine).
Потрясающие работы Свапны Августин (Swapna Augustine).
Картины, написанные женщиной, которая родилась без рук. Автор: Свапна Августин (Swapna Augustine).
Витиеватые узоры в работах Свапны Августин (Swapna Augustine).
Влюбленные. Работы Свапны Августин (Swapna Augustine).
Необычные работы Свапны Августин (Swapna Augustine).
Источник:
Это видео стоит досмотреть до конца, чтобы понять, справедливость утверждения о том, что вещи не такие, какими они кажутся. Девушка начала рисовать, а у судей не хватило терпения посмотреть на результат её работы. Надеемся, что у вас есть две с половиной минуты, чтобы увидеть, что на самом деле нарисовала художница.
Трудно поверить в то, что все эти картины написал тринадцатилетний мальчик Киерон Уильямсон (Kieron Williamson), которого современные искусствоведы окрестили «маленьким Моне». Творчество юного художника, всё больше привлекает к себе внимание, ведь сюжеты в работах автора далеко не детские и наивные, как чаще всего это бывает в столь раннем возрасте, а весьма умудрённые жизнью и каким-то особым, специфическим видением окружающего мира. К тому же, за плечами талантливого мальчишки не одна персональная выставка и десятки проданных полотен, в очередь за которыми выстраивается новая армия поклонников, ценящих импрессионизм…
Картины тринадцатилетнего Киерона Уильямсона (Kieron Williamson).
Трудно повреить в то, что эти кратины написаны 13-летним мальчиком. Автор: Киерон Уильямсон (Kieron Williamson).
Работы 13-летнего Киерона Уильямсона (Kieron Williamson).
13-летний Киерон Уильямсон (Kieron Williamson) своим творчеством покорил множество сердец.
Работы 13-летнего Киерона Уильямсона (Kieron Williamson) всё больше и больше становятся востребованы.
Потрясающие работы Киерона Уильямсона (Kieron Williamson).
Впечатляющие работы Киерона Уильямсона (Kieron Williamson).
Киерон, как и любой мальчишка в его возрасте любит играть в футбол и компьютерные игры, но эти увлечения, никоем образом не мешают ему писать живописные картины, в которых царит невероятная атмосфера, присущая далеко не юному созданию. Свой порыв к рисованию он проявил ещё в шесть лет, когда его любимым занятием были разукрашки и преимущественно чёрные цвета. Но уже в восемь, он поменял свое видение окружающего мира и добавил в работы краски. Из-за специфической техники письма, так похожей на импрессионизм, Уильямсона прозвали «Мини Моне». И совсем неудивительно, что с каждым годом, маленький гений обретал всё больше навыков, оттачивая своё мастерство, создавая поистине достойные внимания шедевры. И кто знает, что будет спустя год-два, ведь мальчик растёт, взгляды меняются, а творческий подход не стоит на месте. К тому же, судя по всему, он не собирается бросать этот увлекательный процесс, мечтая о том, чтобы его полотна попали на торги аукциона Bonhams.
Работы современного художника Киерона Уильямсона (Kieron Williamson).
Импрессионизм в работах Киерона Уильямсона (Kieron Williamson).
Киерона Уильямсона (Kieron Williamson) прозвали — Маленьким Моне.
13-летний художник Киерон Уильямсон (Kieron Williamson).
Творчество Киерона Уильямсона (Kieron Williamson).
Совсем недетские работы Киерона Уильямсона (Kieron Williamson).
Таланту Киерона Уильямсона (Kieron Williamson) могут позавидовать даже состоявшиеся художники.
Картины 13-летнего Киерона Уильямсона (Kieron Williamson).
Источник:
Казалось бы, о всемирно известных картинах и художниках, которые их создавали, известно практически всё. Однако время от времени полотна, возраст которых оценивается в несколько столетий, открывают искусствоведам и учёным свои тайны. Благодаря новым технологиям достаточно часто на известных (и не очень) картинах находят образы, которые много веками были спрятаны под «парадным» слоем полотен.
1. Статуя La Republique на картине «Пильщики в лесу»
Образ головы над левым плечом пильщика.
С помощью инфракрасной рефлектограммы было обнаружено изображение головы над левым плечом одного из мужчин на картине Жана-Франсуа Милле «Пильщики в лесу». При дальнейшем изучении и тщательном сканировании обнаружились другие части скрытого изображения. Это была фигура известной французской статуи La Republique. Альфред Сенсье, биограф художника, позже подтвердил, что этот образ был первоначально написан Милле, но позднее он был закрашен, поскольку Милле повторно использовал один и тот же холст, чтобы сэкономить деньги.
2. Выброшенный на берег кит на картине «Сцена на берегу»
Выбросившийся на берег кит.
Картина «Сцена на берегу» была создана Хендриком ван Антониссеном в 1641 году, а в 1873 она была передана в дар музею Фитцуильяма. На картине изображен пляж зимой, на котором без видимой причины собралось множество людей. Когда картину попытались отреставрировать, счистив слой пожелтевшего лака, обнаружился неожиданный секрет. На горизонте показалось изображение чего-то, похожего на парус, и человека, смотрящего на него.
После дальнейшей очистки реставраторы обнаружили, что человек на самом деле стоит на спине кита, выброшенного на берег, а «парус» — это плавник кита. Более поздний анализ показал, что кит был закрашен в 18-м или 19-м веке. Эксперты полагают, что кита закрасили, чтобы не вызывать возмущение изображением мертвого животного.
3. Крестьянка на картине «Лоскут травы»
Картина выполнена синим и зеленым, а портрет коричневым и красным цветами.
Винсент Ван Гог, чьи произведения сегодня весьма ценятся в мире искусства, написал свой шедевр «Лоскут травы» в Париже в 1887 г. Уже в наше время ученые из Нидерландов и Бельгии обнаружили, что под слоем краски этой картины скрывается чей-то портрет. Хотя окончательная картина выполнена в основном синим и зеленым цветами, портрет сделан полностью в коричневом и красном цвете. Это было обнаружено в 2008 году с помощью инновационной методики картирования цвета с помощью флуоресцентных рентгеновских лучей.
Личность женщины, похожей на крестьянку, неизвестна. По мнению экспертов, Ван Гог часто писал новые картины поверх своих старых холстов из-за стеснения в средствах. Вот и портрет этой дамы был закрашен и забыт.
4. Автопортрет Сёра на картине «Пудрящаяся девушка»
Автопортрет художника выглядел комично.
Джордж Сёра закрасил часть своей картины «Пудрящаяся девушка» умышленно и по личным соображениям. На картине изображена Мадлен Кноблох — гражданская жена художника. А в зеркале на стене, в котором отражается ваза с цветами, стоящая на столе, первоначально было отражение самого художника.
Известно, что перед тем, как впервые показать картину публике, Сёра попросил своего друга оценить его работу. Товарищ отметил, что автопортрет художника в дамской комнате выглядит довольно комичным. Поэтому Сёра и решил закрасить его.
5. Мужчина в униформе на картине «Портрет дона Рамона Сатуэ»
Недописанный портрет.
Неоконченный портрет человека в форме обнаружился при изучении с помощью рентгеновской спектрометрии картины Франсиско Гойя «Портрет дона Рамона Сатуэ». Детали лица не были завершены, поэтому человек так и остался неопознанным. Эксперты выдвинули предположение, что это был портрет Жозефа Бонапарта, родного брата Наполеона.
Дело в том, что только Жозеф и ещё 15 генералов имели право носить этот тип формы. И именно во время правления Жозефа (1808 – 1813) Гойя был придворным живописцем.
6. Лицо Изабеллы Медичи до ретуширования
Настоящее лицо Изабеллы Медичи.
После того, как некоторые эксперты выразили свои сомнения в подлинности портрета Изабеллы Медичи, реставраторы Художественного музея Карнеги в Питсбурге провели детальное исследование портрета итальянской аристократки 16-го века. В результате картину признали подлинной, но экспертов музея ждал сюрприз.
Под верхним слоем краски они нашли другую картину с настоящим лицом де Медичи. По-видимому, эта картина претерпела радикальные изменения уже в 19-м веке, когда ее отретушировали и частично переписали, чтобы сделать дворянку несколько моложе и красивее.
7. Два борца на картине «Натюрморт с луговыми цветами и розами»
Художник рисовал изображения борцов, а после закрашивал их.
Начиная с 1974 года, велись споры относительно того, действительно ли «Натюрморт с луговыми цветами и розами» принадлежит кисти Винсента Ван Гога. Эксперты изучали формат картины, состав красок и даже расположение подписи. Они пришли к выводу, что слишком много деталей этой картины не совпадают с другими работами Ван Гога. Из-за сомнений в подлинности картина была в конечном счете удалена из каталога Ван Гога.
Только, когда под слоем краски обнаружили более старое изображение двух борцов, полотно наконец было признано «подлинным ван Гогом». Искусствоведы знают, что художник часто рисовал изображения борцов, а после закрашивал их.
8. Бретелька на картине «Портрет мадам Икс»
Картина сразу же стала поводом для споров.
Когда Джон Сингер Сарджент впервые выставил «Портрет мадам Икс» на Парижском Салоне 1884 года, картина сразу же стала предметом споров и неодобрения многих гостей и критиков. На то время картину сочли неприличной, поскольку на ней была изображена очаровательная дама в простом черном платье с одной из бретелек, кокетливо спущенной с плеча.
Дамой на картине была Виржини Готро — эмигрантка из Нового Орлеана, признанная красавица светских парижских салонов. Семья Готро посчитала это унижением и потребовала снять портрет с выставки. Опасаясь, что его картина будет снята с салона, Сарджент решил исправить ситуацию и поднял бретельку на плечо дамы.
9. Тайная куртизанка на картине «Женщина у окна»
Жертва искусства на алтаре морали.
Как и картина Сарджента «Портрет Мадам X», полотно Джакомо Пальма иль Веккьо «Женщина у окна» было перерисовано в угоду общественному мнению того времени. Во время реставрации обнаружилось, что верхний слой картины был нанесен гораздо позже (вероятно, в 19 веке). Изначально на картине была изображена блондинка в платье со смелым декольте, подчёркивающим грудь. У женщины также была несколько другая форма подбородка и другое выражение глаз. Первая версия картины позволяет предположить, что на ней изображена куртизанка.
10. Другая женщина на картине «Мона Лиза»
Под изображением Джоконды были найдены два других портрета.
«Мона Лиза» — одна из самых известных картин в мире. Личность женщины, изображённой на картине, вызывает споры на протяжении многих веков. По одной из версий, женщина на этой картине является Лизой дель Джокондо (она же Лиза Герардини), женой известного флорентийского купца. Но недавнее открытие может разрушить эту теорию. Под изображением Джоконды были найдены два других портрета.
Один из них, как полагают, и изображает настоящую Лизу. Паскаль Котт, французский ученый , который обнаружил и реконструировал два других изображения, отметил, что результаты могут разрушить многие мифы и изменить видение шедевра Леонардо да Винчи. Другие же историки искусства утверждают, что скрытые изображения просто показывают творческий процесс да Винчи — от набросков до окончательной формы. В 2016 году представители Лувра в Париже официальных комментариев не давали.
Источник: