искусство

Скандальная «Мадонна» Мунка: почему знаменитая картина вызвала неоднозначную реакцию в обществе

Картина Эдварда Мунка «Мадонна» в конце XIX в. вызвала широкий резонанс. Обнаженная женщина с распущенными волосами и полуприкрытыми в экстазе глазами не вызывала никаких ассоциаций с Девой Марией. Единственное, что напоминало канонические изображения Мадонны, – нимб над ее головой, но он почему-то был красного цвета. Эта женщина была больше похожа на любовницу в момент пика чувственного наслаждения, чем на библейский персонаж. На художника обрушилась волна негодования.

Скандальная «Мадонна» Мунка: почему знаменитая картина вызвала неоднозначную реакцию в обществе

Эдвард Мунк. Автопортрет с бутылкой вина, 1906 | Фото: artchive.ru

Мунк создал пять версий этой картины и литографию. Каждый из вариантов, согласно замыслу, должен был соответствовать основным этапам жизненного пути женщины: зачатие ребенка, рождение потомства и смерть. Именно в продолжении рода видел художник главное женское предназначение. Первая версия «Мадонны» также носила название «Зачатие» или «Любящая женщина». Поза женщина заставляет предположить, что она изображена лежащей, с запрокинутой головой. Вторую стадию – рождение потомства – художник изобразил в литографии 1895 г. Она повторяла первую версию, но тут в нижнем углу был изображен эмбрион, а на раме – сперматозоиды. Каждый из вариантов картины был не повторением ее темы, а дополнением и развитием.

Скандальная «Мадонна» Мунка: почему знаменитая картина вызвала неоднозначную реакцию в обществе

Эдвард Мунк. Автопортрет с зажженной сигаретой, 1895 | Фото: artchive.ru

Как во всех картинах норвежского экспрессиониста, доминирующее значение здесь имеет цвет. Несмотря на выбранную тему, которая ожидаемо предполагает ассоциации с любовью, страстью и животворящей энергией, цветовая гамма производит гнетущее впечатление и вызывает ощущение тревоги. И это именно тот эффект, который намеревался создать художник, – размытые изогнутые линии словно обволакивают тело женщины и заключают его в плотное кольцо. Автору была близка идея самоотречения во имя любви и тема губительной природы человеческих страстей. 

Скандальная «Мадонна» Мунка: почему знаменитая картина вызвала неоднозначную реакцию в обществе

Эдвард Мунк. Мадонна, 1894-1895 | Фото: artchive.ru

Темная палитра красок и странная поза женщины заставляют задуматься: находится ли она на пике наслаждения или изображена в момент последнего вздоха, когда душа покидает тело? Любовь и смерть в работах Мунка часто становятся синонимичными понятиями. По мнению художника, «любовь – божественное чувство, и каждая новая влюбленность обязательно несет в себе оттенок скорби по кусочку собственного «я», принесенному в дар объекту страсти». Поэтому в глазах Мунка влюбленная женщина – это Мадонна Скорбящая. В ХХ в. критики даже усматривали в этой картине предупреждение о надвигающейся угрозе для всего человечества.

Скандальная «Мадонна» Мунка: почему знаменитая картина вызвала неоднозначную реакцию в обществе

Эдвард Мунк. Мадонна, 1895 | Фото: artversed.com

Картина «Мадонна» была впервые представлена публике в 1896 г. под названием «Влюбленная женщина». Критики назвали ее опасной для юных девушек, особенно вторую ее версию, с эмбрионом и сперматозоидами. А. Стриндберг в 1896 г. в своей рецензии на эту картину писал: «Скорее всего, здесь изображено зачатие – неважно, непорочное или грешное. Красный и золотой ореолы вокруг фигуры героини символизируют акт совокупления как единственного смысла существования любого существа, неспособного жить в одиночестве». 

Скандальная «Мадонна» Мунка: почему знаменитая картина вызвала неоднозначную реакцию в обществе

Дагни Юль | Фото: liveinternet.ru

Мадонну Мунк писал с натурщицы Дагни Юль – женщины, которую называют роковой музой многих деятелей искусства того времени. Одно время она была любовницей Мунка, а на момент написания картины – женой его друга. За ее бесконечные романы Дагни именовали «пожирательницей мужчин». Тем более кощунственным было для современников увидеть ее в образе Мадонны.

Скандальная «Мадонна» Мунка: почему знаменитая картина вызвала неоднозначную реакцию в обществе

Дагни Юль | Фото: georgianjournal.ge

Эдвард Мунк на самом деле не намеревался глумиться над христианскими ценностями, он пытался разглядеть земное в небесном, увидеть в Деве Марии обычную женщину, чтобы максимально ее очеловечить, сделать близкой и узнаваемой, возвеличить в ней земное, человеческое, смертное. В момент зарождения жизни женщина, по мнению художника, объединяет в себе святость и одухотворенность мира вместе с его страданиями и страхами. Отношение Мунка к женщинам было амбивалентным: красота для него всегда подразумевала смертельную опасность. «Женщина в ее тотальной изменчивости – это загадка для мужчины. Она одновременно святая и потаскуха, наркотик, страдание, человек… Человек, сводящий с ума…», – писал художник.

Скандальная «Мадонна» Мунка: почему знаменитая картина вызвала неоднозначную реакцию в обществе

Картины *Крик* и *Мадонна* были похищены из музея в 2004 г. | Фото: etoday.ru

В 2004 г. из музея Мунка в Осло «Мадонна» была похищена вместе с другой знаменитой картиной художника – «Крик». Полотна были возвращены только спустя два года. Из-за полученных повреждений они не демонстрировались в течение двух лет, пока велись реставрационные работы. 

Скандальная «Мадонна» Мунка: почему знаменитая картина вызвала неоднозначную реакцию в обществе

В 2006 г. *Мадонну* вернули в музей Мунка в Осло

Источник: 

Главные легенды русского авангарда

Классический русский авангард – феноменальное явление начала прошлого века, охватившее все области искусства: от живописи и архитектуры до дизайна и книгопечатания. И откуда теперь черпают вдохновение современные мастера по всему миру, как не из русского авангарда?

Василий Кандинский

Главные легенды русского авангарда

В белом II, 1923 год

Только ли импрессионистский «Стог сена» Клода Моне заставил юриста Василия Кандинского заняться живописью профессионально? Вероятно, значение имела и вологодская экспедиция, во время которой он был поражён, оказавшись внутри крестьянской избы-картины, и произведённое мировой наукой открытие о делении атома, предполагающее «разборку» мира на неосязаемые частицы, и опера Вагнера «Лоэнгрин», во время которой Кандинский отчётливо увидел цвета звуков. Каковы бы ни были причины, экс-юрист вошёл в историю мирового искусства как теоретик русского абстракционизма, несмотря на то, что скончался гражданином Франции.

Казимир Малевич

Главные легенды русского авангарда

Черный квадрат, 1919 год

Иная метафизика цвета, отказ от буквального восприятия реальности, переход в «чистые» плоскости – теория супрематизма Малевича изначально не нашла понимания среди коллег-кубистов, но это не помешало ей стать мировой концепцией авангардного творчества. «Чёрный квадрат» стал «нулём форм», позволяющим выйти «из круга вещей». Кроме фундаментальных работ по теории супрематизма и признанных мировых шедевров авторству Малевича принадлежит, например, дизайн кружки с квадратной ручкой – очень неудобной, но весьма оригинальной.

Владимир Татлин

Главные легенды русского авангарда

Модель памятника III Интернационалу, 1919-1920 годы

Родоначальник русского конструктивизма являлся страстным оппонентом Малевича. По одной из баек, он якобы выбил из-под теоретика супрематизма стул и предложил сидеть на цвете и геометрии. Татлин выступал за связь искусства с жизнью, а его революционными идеями вдохновлялись немецкие дадаисты. Башня Татлина хоть и осталась только проектом, но и сегодня считается одним из символов мирового авангарда. Конструкция железного монумента, включающая семь вращающихся по спиралям зданий различной формы, задумывалась как символ объединения людей, переставших понимать друг друга во время строительства Вавилонской башни. У памятника Третьему интернационалу было и практическое назначение – в нём должны были трудиться члены Коминтерна.

Павел Филонов

Главные легенды русского авангарда

Ударники, 1935 год

В попытке противостоять методу Малевича и «живописному анекдоту» Татлина в 1914 году Филонов со товарищи издаёт «Сделанные картины» – манифест аналитического искусства с основной идеей «упорного рисования каждого атома». В 1936-м лидера русского авангарда обвиняют в «формализме». Тогда же возникает «филоновщина» – символ непролетарского искусства. Работы Филонова украшают лишь стены его скромного жилища, а сам он голодает, нерегулярно получая пенсию «научного сотрудника третьего разряда». Скончается Павел Николаевич в первые дни Ленинградской блокады на крыше дома при очередном дежурстве во время немецких авианалётов. Его теории окажут значительное влияние на последующие поколения художников и литераторов.

Эль Лисицкий

Главные легенды русского авангарда

СССР на стройке, плакат, 1929 год

Человек, который создал новый вид творчества в Стране Советов – дизайн –

и совместно с Малевичем разрабатывал основы супрематизма, вошёл в историю мировой архитектуры как автор горизонтальных небоскрёбов. Когда Лазарь Мордухович (настоящее имя Эля Лисицкого) представил свой первый проект в СССР, его забраковали: построить такое невозможно. На трёх основательных опорах с шахтами лифтов базируются сами здания. Позднее похожие конструкции были реализованы архитекторами в Нидерландах, Германии, Китае, Эквадоре. Воспользовались идеями Лисицкого и проектировщики московской школы управления «Сколково».

Александр Родченко

Главные легенды русского авангарда

Рекламный плакат для Моссельпрома, 1923 год

Таланты родоначальника советской рекламы и одного из теоретиков конструктивизма не ограничивались исключительно живописью. Он работал в графике, скульптуре, фотографии, сценографии. В начале 1933 года в рамках секретной командировки выполнял фотосъёмку строительства Беломорканала. Все дошедшие до наших дней работы мастера отличают необычные ракурсы. Он первым в СССР стал использовать фотомонтаж (коллажи-иллюстрации к поэме Маяковского «Про это»), и именно ему принадлежит известный рекламный плакат «Книги по всем отраслям знаний» с призывно кричащей Лилей Брик.

Варвара Степанова

Главные легенды русского авангарда

Плакат Академии социального воспитания, 1923 год

Варвара Фёдоровна являлась не только соавтором многих работ супруга Александра Родченко, но и работала самостоятельно, выставляя авангардные полотна под псевдонимом Варст. Широко известны её революционные работы в области текстильного дизайна для Первой ситценабивной фабрики. Разделяя основные идеи конструктивизма и считая моду буржуазным явлением, она проектировала прозодежду – новую форму для трудящихся, которая должна быть функциональной, простой, эргономичной. Вместе с Любовью Поповой она разрабатывала новые принты для тканей. На смену цветочкам-лепесточкам пришли геометрические абстракции. В советских магазинах текстиль а-ля Степанова отрывали с руками.

Александра Экстер

Главные легенды русского авангарда

Эскиз костюма к драме И. Ф. Анненского «Фамира Кифаред». Менада. 1916

Совместно с Поповой и Степановой работала и одна из ключевых фигур популярного сегодня ар-деко Александра Экстер. Она стала автором многочисленных работ для театра. Её костюмы для фантастического фильма 1924 года «Аэлита» были восторженно встречены в Венеции и Париже и позволили ей получить заказ на серию марионеток, идейное воплощение которых вдохновляло американский поп-арт 50-60-х годов. Интересно, что Экстер входила в группу модельеров, разработавших форму для Красной армии – серую шинель и знаменитую будёновку.

Владимир Шухов

Главные легенды русского авангарда

Шуховская башня, 1919-1922 годы

По проектам выдающегося русского инженера и архитектора Владимира Шухова построено более двухсот башен по всему миру, в том числе и знаменитая телерадиовещательная башня на Шаболовке. Он разрабатывал технологии строительства для нефтяной промышленности, трубопроводов, мостостроения. Идеи академика легли в основу авангардной архитектуры. В частности, он первым в мире использовал гиперболоидные формы и стальные оболочки из сетки в качестве несущей конструкции здания. Шуховские решения активно используются современными архитекторами хай-тека Фуллером и Фостером.

Братья Веснины

Главные легенды русского авангарда

Проект здания Наркомтяжпрома, 1936 год

Наиболее известным проектом советских архитекторов-конструктивистов Александра, Виктора и Леонида Весниных считается проект московского Дворца культуры ЗИЛ. Для 1930-х годов предложенные архитекторами решения отличались смелостью и несомненным новаторством. На 23 тысячах квадратных метрах разместились зрительные залы, обширные холлы, библиотека, зимний сад, а на крыше – обсерватория. Интересно, что для отдельных сцен стильного для своего времени «Чародеев» искать площадку для съёмок долго не пришлось – идеально подошли авангардные интерьеры, созданные Весниными. Кроме этого, братья спроектировали большое количество оригинальных зданий, которые были построены по всей России.

АСНОВА

Главные легенды русского авангарда

Типография журнала «Огонек», 1930-1932 годы

В 1923 году в противовес конструктивистам и классическим архитектурным обществам рационалистами была создана Ассоциация новых архитекторов (АСНОВА). Представители рационального направления русского авангарда проектировали функциональные и лаконичные здания строгих форм, огромное внимание уделяя психологическому восприятию объекта. Творческим лидером объединения стал Николай Ладовский. В частности, он предложил застраивать Москву по параболе. По его проекту центральная ось российской столицы совпадала с Тверской улицей, а сам город, разрастаясь на северо-запад, со временем соединился бы с Петербургом. В 1928 году один из учеников Ладовского Георгий Крутиков представил сенсационный проект парящего города-коммуны. Реализован он не был, в отличие от проекта Северного речного вокзала в Москве Владимира Кринского, ближайшего соратника Ладовского.

Константин Мельников

Главные легенды русского авангардаЕщё в 30-е годы Константин Мельников получил мировое признание как классик русского авангарда. Дом Мельникова в Кривоарбатском переулке стал культовым объектом мировой архитектуры. В Москве сохранилось с десяток зданий, спроектированных архитектором, которые соперничают между собой в оригинальности. Дом культуры Русакова для служащих трамвайного депо венчает гигантская шестерёнка, выпирающая из фасада; центральный фасад клуба фабрики «Свобода» на Вятской выполнен в виде параллелепипеда. Главный вход в парк Горького также спроектирован Мельниковым. Интересно, что его проект саркофага Ленину в виде кристалла комиссией во главе с Дзержинским был признан лучшим.

Наталья Гончарова

Главные легенды русского авангарда

Лев, 1911 год

Одна из «амазонок авангарда» Наталья Гончарова стояла у истоков русского примитивизма. Первые же выставленные ею работы, изображавшие обнажённых натурщиц, были названы порнографическими, а поздние картины снимались с выставок по религиозным соображениям. Образы Гончаровой доступны и понятны. На протяжении всей жизни она призывала «не следовать традиции, а жить в ней», черпая вдохновение в русском лубке и других видах народного творчества. В век расцвета индивидуализма она пропагандировала его неприятие. Дружившая с Гончаровой Цветаева писала, что та работает «без катастроф»: «всегда, везде и всё».

Михаил Ларионов

Главные легенды русского авангарда

Венера и Михаил, 1912 год

Имя Натальи Гончаровой неразрывно связано в истории русского авангарда с её супругом Михаилом Ларионовым. Он начинает как импрессионист, но в итоге приходит к примитивизму. Возникновение русского абстракционизма принято связывать с полотном Ларионова «Стекло». К 1912 году он становится идейным вдохновителем и теоретиком нового направления беспредметного творчества – лучизма. На протяжении почти 10 лет вместе с супругой будет работать над декорациями и костюмами для постановок «Русских сезонов» Дягилева в Париже.

Аристарх Лентулов

Главные легенды русского авангарда

Колокольня Ивана Великого, 1915 год

Талант классика русского авангарда называли жизнерадостным, темперамент – буйным, жизнелюбие – покоряющим. За необычный колорит полотен друзья в шутку называли Аристарха Васильевича Ярилой, а коллеги высоко ценили его смелые, порой отчаянные эксперименты. Сану священника Лентулов предпочёл искусство – дерзкое, солнечное, низвергающее любые авторитеты и штампы. В стремлении продемонстрировать превосходство русского таланта мастер любил повторять: «Мы – бунтовщики, а посему наш-то авангард покруче будет!»

Тайны 5 мистических полотен Ивана Айвазовского

Полотна Ивана Айвазовского во все времена буквально притягивали зрителей, морские пейзажи мастера даже в век компьютерной графики и высокого разрешения по-настоящем завораживают. На выставку знаменитого мариниста в Третьяковской галерее, открывшуюся в конце июля, выстраиваются очереди, ее уже посетили около 250 тысяч человек. Но мало кто знает, что со многими знаменитыми картинами художника связаны мистические истории.

Тайны пяти самых загадочных полотен Айвазовского раскрывает дипломированный историк искусства и лектор образовательного проекта Level One Наталья Игнатова. Три из них можно увидеть на выставке в Москве до 20 ноября.

Полотно с демонами, или «Сотворение мира» («Хаос») (1841)

Тайны 5 мистических полотен Ивана Айвазовского

В основу этого монументального полотна положен библейский сюжет о сотворении мира: художник изобразил на ней Дух Божий в виде света, пробивающегося сквозь мрачные тучи. Когда Айвазовский представлял свою работу в Италии, этот образ так впечатлил папу римского Григория XVI, что он захотел приобрести ее для своей коллекции. Но священнослужители разглядели на картине и нечистую силу, по их мнению, намеренно спрятанную художником в темных облаках. Чтобы узнать так это или нет, кардиналы созвали совет и подвергли ее тщательному осмотру на предмет присутствия демонов, но так их и не обнаружили. Так «Хаос» попал в Ватикан.

Между жизнью и смертью, или «Девятый вал» (1850)

Тайны 5 мистических полотен Ивана Айвазовского

Айвазовский написал эту картину после того, как сам чудом выжил в страшной буре. Однажды моряки рассказали художнику, что во время шторма волны идут по нарастанию и самым сильным и высоким всегда оказывается девятый вал, именно он губит корабли. Но если судну удается его преодолеть, появляется надежда выжить, потому что затем волны пойдут на спад. После окончания Академии художеств Айвазовский путешествовал по Европе и попал у берегов Испании в сильный шторм, где увидел воочию, что такое девятый вал. На берегу уже не верили, что корабль вернется, и начали готовиться к похоронам, но все закончилось благополучно. Как потом вспоминал художник, рискуя жизнью, он вышел на палубу, чтобы в мельчайших деталях запомнить этот роковой момент и ощутить всю мощь бушующей стихии. Эти впечатления он воплотил в своей самой известной картине «Девятый вал». Люди цепляются за оторванную мачту, а на них надвигается девятый вал, но яркое солнце, пробивающееся сквозь тучи, дает надежду, что им удастся пережить шторм, как когда-то удалось автору полотна.

Тревожная стихия или «Черное море» (1881)

Тайны 5 мистических полотен Ивана Айвазовского

Если романтичный «Девятый вал» наполнен светом надежды, то в картине «Черное море» мы видим тревожную стихию. Небо затянуто тучами, надвигается буря, одинокий парусник на горизонте спешит вернуться в порт. Это одно из самых драматичных полотен Айвазовского, которое ознаменовало новый реалистичный этап в творчестве художника. Глядя на картину, можно ощутить, как могучие темные волны надвигаются прямо на зрителя. Другой великий художник XIX века Иван Крамской считал эту работу самым сильным творением Айвазовского. Не случайно он изобразил фрагмент этого полотна на своей картине «Неутешное горе», разместив мрачный морской пейзаж над детским гробиком. Картина надвигающейся бури стала отражением внутреннего горя матери, потерявшей ребенка.

Найди убийцу, или «На смерть Александра III» (1894)

Тайны 5 мистических полотен Ивана Айвазовского

Свое самое мистическое полотно Иван Айвазовский написал после того, как получил известие о смерти императора Александра III, которого знал лично. Эта картина наполнена горем и скорбью, которые пережил художник. Она производит настолько гнетущее впечатление, что сейчас картина находится в отдельном зале Феодосийской галереи. Считается, что она приносит несчастье всем, кто на нее посмотрит. Если долго вглядываться в полотно, то в тумане можно разглядеть образы призраков. Сквозь мрачные очертания Петропавловской крепости и набережной Невы проступают воды реки мертвых Стикс. Образ женщины в черном, аллегории скорбящей вдовы, при определенном ракурсе может показаться мужчиной с усами. Одним он напоминает террориста, который покушался на Александра III, другим – последнего российского императора Николая II. Картину случайно обнаружили и представили публике в начале 2000-х годов, правда выставлялась она недолго.

Встреча на кладбище, или «Штиль у крымских берегов» (1899)

Тайны 5 мистических полотен Ивана Айвазовского

Эта картина отличается от остальных полотен Айвазовского, она пропитана духом спокойствия и безмятежности. Художник написал этот пейзаж в 82 года, когда наконец обрел семейное счастье. Однако встретил он свою последнюю любовь при весьма трагических обстоятельствах: Айвазовский увидел свою будущую супругу Анну Саркисову-Бурназян на похоронах ее мужа. Шел 1882 год, Анне в тот момент было всего 25 лет, а художнику – 65, но они полюбили друг друга с первого взгляда. Спустя год, когда молодая вдова выдержала положенный траур, они поженились. Несмотря на огромную разницу в возрасте, их брак оказался очень счастливым, а картина «Штиль у крымских берегов» стала отражением гармонии, любви и умиротворения, царивших в душе художника в последние годы его жизни. Он умер в возрасте 83 лет за работой.

Источник

Кактусы возле компьютера борются с излучением, а фиалки растут только на солнечной стороне? Цветы возле кровати держать вредно для здоровья? Эти и другие вопросы волнуют всех, кто занимается разведением цветов в квартире.


1_1161


Цветы возле кровати: быть или не быть?

На самом деле, это дело каждого. И если вам нравится просыпаться утром и видеть свой любимый цветок первым после солнечных лучей, то ваше право побаловать себя. Другой вопрос, ядовиты листья или нет и можно ли дышать рядом с таким растением, могут помешать такому эко декору возле кровати. И конечно, безопасность\6 одно неловкое движение утром и горшок с цветами может оказаться на полу.


2_1136


Зеленые растения в ванной

Некоторые тропические растения требуют родных условий обитания, поэтому тепло и влажная среда в ванной комнате им только на пользу. Однако помещение в среду с влажностными температурными режимами выдерживают далеко не все растения, а еще те, которые помимо жары и влаги любят яркое искусственное освещение.


3_17.


На верней или высокой полке шкафа

Не все растения выдерживают теплый воздух под потолком, и не все хозяйки способны ежедневно поливать, приставляя к шкафу стремянку. Поэтому эти две основные причины: температурные условия и сложность полива могут стать препятствием размещения растений на высоте. Нередко вода скапывает на пол или горшок иногда падает – следует также учитывать эти неудобства.


4_934


Кактусы возле компьютера

Конечно же, это миф, который придумали любители колючих южных растений. Возможно, компьютеру растения и не повредят, но самим растениям излучение точно не пойдет на пользу. Вентиляция компьютера сушит воздух, к тому же не все растения любят шум работающей техники.


5_862


Растения на кухне

Нет такой хозяйки, которая хотя бы раз в жизни не ставила цветы и растения на кухне, особенно те, что очищают воздух. Есть два условия размещения зелени в кухонном пространстве. Во-первых, там, где нет жира, жара и пара. Во-вторых, в хорошо освещенном месте, но не на сквозняке. И лучше, если вы выделите для них особое место, но это вопрос решаем в просторной комнате.


6_683


В игровых комнатах

Растения, препятствующие движению ребенка, в комнате ставить нельзя, поскольку они становятся потенциально опасными для детей. Страдают не только дети, но и сами растения, случайно падающие с подоконника на пол.


7_633


На радиаторах

Даже недалеко от радиатора воздух сухой и очень теплый, что не является хорошим условием для роста растений. Если поставить цветок некуда, только на подоконнике, выход многие видят в увлажнении воздуха, что полезно не только для растений, но и человека. Или воспользуйтесь хитростями садоводов, например, мокрые полотенца на батареях, защитные пленки или экраны.


8_535


В зоне доступа животных

Животные, особенно коты, любители поиграть с ветками и листьями растений. Они также любят погрызть зелень из-за нехватки витаминов и т.д. Разбираться в плохом воспитании котов некогда, поэтому лучше найти место, где у животных не будет возможности добраться до растения.


9_422


На открытом солнце

Южная сторона квартиры подходит не всем цветам, ибо жаркие солнечные лучи мало кто из них выдерживает. Комнатные растения, за исключением суккулентов, любят рассеянный дневной свет.


10_379


На полу в местах большой проходимости

Пальмы в кадках зачастую стоят там, где есть место и не всегда это угол комнаты. Цветы на полу – результат модного эко стиля. Однако не всегда такое положение приносит удовольствие жильцам. Во-первых, можно споткнуться, во-вторых, на проходах гуляет сквозняк, что очень вредит растению, так же, как и сухой воздух.


11


Источник фото: Pinterest

Источник

Картина-убийца: мистическая загадка автопортрета Ван Гога

«Автопортрет в соломенной шляпе» Винсента Ван Гога историки называют картиной-путешественницей, а мистики – картиной-убийцей. И у тех, и у других есть на то веские основания. История этого шедевра, написанного нидерландским живописцем, тесно связана с судьбой коллекционера Амбруаза Воллара. Цепь загадочных событий началась, когда однажды он узнал, что у автопортрета есть «двойник», который приносит несчастья своим владельцам…

Амбруаз Воллар – известный коллекционер и торговец картинами. В XIX веке он прославился благодаря тому, что прекрасно улавливал тенденции развития современной живописи и часто покупал за сотню франков полотна, который через годы оценивались в целое состояние. Воллар был одним из первооткрывателей Ван Гога для широкой публики, он высоко ценил творческую манеру художника и знал его картины. В частности, именно он проводил экспертизу «Автопортрета в соломенной шляпе», когда полотно покупал Ротшильд.

Картина-убийца: мистическая загадка автопортрета Ван Гога

Коллекционер и торговец картинами Амбруаз Воллар

Зная, что картина украшает зал в доме барона-миллионера, Амбруаз без тени сомнения назвал подделкой холст, который однажды под рождество принес в его лавку бродяга. Он просил за картину тысячу франков, Амбруаз назвал полотно мазней и выгнал нищего вон. На следующий день к торговцу картинами пожаловал полицейский, он сообщил ему пренеприятную новость, что бродяга от отчаянья бросился в Сену, выкрикнув напоследок имя Воллара. Учитывая авторитет коллекционера, никто не собирался признавать его виновным в смерти бродяги, но все же сам Амбруаз был расстроен. Он смотрел на полотно и отказывался верить в историю, рассказанную нищим, что якобы он получил этот портрет от друга-путешественника, который, в свою очередь, работал официантом в баре, где частенько отдыхал художник. Ван Гог подарил ему автопортрет, когда официант поделился с ним, что планирует служить юнгой корабле и много путешествовать. Художник мечтал, что таким образом портрет осуществит мечту создателя о поездке в неизведанные страны.

История казалась Амбруазу нереальной, он в который раз смотрел на портрет и вдруг, протерев краски, увидел, как сквозь пыль и грязь стали просвечивать солнечные цвета вангоговской палитры. Сомнений не оставалось, перед Амбруазом был оригинал-дубль портрета, хранившегося у Ротшильдов.

С этого момента началась мистическая история картины: Воллар тут же постарался продать ее, но всех последующих владельцев полотна постигали несчастья. Вначале она была куплена аргентинским землевладельцем, его дочь, которая захотела лично забрать картину, погибла, возвращаясь с полотном, от рук своих любовников (мужчины случайно встретились и, уличив в измене неверную возлюбленную, убили ее). 

Картина-убийца: мистическая загадка автопортрета Ван Гога

Портрет Жоржа Клемансо

Картина была возвращена Амбруазу, и тот отдал ее политику Жоржу Клемансо. Как только полотно повесили на его террасе, Клемансо пережил покушение, в него стрелял неизвестный. А на следующий день к нему в гости заглянул промышленник Генри Фрик, подозрительно посмотрел на тяжелую раму картины и предостерег Жоржа от ее возможного падения. Практически сразу же картина с грохотом упала на пол, едва не покалечив Клемансо, сидевшего рядом. 

Картина-убийца: мистическая загадка автопортрета Ван Гога

Портрет промышленника Генри Фрика

Следующим владельцем картины стал Фрик. Казалось, портрет перестал «гневаться», поскольку промышленник постоянно возил картину за собой по миру, экспонировал на выставках по всей Америке. Беды начались только после смерти Фрика: автопортрет Ван Гога перешел во владение дочери промышленника, картина к тому времени оценивалась в миллионы долларов, и было принято решение хранить ее в сейфе. Как только портрет оказался под замком, в доме начали происходить мистические события, и вызванная для консультации ясновидящая посоветовала продать картину.

Покупатель нашелся быстро, им стал испанский коллекционер, не пожалевший отдать за картину 20 миллионов. Ввезти ее в страну получилось не сразу: посредник попал в руки таможенников, картину конфисковали. Спустя время ее удалось найти в одной из нью-йоркских галерей. Вторая попытка ввезти картину в Испанию была еще более невероятной: полотно решено было везти, завернутым в ковер. Ковер вручался как ценный подарок секретарше коллекционера. Казалось, уж на этот раз все пройдет гладко, однако по нелепейшему стечению обстоятельств не подозревавшая ни о чем секретарша выбросила картон с холостом Ван Гога, приняв его за упаковочную бумагу. 

Картина-убийца: мистическая загадка автопортрета Ван Гога

Портрет Ван Гога

Историю предали огласке, но картину так и не нашли. Сегодня «Автопортрет в соломенной шляпе» выставлен в музее Детройта, вот только какой из двух картин – Ротшильда или Воллара – могут полюбоваться посетители, остается загадкой. 

Источник:

Ближе, чем в музее: как выглядит статуя обнаженного Давида на расстоянии вытянутой руки

Мраморная статуя Давида работы Микеланджело является одной из самых известных и узнаваемых в мире, и достаточно хотя бы раз увидеть это изваяние своими глазами, чтобы понять причину этой популярности. Трудно передать все величие и красоту этой скульптуры посредством фотографий, трудно понять масштаб и грандиозность работы, и потому, конечно, даже сотни кадров не заменят одного посещения галереи, однако отдельные фотографии позволяют рассмотреть скульптуру с близкого расстояния, чего в музее сделать уже проблематичнее.

Ближе, чем в музее: как выглядит статуя обнаженного Давида на расстоянии вытянутой руки

5-метровая статуя Давида была высечена из цельного куска мрамора.

Статуя Давида выполнена из цельного куска мрамора, который доставили из копей Каррары, Италия. Глыба долго пролежала, ожидая своей участи, постепенно портясь из-за воздействия осадков, пока наконец ее не признали достаточно годной для создания статуи. Микеланджело Буонарроти было 26 лет на тот момент, когда с ним заключили контракт на выполнение этого заказа. Скульптор приступил к работу 13 сентября 1501 года и работал почти без остановок два года.

Ближе, чем в музее: как выглядит статуя обнаженного Давида на расстоянии вытянутой руки

Прежде чем Микеланджело взялся за работу, кусок мрамора пролежал 10 лет, так как никто не решался выполнить такой заказ.

В начале 1504 встал вопрос куда поставить столь грандиозное творение. Заказчики собирались поставить статую возле соборного храма Санта-Мария-дель-Фьоре, но консультанты, среди которых был и Леонардо да Винчи, убедили переместить Давида в лоджию Ланци, где заседал городской совет, чтобы уберечь статую от негативного действия сил природы. На свое нынешнее место в Академии изящных искусств Давид был перенесен только в 1873 году. 

Ближе, чем в музее: как выглядит статуя обнаженного Давида на расстоянии вытянутой руки

Размеры статуи по-настоящему поражают.

Первое, что поражает посетителей Академии, пришедших посмотреть на Давида, это его размеры — скульптура достигает в высоту 5,17 метров. Вес изваяния составляет 5660 кг. Статуя изображает обнаженного Давида в момент перед схваткой с Голиафом. Обычно Давид изображался в момент торжества после победы над гигантом, и потому новый подход Микеланджело был своеобразным вызовом традициям. Давид изображен спокойным, сосредоточенным, готовым с схватке. 

Ближе, чем в музее: как выглядит статуя обнаженного Давида на расстоянии вытянутой руки

Работа над статуей заняла у скульптора более двух лет.

Ближе, чем в музее: как выглядит статуя обнаженного Давида на расстоянии вытянутой руки

Статуя изображает Давида перед схваткой с Голиафом.

Ближе, чем в музее: как выглядит статуя обнаженного Давида на расстоянии вытянутой руки

в 2003-2004 была произведена реставрация скульптуры, позволившая очистить поверхность мрамора от последствий влияния сил природы.

Ближе, чем в музее: как выглядит статуя обнаженного Давида на расстоянии вытянутой руки

Каждый год более 8 миллионов людей посещают Академию изящных искусств в Флоренции, чтобы увидеть статую Давида.

Ближе, чем в музее: как выглядит статуя обнаженного Давида на расстоянии вытянутой руки

Микеланджело приделил особое внимание всем деталям, придавая статуе невероятную реалистичность.

Ближе, чем в музее: как выглядит статуя обнаженного Давида на расстоянии вытянутой руки

То, как мог бы выглядеть Давид работы Микеланджело в реальной жизни.

Источник:

Неизвестный Морзе: непризнанный художник, изобретатель телеграфа или великий авантюрист?

Имя Сэмюэла Морзе всем знакомо благодаря его самому известному открытию – знаменитой азбуке, названной в честь изобретателя. Однако мало кто знает о том, что Морзе был еще и художником, к тому же основателем и президентом Национальной академии рисунка в Нью-Йорке. Впрочем, об эстетической ценности его работ искусствоведы высказывали весьма противоречивые отзывы, так же, как ученые – о значении его изобретений. Кем же он был на самом деле – художником, изобретателем или талантливым авантюристом?

Неизвестный Морзе: непризнанный художник, изобретатель телеграфа или великий авантюрист?

С. Морзе. Автопортрет, 1818. Фрагмент | Фото: technofresh.ru

Сэмюэл Финли Бриз Морзе родился в Америке, в семье проповедника. Свою первую серьезную работу Сэмюэл создал в 14 лет – он тогда написал удачный семейный портрет, а немного позже – картину «Высадка паломников» о прибытии первых поселенцев в Америку. Это полотно привлекло внимание известного в те времена художника В. Олстона, который предложил юноше отправиться вместе с ним в Англию для изучения живописи. Родители Сэмюэла не одобряли этих занятий, но поездке не препятствовали. И в 1811 г., в возрасте 20 лет Сэмюэл Морзе начал изучать живопись в Королевской академии.

Неизвестный Морзе: непризнанный художник, изобретатель телеграфа или великий авантюрист?

С. Морзе. Высадка паломников | Фото: holst.com.ua

Неизвестный Морзе: непризнанный художник, изобретатель телеграфа или великий авантюрист?

С. Морзе. Слева – *Умирающий Геркулес*. Справа – *Суд Юпитера* | Фото: holst.com.ua

Во время учебы в Академии Морзе создал две значительные работы – «Умирающий Геркулес» (за нее художник получил золотую медаль на выставке) и «Суд Юпитера». В 24 года юноша вернулся в Америку известным художником, однако на родине его картин никто не покупал, и он начал писать портреты на заказ. Серди них был портрет бывшего президента США Джона Адамса, а также портреты маркиза де Лафайета и пятого президента США Джеймса Монро.

Неизвестный Морзе: непризнанный художник, изобретатель телеграфа или великий авантюрист?

С. Морзе. Портреты Джеймса Монро (слева) и маркиза де Лафайета | Фото: holst.com.ua

В Нью-Йорке Морзе основал Национальную академию рисунка и стал ее президентом. В то же время он решил заняться усовершенствованием своего мастерства и продолжил обучение в Европе. Его занятия живописью были настолько усердными, что никто не мог предположить, что вскоре он займется кардинально другим родом деятельности. Позже Морзе признался: «Я посвятил свои молодые годы только живописи. Но, как оказалось, не смог забыть поразившую меня в юности фразу, услышанную на лекции по естественным наукам: «Если электрический ток встретит задержку на своем пути, он станет видимым». Эта мысль была первым семенем, из которого много лет спустя в моей голове выросло изобретение телеграфа».

Неизвестный Морзе: непризнанный художник, изобретатель телеграфа или великий авантюрист?

С. Морзе. Галерея Лувра, 1831-32 | Фото: gallerix.ru

Изобретателей телеграфа было несколько, и Морзе не был первооткрывателем: в России создателем нового вида связи был Шиллинг, в Германии – Гаусс и Вебер, в Англии – Кук и Уитстон. Но их электромагнитные аппараты были стрелочного типа, а Морзе изобрел электромеханический телеграф. Он получил патент на свое изобретение и продемонстрировал его работу в Нью-Йоркском университете. Однако ученые мужи не только не оценили его находку, но и прозвали Морзе авантюристом: дело в том, что он по сути ничего не изобрел, а просто объединил несколько успешно действующих изобретений своих предшественников. Но сам Морзе был уверен в том, что грамотное применение существующего не менее важно, чем внедрение чего-то нового.

Неизвестный Морзе: непризнанный художник, изобретатель телеграфа или великий авантюрист?

С. Морзе. Слева – Муза (портрет старшей дочери Сьюзан). Справа – автопортрет | Фото: holst.com.ua

Революционным изобретение Морзе стало благодаря не технологии передачи данных, а способу их фиксации и сфере применения. При этом Морзе не разбирался не только в последних открытиях в области электричества, но даже в основных его правилах и законах. У него не было ни специальных знаний, ни подготовки, но их заменили упорство и целеустремленность. 

Неизвестный Морзе: непризнанный художник, изобретатель телеграфа или великий авантюрист?

С. Морзе. Портреты Сэмюэла Нельсона и Кетрин Энн Рассел Нельсон, 1822 | Фото: holst.com.ua

Телеграфы с магнитными стрелками существовали и до Морзе, но они были неудобны в применении. И он решил заменить стрелку на самописец, фиксирующий полученное сообщение на протягиваемой через аппарат бумажной ленте. Значительную помощь в изобретении оказал Альфред Вейл, у которого, в отличие от Морзе, было техническое образование: он изобрел схему печатающего телеграфного аппарата и усовершенствовал телеграфный код. В результате появилась знаменитая азбука Морзе, представляющая собой комбинации коротких и длинных сигналов, зафиксированных на бумажной ленте в виде точек и тире. 

Неизвестный Морзе: непризнанный художник, изобретатель телеграфа или великий авантюрист?

С. Морзе. Ниагара, 1835 | Фото: gallerix.ru

Слава, богатство и признание пришли к нему только на склоне лет. Научно-практическую ценность его изобретения вынуждены были признать многие, даже те, кто настаивал на вторичности этих открытий. После смерти Морзе в 1872 г. его слава как изобретателя угасла, но о нем снова заговорили как о самобытном художнике-портретисте. Эти споры продолжаются и по сей день.

Неизвестный Морзе: непризнанный художник, изобретатель телеграфа или великий авантюрист?

Известный американский художник и изобретатель Сэмюэл Морзе

Источник:

Неизвестные картины Эдгара Дега: бордели, заводские трубы и совсем не зефирные балерины

Эдгар Дега вошел в историю мирового искусства как «живописец танцовщиц». Так одного из ярчайших представителей импрессионизма называли за его приверженность теме балета. Сам художник признавался, что испытывает особое наслаждение, рисуя балерин в облаке газа. Однако, кроме легких и воздушных картин, он писал и совсем иные. Тяжелые, сумрачные. В нашем обзоре – 9 неизвестных полотен мастера, созданных в необычной технике.

Неизвестные картины Эдгара Дега: бордели, заводские трубы и совсем не зефирные балерины

Сцена балета. Эдгар Дега. 1879

Картины, о которых пойдет речь в этом обзоре, экспонируются впервые. Выставка проходит в Нью-Йоркском музее современного искусства и носит название «Эдгар Дега: Странная новая красота». Все работы выполнены в технике монотипии – это особый вид графики, когда художник наносит изображение красками на металлическую пластину, а после делает единственный оттиск. По мнению куратора выставки Джоди Гауптмана, именно в технике монотипии Дега проявил себя как новатор. Эти эксперименты ставят работы великого мастера в один ряд с самыми смелыми исканиями художников XXI века. Принты Дега опережали свое время.

Неизвестные картины Эдгара Дега: бордели, заводские трубы и совсем не зефирные балерины

Танцовщица на сцене с букетов. Эдгар Дега. 1876

В молодости Дега много внимания уделял точности рисунка, он копировал полотна великих мастеров с такой поразительной скрупулезностью, что их тяжело было отличить от оригиналов. Использование монотипии в зрелом творчестве – это совершенно новый подход к творчеству. Такая техника позволяла вносить изменения в рисунок вплоть до того момента, когда, казалось бы, был нанесен последний штрих. Рисование по наитию было совершенно нехарактерным для манеры молодого Дега.

Неизвестные картины Эдгара Дега: бордели, заводские трубы и совсем не зефирные балерины

Осенний пейзаж. Эдгар Дега. 1890

Обращение к технике монотипии было для Дега интересно, поскольку давало возможность запечатлеть веяния современности. Например, картина «Осенний пейзаж» написана в 1890 году так, словно художник увидел природу из окна проносящегося поезда. Важно помнить, что сознание человека XIX века – это в большинстве своем поездки на перекладных, поэтому подобный динамизм свидетельствует о прогрессивности художника. 

Неизвестные картины Эдгара Дега: бордели, заводские трубы и совсем не зефирные балерины

Головы мужчины и женщины. Эдгар Дега. 1877-80

Благодаря «смазанной» технике монотипии Дега удавалось точно передать окружающую его действительность. Рост городов, расширение контактов… Водоворот жизни увлекал за собой мастера. И вот на его картинах – мельком увиденные лица, дышащие гарью заводские трубы.

Неизвестные картины Эдгара Дега: бордели, заводские трубы и совсем не зефирные балерины

Дым заводов. Эдгар Дега. 1877-79

Интересно и то, что только в технике монотипии Дега воссоздает образы куртизанок. Художник создает зарисовки из жизни борделей, на периферии можно заметить клиентов, замерших в нерешительности, и дам в ожидании. В центре, как правило, — пустота, пространство для обмена.

Неизвестные картины Эдгара Дега: бордели, заводские трубы и совсем не зефирные балерины

В ожидании клиента. Эдгар Дега. 1879

Особое внимание на выставке заслуживает полотно «Frieze of Dancers». Это новый подход Дега к воссозданию динамики. Что перед зрителем – четыре балерины или одна девушка, запечатленная в различные моменты? Искусствоведы традиционно относят эту работу к предтечам кинематографичности в живописи.

Неизвестные картины Эдгара Дега: бордели, заводские трубы и совсем не зефирные балерины

Frieze of Dancers. Эдгар Дега. 1895

Качественно новый подход проявился у Эдгара Дега и в работе над картиной «Три женщины в борделе. Вид сзади». Это полотно художник пишет, сочетая возможности монотипии и пастели, при этом он использует трафарет не единожды, как требовала техника, а трижды. Каждый последующий оттиск – более размытый, но в этом случае это играет на руку мастеру. Так он создает галерею силуэтов, похожих друг на друга, но вместе с тем – индивидуализированных. «Дега во всем видел больше возможностей, чем было определено правилами», — подытоживает Джоди Гауптман.

Неизвестные картины Эдгара Дега: бордели, заводские трубы и совсем не зефирные балерины

The Fireside. Эдгар Дега. 1880-85

Источник: 

Искусство мять камни

Испанский скульптор Хосе Мануэль Кастро Лопес (José Manuel Castro López)

не боится экспериментировать и создавать удивительные произведения, которые переворачивают представления о привычных вещах с ног на голову. В его руках мастерски вырезанные из кварца и гранита скульптуры создают удивительную иллюзию, будто созданы из пластилина.

Искусство мять камни

Искусство мять камни

Искусство мять камни

Искусство мять камни

Искусство мять камни

Искусство мять камни

Искусство мять камни

Искусство мять камни

Искусство мять камни

Искусство мять камни

источник