Иван Р предлагает Вам запомнить сайт «Быть умным - это модно»
Вы хотите запомнить сайт «Быть умным - это модно»?
Да Нет
×
Прогноз погоды

Основная статья: Искусство

Любовь напоказ: 16 сексуальных фантазий, запечатленных в скульптуре

Более 10 лет назад в Южной Корее открылся весьма необычный и даже, можно сказать, скандальный парк Jeju Loveland. Все, что находится на его территории, в очень откровенной форме раскрывает тему интимной жизни, а это более 140 скульптур, обучающие фильмы и разнообразные художественные и интерактивные работы. "Никаких табу, только красота природной сексуальности!"




Одна из 140 скульптур парка Чеджу Ловлэнд.



Jeju Loveland находится на острове Чеджудо.



*Больше никаких табу в сексуальной жизни!* - говорится на сайте парка.

Парк называют "местом, где эротика встречается с искусством, направленным на любовь." Конечно, некоторые могут сказать, что подобные аморальные скульптуры не имеют ничего общего с любовью. Но здесь важно знать историю возникновения этого парка. После корейской войны остров, где сегодня находится Jeju Loveland, стал чрезвычайно популярным местом для проведения медового месяца и свадебных церемоний. Теплый климат, красивые пейзажи - корейские молодожены слетались сюда, как пчелы на мед. Однако традиции страны предусматривали заключение браков по договоренности родителей, и часто новоиспеченные муж и жена видели друг друга впервые прямо на свадьбе. Учитывая, что познания молодых корейцев об интимной жизни были на непозволительно низком уровне, на острове был открыт центр сексуального образование. Более того, к делу подключились даже отели: у них были специальные служащие, помогающие преодолеть скованность и стыд молодых пар.




Тематический парк о сексуальной образованности.



Скандальные скульптуры.



Остров, популярный среди корейских молодоженов.

По инициативе одного из университетов Сеула в 2002 году 20 скульпторов начали создавать работы для будущего парка, который открылся двумя годами позже. Он занимает территорию примерно в два футбольных поля, а все скульптуры можно спокойно обойти за час. К тому же, кроме постоянной экспозиции, в парке существует также выставки работ современных корейских художников, сменяющиеся каждый месяц.




Посетителям парка должно быть как минимум 18 лет.



Сексуальные фантазии в скульптуре.



Здесь веселятся посетители любого возраста.

Тех, кто беспокоится о нравственном воспитании маленьких корейцев, организаторы парка спешат успокоить: в парк допускаются посетители только старше 18 лет, а для детей выделена небольшая площадка (совершенно приличная), где можно поиграть, пока взрослые изучают новые постельные па, высеченные в мраморе.




Парк Jeju Loveland, посвященный сексуальной жизни.



Парк в Южной Корее.



Провокационные скульптуры в парке Jeju Loveland.



Наглядное пособие по сексуальной жизни.

Несмотря на вызывающую тематику парка, его целью является, безусловно, совсем не распространение порнографии, а разрушение существующих табу вокруг сексуальной жизни.

29 май, 05:01
+377 286

Почему картины самой дорогой сегодня художницы мира Натальи Гончаровой 100 лет назад арестовывали прямо на выставках

Н.С. Гончарова - двоюродная правнучка Н.Н. Гончаровой.


Н.С. Гончарова - двоюродная правнучка Н.Н. Гончаровой.
Рассматривая творчество Натальи Сергеевны Гончаровой - художницы-авангардистки, представительницы движения "лучистов", флагмана русского модернизма, скульптора и декоратора, невольно задаешься вопросом: "А выкладывали бы коллекционеры живописи такие баснословные суммы денег за примитивные работы художницы, если бы ее не окружали публичные скандалы и аресты картин прямо в выставочных залах?" Думается, вряд ли... А обвиняла ее церковь за неординарное решение церковных сюжетов, а общественность - за пропаганду порно.



Наталья Гончарова - русская художница- авангардистка.



Работы Гончаровой очень далеки от экстравагантных работ авангардистов того времени, а куда более близки к примитивизму и реализму, что не позволяет их считать действительно авангардистскими. Однако огромный пиар вокруг творчества художницы раздули люди, имеющие в своих собраниях произведения Натальи Сергеевны. И весьма любопытно то, что в 2011 году вдруг выяснилось - более 300 картин, приписываемых Гончаровой, являются подделками. И тут возникает очередной вопрос: "Кто же так столь неистово продвигает Гончарову уже после её смерти?"



«Цветы».(1912). Автор: Наталья Гончарова.



Но как бы там ни было Гончарова на сегодняшний день является известной во всем мире художницей, картины которой продаются по невероятно баснословным ценам на арт-рынке. Согласно статистике ее работа "Цветы" (1912) была продана на аукционе Christie’s в 2008 году более чем за 10,9 миллионов долларов, полотно "Испанка"(1916) в 2010 году - за $10,7 млн, а "Сбор яблок"(1909) в 2007 году - за $ 9,8 млн. 


Личное дело




Наталья Гончарова - русская художница- авангардистка.



Наталья Гончарова (1881-1962) - дочь московского архитектора Сергея Михайловича Гончарова, принадлежащего к дворянскому роду; двоюродная правнучка жены А.С. Пушкина Натальи Гончаровой.



«Автопортрет с желтыми лилиями». Автор: Наталья Гончарова.



Проведя детство в деревне, позже всегда будет жалеть, что всю жизнь ей довелось прожить в крупных городах в то время как предпочла бы сельский быт. Ведь в будущем художницу будет всегда привлекать тематика крестьянства. Она всю жизнь, стремясь познать сущность творчества народа, коллекционировала лубок, каменных баб.



«Бабы с граблями» (1907). Автор: Наталья Гончарова.





«Хоровод». Автор: Наталья Гончарова.



Гимназию Наталья окончила с серебряной медалью, затем 3 дня проучилась на медицинских курсах и пол года на историческом факультете прежде чем нашла свое призвание. В 1901 году в статусе вольнослушателя Гончарова поступила в Московское училище живописи, ваяния и зодчества на отделение скульптуры. Там и познакомилась со своим будущим мужем М.Ф.Ларионовым. Именно он посоветовал ей не тратить время на скульптуру и заняться живописью. «Откройте глаза на свои глаза. У вас талант к цвету, а вы занимаетесь формой», — сказал он. И Наталья перешла на живописное отделение, где ее наставником стал Константин Коровин, но скульптуру она также не оставила.



«Велосипедист» (1913). Автор: Наталия Гончарова.



В 1909 году Наталья Гончарова перестала вносить оплату за своё обучение, за что была отчислена. Однако уже к этому времени она начала продавать свои картины и вести преподавательскую деятельность в Студии живописи и рисунка, а также выставляться на художественных выставках.



«Соблазнительные картины» Наталии Гончаровой: слева — «Обнаженная негритянка», справа — «Натурщица с закинутыми за голову руками (на синем фоне)».



Первая персональная выставка Гончаровой в 1910 году, где было представлено 22 ее полотна, продлилась чуть дольше суток. Несколько представленных работ в жанре ню были изъяты полицией, а экспозиция закрыта. Самой же художнице предъявили обвинение в распространении порнографии, но позже в суде ее оправдали. Больше в этом жанре Наталья не работала никогда.



«Дева на драконе». Автор: Наталья Гончарова.



Сложно было понять почему так ополчились против Гончаровой, но по всей вероятности одна из причин была в том, что для женщин-художниц в то время существовало негласное табу, ограничивающие возможности работы над обнаженной натурой.

Наталья разрушила стереотипы «женского» поведения не только в живописи, но и в жизни: ходила в рубахах, больше напоминавших рабочую одежду, брюках и кепке, снялась в футуристическом фильме «Драма в кабаре № 13» с обнаженной грудью.



«Старец с семью звездами». (Апокалипсис). (1910). Автор: Наталья Гончарова.



Через год на одной из выставок "Бубнового валета", было конфисковано еще одно полотно Гончаровой - "Бог плодородия". А еще через год православная церковь выступила с официальным запретом цикла работ "Евангелисты" на выставке "Ослиный хвост" - официальным предлогом для запрета выступило то, что сюжеты картин не соответствовали названию выставки.



«Распятие». Автор: Наталья Гончарова.



В 1914 году организаторы открывая выставку художницы уже заранее согласовали список экспонируемых работ Гончаровой. Однако не пройдет и двух дней как появится анонимный отзыв, осуждающий использование авангардистских техник для изображения религиозных сюжетов.



«Отец, Сын и Святой Дух». Автор: Наталья Гончарова.



Безусловно снова разразился скандал, и духовенство требовало немедленного закрытия выставки. Но в этот раз за молодую художницу заступились граф И.И. Толстой, вице-президент Академии художеств Николай Врангель и художник Мстислав Добужинский. И духовным сановникам пришлось отступить. Синод, вынес вердикт, что мол художница "возрождает технику древних византийских мастеров" и скандал замялся сам собой.



«Рождество Христово». Автор: Наталья Гончарова.



Большинство экспозиций Гончаровой провоцировали агрессию со стороны прессы, цензуры или оскорбленной общественности. Отец художницы выступая в защиту дочери написал открытое письмо в газету, в котором негодовал: «Ужели вы не видите в этих изображениях живого духа - духа творчества и духа исканий, не найденного еще почти никем?». 



«Портрет Натальи Гончаровой и Михаила Ларионова». Автор: Наталья Гончарова.



В 1915 году, спустя год после своего последнего столкновения с цензурой, Наталья Гончарова вместе с мужем Михаилом Ларионовым по приглашению Сергея Дягилева ненадолго переехали во Францию для работы над Русскими сезонами, однако в итоге художники решили остаться жить во Франции. Позже вернуться в Россию им помешала революция.



Н.С. Гончарова и М.Ф.Ларионов в Париже.



Они поселились в Латинском квартале Парижа, где любил бывать весь цвет русской эмиграции. Гончарова и Ларионов устраивали благотворительные балы для начинающих живописцев. В их доме часто бывали Николай Гумилёв и Марина Цветаева.



«Павлин под ярким солнцем». Автор: Наталья Гончарова.





«Сухоцвет». Автор: Наталья Гончарова.



В 50-х годах Гончарова очень много работала, её циклы «Павлины», «Магнолии», «Колючие цветы» говорят о ней как о зрелом живописце. Особенно любопытно то, что она творила в весьма широком диапазоне. Да и вообще создается такое впечатление, что она творила вообще во всех стилях.



«Весна. Белые испанки». Автор: Наталья Гончарова.





«Испанка с веером». Автор: Наталья Гончарова.



А в 60-х произошло возрождение широкого интереса к искусству Ларионова и Гончаровой, их выставки прошли во многих странах и городах Европы и Америки. Скончалась художница в Париже в 1962 году. 



Наталия Гончарова с Михаилом Ларионовым. 1956 г



Однако по прошествии 100 лет творчество Гончаровой по-прежнему вызывает споры у церковников, которые и по сей день недовольны "дескарализацией символов", обвиняют художницу в откровенном эпатаже, "декоративности без наполнения" и тому подобное.



Иконография Н. Гончаровой.



Отчасти в этом есть доля правды, так как Гончарова очень любила народное творчество, наивное искусство и примитивизм и была всю жизнь в поиске. Ведь в этом и заключена суть профессии художника - реализовывать темы через художественные способы. 

5 май, 03:30
-4 3

"Утро в сосновом лесу" без медведей: как "смухлевал" Шишкин

«Утро в сосновом лесу» является, пожалуй, одним из самых известных полотен Ивана Шишкина. Первое, что привлекает и умиляет зрителей, смотрящих на шедевр, - это медведи. Без животных картина вряд ли получилась бы такой притягательной. А между тем мало кто знает, что нарисовал зверей вовсе не Шишкин, другой художник по фамилии Савицкий.


Мастер по медведям

Константин Аполлонович Савицкий теперь уже не так известен, как Иван Иванович Шишкин, имя которого знает, наверное, даже ребенок. Тем не менее Савицкий тоже является одним из самых талантливых отечественных живописцев. В свое время он был академиком и членом Императорской Академии художеств. Понятно, что именно на почве искусства Савицкий и познакомился с Шишкиным.
Оба они любили русскую природу и самозабвенно изображали ее на своих полотнах. Вот только Иван Иванович предпочитал больше пейзажи, на которых люди или животные, если и появлялись, то только в роли второстепенных персонажей. Савицкий же, напротив, активно изображал и тех, и других. Видимо, благодаря мастерству друга, Шишкин утвердился в мысли о том, что фигуры живых существ ему не слишком удаются.


Помощь друга

В конце 1880-х годов Иван Шишкин закончил очередной пейзаж, на котором необычайно живописно изобразил утро в сосновом лесу. Однако, по мнению художника, картине не хватало какого-то акцента, в качестве которого он задумал нарисовать 2-х медведей. Шишкин даже сделал наброски для будущих персонажей, но остался недоволен своей работой. Тогда-то он и обратился к Константину Савицкому с просьбой помочь ему с животными. Друг Шишкину не отказал и с радостью взялся за дело. Медведи получились на зависть. Кроме того количество косолапых увеличилось вдвое.
Справедливости ради стоит отметить, что сам Шишкин мухлевать вовсе не собирался и, когда картина была готова, указал не только свою фамилию, но и Савицкого. Оба приятеля были удовлетворены совместным творчеством. Но все испортил основатель знаменитой на весь мир галереи Павел Третьяков.

Упрямый Третьяков

Именно Третьяков приобрел у Шишкина «Утро в сосновом лесу». Однако 2 подписи на картине меценату не понравились. А поскольку после покупки того или иного произведения искусства Третьяков считал себя единственным и полноправным его обладателем, он взял да и стер имя Савицкого. Шишкин принялся было возражать, но Павел Михайлович остался непреклонен. Он сказал, что манера письма, и в том числе и касательно медведей, соответствует манере Шишкина, а Савицкий здесь явно лишний.
Полученным от Третьякова гонораром Иван Шишкин поделился с другом. Однако он отдал Савицкому только 4-ую часть денег, объяснив это тем, что наброски к «Утру» он делал без помощи Константина Аполлоновича.
Наверняка, Савицкому было обидно подобное обращение. Во всяком случае больше он не написал в паре с Шишкиным ни одного полотна. А медведи Савицкого в любом случае действительно стали украшением картины: без них «Утро в сосновом лесу» вряд ли получила бы такое признание.


3 май, 04:57
0 0

12 известных картин, над содержанием которых и сегодня спорят искусствоведы и ценители искусства


Так что же на самом деле обозначают известные картины?
Нередко люди разглядывают известны полотна и даже не догадываются, какой смысл первоначально вкладывали в них художники. И даже искусствоведы порой спорят о том, что именно хотел сказать художник. В этом обзоре собраны 12 известных полотен, глубокий смысл которых сегодня практически все забыли.




1. Венера Урбинская (1538). Тициан

Венера Урбинская. Тициан.


Определенно, эта картина Тициана - одно из самых красивых и известных полотен в истории искусства. Герцог Урбино, Гвидобальдо II делла Ровеве, преподнес ее жене в подарок, чтобы холст мог быть символом всего, что она чувствовала. Герцог стремился представить брак через эротизм, верность и материнство. Венера, как богиня любви, была идеальным персонажем для отображения эротизма. Собака, лежащая на кровати, идеально подходит для представления верности. А леди, которая стоит на заднем плане за девушкой, представляет материнство и заботу.


2. Анжелюс (примерно 1858). Жан-Франсуа Милле

Анжелюс. Жан-Франсуа Милле.



Данная картина получила название по первым словам молитвы «Angelus Domini», которую крестьяне возносят, прося Бога о хорошем урожае. Стоящие на фоне сумеречного света мужчина и женщина опускают лица, смотрят на корзину и ждут, когда Бог их услышит ... или, по крайней мере, это то, что видно «невооруженным глазом». Когда Сальвадор Дали пошел в школу в Фигерасе, в одном из ее коридоров висела репродукция этой картины.

Вскоре Дали стал буквально одержим холстом Милле и начал искать людей, которые могли бы помочь ему разгадать тайну того, почему на картине такие грустные лица у людей. В итоге друг Милле сказал Сальвадору, что художник зарисовал гроб, написав поверх его корзину, поскольку посчитал, что это будет слишком мрачно для парижского общества. Позже Дали обратился к администрации Лувра и попросил провести рентгеновский анализ, чтобы окончательно разгадать тайну. Под слоем краски, которой была нарисована корзина, на самом деле было изображение чего-то квадратного, что могло быть гробом ребенка.

Сальвадор Дали также ассоциировал картину Милле «Анжелюс» с интимом и смертью. Художник утверждал, что тачка представляла половой акт, корзина была намеком на мертвого сына, и, таким образом, женская фигура демонстрирует напряженность по отношению к своему партнеру, который стоит в подчиненном положении.


3. Габриэль д’Эстре с сестрой (1594). Неизвестный художник школы Фонтенбло

Габриэль д’Эстре с сестрой. Неизвестный художник школы Фонтенбло


Габриэль д’Эстре, известная как любовница короля Франции Генриха IV, имела трех детей-бастардов, которые стали родоначальниками рода Вандом, побочной линии династии Бурбонов. Художник изобразил ее рядом с сестрой, которая сжимает ее сосок, чтобы показать зрителям, что Габриэль скоро родит (в год создания картины она была беременна одним из ее детей-бастардов по имени Сезар). Кроме того, Габриэль держит кольцо, символ ее любви к королю и брака, который она обещала ему.


4. Качели (1767). Жан-Оноре Фрагонар

Качели. Жан-Оноре Фрагонар


Эта картина изобилует эротикой, но Фрагонар, прежде всего, пытался создать пародию на прелюбодеяние посредством стереотипов. Холст был заказан молодым аристократом, изображенным в левом нижнем углу, прячущимся среди кустов роз, чтобы напоминать ему время, когда он жил с женщиной на качелях. Согласно различным источникам, молодой мужчина и женщина наслаждаются тайной любовью, что символизирует палец Купидона, прижатый к губам, как бы в знак молчания. Мужчина, который раскачивает качели, является мужем женщины, а скульптура двух маленьких влюбленных ангелов показывает то, как влюблен тот, кто качает качели.


5. Ночной кошмар (1781). Иоганн Генрих Фюссли (Генри Фюзели)

Ночной кошмар. Иоганн Генрих Фюссли


Считающаяся примером готических ужасов, эта картина Фюзели показывает спящую женщину и горгулью над ней. На самом деле это сцена овладения демоном: инкуб появляется в эротическом кошмаре женщины. На заднем плане за этим наблюдает лошадь - монстр, которого в Германии называли Nachtmahr (ночной кошмар). Его также называли лошадью Мефистофеля.


6. Смерть Марата (1793). Жак-Луи Давид

Смерть Марата. Жак-Луи Давид.


Лидер якобинцев Жан-Поль Марат был зарезан дворянкой Шарлоттой Корде в то время, когда Марат принимал ванну с серной водой, чтобы облечить кожную болезнь. Художник был близким другом Марата, и поэтому он решил нарисовать революционера как мученика, а не показывать его полную беспомощность на тот момент. Таким образом, Жак-Луид Давид выставил эту картину как пропагандистский акт героизма: работа напоминает образ снятого с креста Иисуса на картине Аньоло Бронзино.



Descendimiento de Cristo (c. 1540-1545), Bronzino.



Нож на земле определенно контрастирует с пером в руке Марата: оружие убийцы против оружия Марата в борьбы за революцию. Кроме того, даже мертвый революционер все еще держит перо в руке. Это подчеркивает, что даже смерть не может удержать его от его своих обязанностей.


7. Поцелуй (1859). Франческо Айец

Поцелуй. Франческо Айец


Хотя на первый взгляд эта картина показывает прощание двух влюбленных, она имеет скрытый смысле: в 1859 году королевства Пьемонт и Сардиния подписали союз с Францией для борьбы с Австрией. По этой причине главные герои носят синий, красный, белый и зеленый цвета, представляющие собой флаги Италии и Франции, объединенные пактом столь же страстным, как эти двое влюбленных.


8. Завтрак на траве (1882). Эдуард Мане

Завтрак на траве. Эдуард Мане


В этой импрессионистской картине Мане подчеркивает свет как один из важнейших элементов его творчества. Также имеют большое значение все фигуры на картине: и перевернутая корзина с фруктами в левом нижнем углу, и обнаженная женщина, которая бесстыдно смотрит на зрителя. Таким образом, Мане удалось показать антагонизм, существующий между воображаемым и реальным. При всем этом самое любопытное, что, хотя благодаря игре со светом и цветами Мане стал одним из лучших художников-импрессионистов, эта картина является переинтерпретацией работы «Сельский концерт» Тициана.



«Сельский концерт». Тициан





9. Бар в «Фоли-Бержер» (1832). Эдуард Мане

Бар в «Фоли-Бержер». Эдуард Мане



Как и в предыдущей картине, Мане попытался передать игру света. В этом случае, речь идет об искусственном освещении в баре «Фоли-Бержер». На переднем плане показана официантка, но самая интересная часть работы - это то, что находится по левую руку от нее. Хотя многие говорят, что это еще одна официантка, на самом деле это зеркало. Однако отраженное изображение не соответствует настоящему, поскольку позы женщины не совпадают в точности, равно как и не совпадает с оригиналом отражение бутылок на барной стойке. Считается, что так художник хотел подчеркнуть разницу между реальным и вымышленным, между настоящим и другим временем, между социальными классами.



10. Мадам X (1883 - 1884). Джон Сингер Сарджент

Мадам X. Джон Сингер Сарджент



Красотой Виржини Готро восхищалась вся Франция. Многие художники просили светскую львицу стать их музой, однако она всегда отвергала их. Сарджент, которому в то время было двадцать лет, связался с Готро через общего друга, написав ему: «Я очень хочу нарисовать ее портрет, и я думаю, что она примет его как великую дань ее красоте ... если Вы можете, то передайте ей, что я человек с потрясающим талантом». После двух лет упрашиваний Готро согласилась.


Тем не менее, картина почти разрушила карьеру художника, который после того, как его начали презирать, был на грани отказа от живописи и собирался заняться музыкой. «Мадам X», портрет мистической женщины в черном платье с золотыми бретельками, которая надменно смотрит вдаль, подвергся суровой критике. Разразился такой скандал, что мадам Готро была вынуждена удалиться от светской жизни, а художник переехать в Великобританию, а затем в США.


11. Поцелуй (1907-1908). Густав Климт

Поцелуй. Густав Климт



Недавние исследования утверждают, что картина, которая когда-то считалась самой романтичной в истории искусства, на самом деле является интерпретацией мифа Овидия. Аполлон был проклят Эросом за то, что тот высмеял его. Затем Эрос сделал так, чтобы Аполлон влюбился в нимфу Дафну, которая чувствовала отвращение и презрение к нему. Когда Аполлон попытался приблизиться к Дафне, та попросила о помощи, и отец превратил ее в лавр. Согласно этой теории, «Поцелуй Климта» представляет собой тот момент, когда Аполлон, переполненный желанием и страстью, обнимает нимфу, а та начитает превращаться.


12. Карта (1961). Джаспер Джонс

Карта. Джаспер Джонс


Джонс создавал свои парадоксальные карты, которые мало кто понимал. Некоторые уверяют, что так он пытался полностью стереть границы между государствами, чтобы подчеркнуть политическую несостоятельность современных границ. Кроме того, его картины, как и полотна многих художников той эпохи, стремились отразить потерю индивидуальности и появления однородной идентичности с ростом потребительства.


26 апр, 04:28
0 0

Неизвестный Айвазовский: Завораживающие зимние пейзажи прославленного мариниста


Зимний пейзаж. И. Айвазовский. | Фото: liveinternet.ru.

Прежде всего, Иван Айвазовский запомнился потомкам как выдающийся маринист. Морские пейзажи ему давались превосходно, несмотря на то, что художник никогда не писал их в открытом море. Но кроме марин в коллекции Ивана Константиновича находились картины с «сухопутными» сюжетами. Настоящей редкостью стали зимние пейзажи Айвазовского, которые завораживают с первой же секунды.





Мельница, 1874 год.



У большинства людей имя Ивана Константиновича Айвазовского ассоциируется с картинами на морскую тематику, но истинные ценители творчества художника знают, что он писал не только марины. Его зимние пейзажи заслуживают отдельного внимания.




Зимний пейзаж. И. Айвазовский, 1876 год.


Картина «Зимний пейзаж» была написана в 1876 году. Судя по тому, что дорога еще не занесена снегом, автор, наверное, изобразил начало зимы. Тщательный подбор цветовой гаммы позволяет понять, что деревья покрыты инеем и ледяной коркой.




Зимний пейзаж. И. Айвазовский, 1874 год.


Чтобы передать «суровое дыхание» зимы, художник использовал синие, серые, розовые, небесно-голубые оттенки. При взгляде на некоторые полотна, кажется, что вот-вот подует ветер, или послышится шум деревьев.




Зимний обоз в пути. И. Айвазовский, 1857 год



Исаакиевский собор в морозный день. И. Айвазовский.

За всю свою жизнь Айвазовский написал около 6 тысяч картин. При жизни живописца состоялось 120 его персональных выставок.




Зимняя сцена в Малороссии. И. Айвазовский.







источник

26 апр, 01:01
+31 5

Уже 125 лет миллионы людей смотрят на эту картину Ван Гога. Но ЭТО заметили в ней только сейчас!

Оказывается, Винсент Ван Гог был не только гениальным художником, но он также был не менее блестящим ученым. Наука и искусство, казалось бы, понятия противоречивые. Но живопись как визуальный вид искусства способна объяснить сложные понятия намного доступнее, чем заумные научные теории.

В то время, когда Винсент Гог в 1889 году проходил лечение в психиатрической больнице в Арле, Франция, после того, как он в припадке эпилепсии отрезал себе ухо, ему удалось изобразить на одной из своих самых знаменитых картин - «Звездная ночь» то, над чем множество ученых со всего мира до сих пор ломают голову. Великий мастер нарисовал турбулентность. То, что практически невозможно передать с помощью математических вычислений, гениальному художнику удалось подать с помощью искусства.
То что же всё-таки такое турбулентность? Турбулентность - это понятие гидродинамики, заключающееся в том, что при увеличении скорости течения жидкости или газа в среде самопроизвольно образуются многочисленные мелкие и крупные вихри или, как их еще называют, фрактальные волны. Это выглядит примерно вот так:


Ученые этот невероятный факт о вечном творении, которое Ван Гог, находясь в лечебнице с отрезанным ухом, изобразил более 100 лет назад, сумели заметить только сейчас. Еще в 2004 году, используя космический телескоп «Хаббл», исследователи увидели вихри пыли и газа, которые напомнили им «Звездную ночь». Никому из известных художников-импрессионистов так и не удалось превзойти Ван Гога в соприкосновении науки и искусства.

Даже трудно себе представить, как художнику более 125 лет назад, в не самое лучшее для себя время, удалось на своем самом знаменитом полотне изобразить одно из самых сложных понятий в гидродинамике. Что не говори, а гениальные умы опережают свое время. Расскажи об этом интересном факте любителям науки и искусства - они будут поражены!
Источник

25 апр, 05:01
+64 127

Йоко: Женщина, которая сделала из Леннона феминиста и пацифиста


Джон Леннон называл свою вторую жену своей гуруПосле того, как её третий муж умер и стал легендой, Йоко Оно навсегда осталась в его тени. И, тем не менее, продолжила свой собственный путь - как музыкант, как художница. Для одних она - та, что разбила “Битлз”, для других - та, что создала Джона Леннона. Но прежде всего она - это Оно.




Правильная девочка Йоко


Йоко родилась в 1933 году в Японии в семье, далёкой от богемности. Её родители - из почтенных аристократических родов. Йоко родилась в Токио и жила там с матерью до в раннем детстве - отец в это время работал в США, в Сан-Франциско, одним из топ-менеджеров американского отделения Банка Японии. Мать Йоко дважды делала попытку переехать и жить с мужем. Первый раз ей пришлось вернуться в Токио через год, поскольку господина Оно перевели в Нью-Йорк и ему было нужно время, чтобы там устроиться. Второй раз, снова пожив вместе с мужем и отцом около года, госпожа Оно с дочерью вернулись на родину из-за начавшейся Второй Мировой войны.



Семья Оно с маленькой Йоко


И правильно сделали: в 1941 году США вступила в войну на стороне СССР и Великобритании, то есть - против Германии и Японии. Оставшихся в Штатах японцев, включая тех, у кого было американское гражданство, интернировали в специальные лагеря.

В Японии Йоко закончила престижную школу для детей аристократов - её одноклассником был сам наследный принц, ныне император Японии. Стала первой девушкой на философском направлении школы. Но её манил экзотический мир европейцев, с которым она соприкоснулась в детстве. Она захотела учиться в американском колледже. Родители сочли это достаточно престижным, и Йоко поступила в колледж искусств. Она собиралась стать оперной певицей. В общем, она была очень хорошей японской девушкой.



Йоко учили играть на пианино, которое она ненавидела так сильно, что даже притворно падала в обмороки, чтобы прогулять урок



Юная бунтарка


Чтобы понимать жизнь и творчество молодой Йоко, надо помнить, как только что закончившаяся война повлияла на мир. Раны, которые народы нанесли друг другу, были ужасающи. Японцы опустошили восточное побережье Китая, убивая жителей ради развлечения, из злобы или в ходе жесточайших экспериментов. Американцы сбросили атомные бомбы, уничтожив крупные промышленные города Хиросиму и Нагасаки. С людьми, естественно. Люди обратились в пепел. Что происходило в Европе, каждый житель бывшего СССР помнит прекрасно. Горы из детской обуви в освобождённых концлагерях заставили задаваться вопросом - где границы бесчеловечности для человечества?

После войны во все странах-участницах действовали сильнейшие противоположные векторы. Одни мечтали, чтобы жизнь стала как можно более “довоенной”, консервативной, уютной, полной мягких диванов и домашних блюд. Другие считали, что человечеству необходим радикальный скачок вперёд, в мир, который не готов вспыхнуть войной в любую секунду. И в искусстве, и в общественной мысли радикальный консерватизм боролся с радикальным же стремлением в будущее - куда угодно, но как можно дальше от всего, чем было человечество раньше.

Радикально новая музыка (рок-н-ролл), радикально новые танцы. В визуальном искусстве формируется авангардистское течение - то есть такое, которое стремится вперёд и делает это быстрее всего прочего человечества.



Йоко в колледже


В США Йоко прониклась этим стремлением вперёд, прочь от тех цивилизаций, которые и начинали войны, включая последнюю. Для начала, она стала феминисткой и вышла замуж в 23 года за мужчину, которого выбрала не просто сама, а вопреки воле родителей - молодого и нищего композитора Тоси Итиянаги. Они познакомились в Нью-Йорке, где Тоси учился в одной из самых крутых школ искусств в США.



Йоко и её первый муж (слева)


Йоко не только интересовалась авангардной музыкой, но и решила попробовать себя как художница. Новое визуальное искусство не предполагало обязательного умения или желания рисовать. В качестве инструментов можно было использовать буквально всё, на что было можно смотреть. У Йоко быстро сформировался особый стиль. Многие авангардисты были сосредоточены на обмане ожиданий вплоть до насмешки над публикой, на разрушении предметов, на удивлении ради удивления - чистый протест против того, чтобы увязать в старых, пыльных шаблонах.

Инсталляции Йоко всегда имели чёткую, не сразу очевидную идею. Они не обманывали зрителя, хотя и хватали его стереотипы, чтобы вывернуть потом наизнанку. Йоко также предпочитала холодноватые по цветовой гамме, почти стерильные инсталляции с очень чёткими линиями предметов. Этот стиль намного позже потряс воображение Джона Леннона.



Йоко на фоне одной из своих инсталляций


Возможно, всё это делало искусство Оно несколько конформным и “беззубым” по меркам авангардистов, но на родине, в том числе у родителей, оно вызывало шок. Выбора и творчества дочери они понять не могли.

Пожалуй, единственные знакомые, кто в Японии мог оценить творчество Йоко, были русская жена дяди Йоко Анна и её сестра Варвара Бубнова - вторая сама была художницей-авангардисткой и выставлялась ещё с двадцатых годов.


Художница в отчаянии


Йоко устраивала выставки, ставила спектакли, но внимание широкой публики они не привлекали. Йоко жаждала славы, а получала максимум признание среди любителей жанра. Это выводило её из себя. Гиперэмоциональная по характеру, она билась в истерике, устраивала полупоказательные попытки суицида - раз за разом её спасал муж. Но его терпения хватило ненадолго. Отношения Тоси и Йоко охлаждались, пока, наконец, он не уехал в Японию, оставив жену в США.

После очередной попытки суицида слухи об эмоциональных срывах Йоко дошли до её родителей. Они забрали дочь и положили на лечение в дорогую психиатрическую клинику. Тогда же Тоси оформил с ней развод. Йоко чувствовала себя раздавленной. В таком состоянии и нашёл её самый горячий поклонник её творчества, американец Энтони Кокс. Как только он узнал, что родители насильно вывезли художницу в Японии, он кинулся следом. В больнице выхаживал её, а потом сделал предложение. В США они вернулись вместе.



Йоко со вторым мужем


Энтони во всём поддерживал жену, в чьё дарование глубоко верил. Она выпустила сборник стихов, родила от него дочь Киоко, сделала небольшой вклад в историю авангардистских фильмов и продолжала работать над выставками.

В 1966 году Йоко, Энтони и трёхлетняя Киоко выехали в Лондон - у Йоко была выставка, а семья поехала её поддерживать. На эту выставку и пришёл Леннон. Как он сам вспоминал, его поразила одна инсталляция: зрителю предлагалось подняться по стремянке под потолок, чтобы заглянуть на стену сквозь подвешенную над лестницей лупу. Леннон был уверен, что в лупе не будет видно ничего, по канонам всех авангардистов, которых он видел. Но на стене оказалось написано слово “ДА”. Этот маленький разрыв шаблона буквально очаровал певца.

А у Йоко перевернулся мир. С Энтони она была потому, что он оказался единственным, кто давал поддержку, в тяжёлый момент, когда ей так нужна была поддержка. А Джон - он оказался тем мужчиной, которого она смогла, наконец, полюбить.

Но против этой любви было всё. Две их семьи. Серьёзная разница в возрасте - Йоко было 33 года, Джону - 26. У него были и свои карьерные обязательства. А Йоко буквально сходила с ума. Преследовала Джона, звонила ему, писала записки, ночевала под дверью. Буквально терроризировала и… И Джон, вместо того, чтобы обзавестись секьюрити, бросил семью и стал с ней встречаться.


Джон + Йоко = “Битлз” - Джон


Йоко почти не говорила с Джоном о любви. Её страсть выражалась по-другому. Она делилась с ним своими взглядами, бесконечно рассуждала вслух о той или иной общественной несправедливости, о современном искусстве, о будущем и музыки, и человечества. Всё, что она говорила, поражало воображение Леннона.



Йоко и Джон в начале своего романа


Он пробовал приводить её с собой на репетиции “Битлз”, высказывал там радикально новые для всей четвёрки музыкальные идеи. Он хотел, вслед за Йоко, идти вперёд. Записал её в нескольких новых композициях группы. Бунт против разворота курса с уже проторенной денежной дорожки поднял Пол МакКартни. Остальные парни встали на его сторону, и Леннон объявил, что уходит. Из группы и вообще сильно вперёд, пока они намерены топтаться в собственном прошлом.

Группа заявила всем любопытным, что Йоко развалила проект. Однако вот что любопытно - Леннон, продолжая творить уже с Йоко, поднимался на новые вершины славы, а личные проекты МакКартни были далеко не настолько же успешны.

Леннон пришёл в феминизм, в эгалитаризм (идею всеобщего равенства в правах и предоставляемых обществом возможностях), стал сначала резким пацифистом, потом, напротив, радикальным социалистом, мечтающим о революции. В каждом его новом слове и в каждом новом творении чувствовалось теперь дыхание Йоко.



Знакомых Леннона пугало то, насколько сильно на него влияет Оно


Про одну из самых популярных своих песен, “Imagine”, например, Леннон открыто говорил, что Оно должна считаться её соавтором. Сама концепция была заимствована Ленноном из сборника Оно, где каждое стихотворение начиналось с этого слова. Другой хит Леннона, “Give Peace a Chance”, тоже был написан под сильным влиянием Оно.

Песня Йоко “Sisters O Sisters”, выпущенная в 1972 году, стала одним из феминистских гимнов. Песня Леннона с теми же мотивами “Woman Is A Nigger Of The World” (название отсылает к практике использовать слова типа “девчонка” как оскорбления и эксплуатации женщин) настолько же популярной не стала.

Джон и Йоко давали концептуальные интервью - самое знаменитое, конечно, то, что в пижаме. Эти двое просто отвечали на вопросы любого, кто зайдёт, лёжа в пижамках на кровати. И такой простой жест вдруг раз, и впрыгнул в историю - и искусства, и движения пацифистов, поскольку Джон и Йоко говорили в основном о мире и войне. Влюблённые выпустили 8 альбомов. Один из них вошёл в сто лучших альбомов двадцатого века по версии журнала “Rolling Stones”.

Пара переехала в Нью-Йорк, поскольку Йоко было важно видеться со своей маленькой дочерью. Бывший муж пытался добиться лишения Йоко родительских прав.

Союз Оно и Леннона не был безоблачным. На одной вечеринке Джон, будучи под наркотиками, открыто изменил Йоко. Вскоре они разбежались. Но через два года помирились. У них родился сын Шон. На первые пять лет его жизни Джон отошёл от творчества и активизма - теперь его больше интересовало возиться с ребёнком. Йоко продолжала активно творить, сосредоточившись на некоторое время на выставках.


Жизнь после смерти (Джона)


В 1980 году Джон вернулся в музыкальный мир с новым альбомом, “Double Fantasy”. На обложке был запечатлён поцелуй Джона и Йоко. Песни внутри были тоже записаны совместно: на каждую композицию Леннона - запись от Оно. Возвращение нельзя было назвать триумфальным, но оно, тем не менее, порадовало поклонников.

У пары снова бросились брать интервью и автографы. После одного из интервью Джон и Йоко рука об руку входили под арку своего дома. В этот момент раздалось пять выстрелов. Джон упал, истекая кровью, Йоко принялась звать на помощь. Моментально подлетела полицейская машина, за считанные минуты певца довезли до больницы. Но он был пробит четырьмя пулями и умер от кровопотери, едва оказавшись в руках врачей.

Йоко оказалась очень крепкой женщиной. Ей давно уже за 80, и она творчески активное и продолжает громко высказывать мнение по общественным и политическим вопросам.



Йоко Оно


Она написала десять книг (часть из которых посвящены погибшему возлюбленному), записала восемь сольных музыкальных альбомов, часть из которых были высоко оценены критиками, а порой приходились по вкусу и широкой публике (хит из альбома “Starpeace” “Hell in Paradise” висел в разных чартах достаточно высоко). Время от времени продолжала устраивать выставки. Она ведёт Инстаграм и Твиттер - в последнем, например, она поддержала кампанию против домогательств, а в ответ на новость об избрании Трампа записала крик и выложила его как самое точное выражение её мнения по этому поводу. Устраивала Твиттер-конкурс хокку среди пассажиров лондонского метро. И, хотя Йоко перенесла в 2016 году инсульт, очень даже возможно, что она найдёт, чем нас ещё удивить. 

20 мар, 04:30
+1 3

«Парижское кафе»: История скандальной картины Репина, которая побила рекорд аукционных торгов


«Парижское кафе» (1875). Фрагмент. Автор: Илья Репин.
2011 год стал знаковым для истории русской классической живописи. Впервые за практику мировых аукционов картина художника-классика вошла в топ-10 самых дорогостоящих русских классических произведений. На международных аукционных торгах дома Christie’s в Лондоне полотно Ильи Ефимовича Репина «Парижское кафе», побившее ценовой рекорд, было продано с молотка за 4 521 250 фунтов стерлингов (7 383 201 долларов).





Илья Репин. Автопортрет.




Предыстория создания и скандал, связанный с картиной «Парижское кафе»


В 1871 году при окончании Петербургской Академии художеств за полотно «Воскрешение дочери Иаира» Репин был награжден Большой золотой медалью Академии, получил звание первоклассного художника и право на шестилетнее обучение в Италии и Франции. И в качестве пенсионера от Академии он через два года с семьей отправляется в поездку, конечным пунктом которой будет Париж.



«Воскрешение дочери Иаира». Автор: Илья Репин.



Оказавшись в этом вожделенном городе, Репин был немного разочарован, не очень то увлекла старинная живопись русского художника, а вот новомодные течения в искусстве в полной мере его заинтересовали. И именно в Париже он путем экспериментов выработал индивидуальный творческий подход и свой почерк.

В качестве такого эксперимента и была картина «Парижское кафе», написанная в 1875 году, кардинально отличающаяся от предыдущих работ мастера и, которую живописец вопреки всем правилам Императорской Академии выставил весной того же года в парижском Салоне под названием «Кафе на бульваре (Le Cafе du Boulevard)». В те времена русским художникам, выехавшим от Академии художеств за границу, участие в Салонах категорически запрещалось.



«Парижское кафе».(1875). Автор: Илья Репин.



Появление же написанного в буржуазном духе «Парижского кафе» вызвало грандиозный скандал среди прогрессивной общественности России. Этот поступок живописца вызвал бурю критики и со стороны русских корифеев от искусства в сторону "несознательного" молодого автора, отошедшего от русской тематики и в сторону самого произведения. Художника обвинили в отсутствии национальной темы, так как все в России видели в нем исконно русского живописца, способного ярко отразить народный дух и его страдание: на тот момент еще свежа была память о его "Бурлаках на Волге"(1870-1873). А о сюжете самого полотна «Парижское кафе» и говорить было нечего: мастер изобразил либерально-раскрепощенное парижское общество, чуждое отечественному обывателю.

На самом же деле Илья Репин первым из русских художников, взял на себя смелость кинуть вызов самим европейским живописцам новомодных течений. Так, картина «Парижское кафе» была создана ранее нежели полотна французских мастеров Ренуара и Мане, с изображением групповых портретов отдыхающих парижан в кафе или барах, которые впоследствии стали классикой импрессионизма. 


Работа над картиной. Прототипы главных героев «Парижского кафе»


С небывалым рвением художник работал над этим полотном, размеры которого составили 1,7 метра в высоту и 2,7 - в ширину. Но первоначально художник создал множество этюдов, написанных с натуры. При этом на натурщиков Илья Ефремович денег не жалел и ему очень часто приходилось приостанавливать работу из-за нехватки средств даже на еду.



«Парижского кафе». Фрагмент.



Композиция картины построена как мизансцена, где на первом плане изображена "красавица с соболиными бровями и вызывающе гордым видом", являющаяся центром полотна, вокруг которой развивается сюжет. На тщательно проработанном первом плане видим множество персонажей, занятых кто беседой, кто чтением. Но большая часть героев, как первого так и второго планов, обратила свой взор на фигуру пришедшей в кафе без сопровождения дамы.



Этюды главной героини.


Как известно с источников, Репин свое произведение неоднократно переделывал. Больше всего изменениям подверглась главная героиня полотна - дама с зонтиком, которая то вальяжно сидела на стуле, то робко стояла опираясь на тот же стул, как бы оглядываясь по сторонам. 



«Парижское кафе». Фрагмент. / Анна Мари Луиза Дамьен. (1849-1911). Фото из журнала.



Но к моменту выставки в Салоне, автор все же даму усадил на стул и изобразил "ее дерзкой и красивой, гордой, знающей себе цену — этакая типичная парижская женщина легкого поведения".
Живописцу для этого образа позировала довольно знаменитая по тем временам звезда Парижа — певица, шансоньетка, примадонна парижского театра «Буфф-Паризьен» Анна Жюдик (Анна Мари Луиза Дамьен).



Анна Мари Луиза Дамьен (1849-1911).


К слову, именно Анна Жюдик стояла у истоков французского шансона и от нее пошел новый жанр театрализованной эстрадной песни. Звезда Парижа побывала на гастролях во многих странах, в том числе и в России и имела очень много поклонников. Видимо поэтому выбор влюбчивого Ильи Репина пал на эту даму.






«Парижское кафе». Фрагмент. / Жан-Леон Жером.



Это шедевральное полотно "передает блестящую, волнующую атмосферу городской жизни, которая напоминает театр, где все зрители и все актеры", работая над созданием которого художник тщательнейшим образом выбирал натурщиков. Среди них оказались знаменитости парижской богемы: критик, художник, романист, актриса. Так, мужчина в черном костюме и цилиндре, написанный в центральной части полотна — именитый французский художник Жан-Леон Жером.



«Парижское кафе». Катюль Мендес — французский поэт. Фрагмент.



По соседству за столиком видим посетителя кафе с сигарой. Это Катюль Мендес — известный французский поэт, романист, переводчик. Знаменит был тем, что все переводы стихотворений Пушкина, Лермонтова, Тютчева переведены на французский именно им. 



«Кружка хорошего пива». (1873). Эдуард Мане. / «Парижское кафе». Эмиль Бело. Фрагмент.



У самого края полотна справа Репин усадил захмелевшего господина с бокалом пива, прототипом которого послужил профессиональный натурщик и художник Эмиль Бело. Он же на год раньше позировал скандально известному Эдуарду Мане. «A Good Glass of Beer» принесла большой успех автору.



«Парижское кафе». Англичанин и парижанин. Фрагмент.



Примечательны двое мужчин, выходящих из кафе, у которых разная реакция на происходящее: один - коренной парижанин, не удивляющийся никому и ничему, а вот второй, по всей видимости - чопорный англичанин, пристально рассматривающий даму через пенсне, не веря своим глазам.



«Парижское кафе». Мужчина, читающий газету. Фрагмент полотна. «Парижское кафе».


А вот кто был избран в качестве натурщика для фигуры мужчины, невозмутимо читающего прессу, до сих пор исследователям творчества Репина не известно.



Этюды к полотну «Парижское кафе».



Всего к «Парижскому кафе» Репин написал двенадцать этюдов, лишь пять из которых хранятся в России. Полотно писалось около года, так как художнику приходилось делать длительные перерывы, связанные с отсутствием денег даже к существованию.



Этюд к полотну «Парижское кафе».




Судьба полотна «Парижское кафе»


На главной выставке парижского Салона в 1875 году эта картина в буквальном смысле затерялось среди пяти тысяч других таких же, так как у русского художника не было нужных связей, позволивших выставить работу на более «выгодное место». Оно висело так высоко, что рассмотреть его было практически невозможным. Но по истечению трех дней «Парижским кафе» не на шутку был заинтересован один американец — вице-консул из США. Однако Илья Репин слишком высоко оценил свою работу и сделка сорвалась. Он решил: "... что за дешево он ее и в России продаст".

Свыше 40 лет эта картина пылилась в мастерской художника, пока в 1916 году не нашелся на нее покупатель - шведский коллекционер Монсон из Стокгольма, хороший знакомый и ценитель творчества Репина. С того времени полотно на арт-рынке в 2011 году появится впервые. А выставит его на продажу правнук того заядлого коллекционера "репинских" работ.



Международные аукционные торги дома Christie’s в Лондоне. 2011 год.


Бесспорным лидером "Русских торгов" аукциона Christie’s, прошедшим в 2011 году, было это гениальное творение Ильи Репина, проданное в 1,5 раза дороже первоначально заявленной оценочной стоимости. 

28 дек 17, 04:30
+4 0

«Явление Христа народу» - картина, которой художник посвятил 20 лет и которая стала причиной его смерти





«Явление Христа народу». (1837-1957). Фрагмент. Автор: Александр Иванов.
Иванов Александр Андреевич (1806 - 1858) в самом начале своей творческой карьеры написал несколько полотен на библейскую тематику. А остальные более двадцати лет он посвятил лишь одному полотну, сюжет для которого позаимствовал в Евангелии. Художник искренне рассчитывал, что его грандиозная работа "Явление Христа народу", в которую он вложил пол жизни, произведет фурор среди современников, критиков и потомков. Но, увы, картина потерпела фиаско.


Иванов Александр Андреевич - русский художник.

Будучи рожденным в 1806 году в семье живописца Андрея Ивановича Иванова, Александру как бы на роду было написано стать художником. Мальчик, с раннего детства подрастая в атмосфере любви к искусству, уже в одиннадцать лет станет «посторонним» учеником в Императорской Академии художеств, где под руководством отца начнет осваивать азы классической живописи. В процессе учебы были на счету молодого художника и серебряные медали и золотые и поездка в Европу за особые успехи. И вместо планируемых трех лет за границей Иванов прожил на чужбине тридцать три года.



«Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения». (1835).

В Италии, ознакомившись с работами великих мастеров эпохи Возрождения, Иванов увлекся религиозными сюжетами и досконально начал изучать Священное Писание, а в особенности Новый Завет. Художника манила идея написать на огромном полотне первое явление Мессии народу. Но изначально, решив испробовать свое мастерство на менее масштабной картине, он напишет в 1834—1835 годах «Явление воскресшего Христа Марии Магдалине», которая будет иметь колоссальный успех в Италии и в России. Академия художеств за это полотно в 1836 году удостоит Иванова звания академика.



«Явление Христа народу». (1837-1957). Автор: Александр Иванов.


Успех вдохновил мастера и он безотлагательно взялся за «Явление Христа народу». Кропотливый труд живописца затянулся более чем на 20 лет (1837—1857), и только в мае 1858 года Иванов решает везти гигантское полотно в Санкт-Петербург. Выставка картины и всех этюдов с натуры, а было их около 600, проводилась в Академии Художеств и произвела противоречивое впечатление на посетителей.



Надгробный памятник А.А. Иванова.



Получилось так, что все кто интересовался живописью и наблюдали за творчеством
Иванова - ожидали большего. И поговаривали, что эскизы к картине были намного впечатляющими. Остальные же зрители не прочувствовали значимости и величия момента, так как в то время бурно шло обсуждение грядущей отмены крепостного права и как-то было ни до Христа, ни до его явления. А некоторых больше впечатлил Иоанн Креститель нежели сам Мессия.

На фоне всеобщего непонимания и критических замечаний жизнь художника закончилась трагически вскоре после презентации полотна. Многие склонны были считать, что здоровье мастера подорвали стрессы из-за критики современников. А некоторые мистически настроенные приписывали это тому, что "автор сделал свое дело — автор может уходить". Скончался А.А. Иванов в июне 1858 года от холеры, захоронен в Санкт-Петербурге.



«Явление Христа народу». (1837-1957). Автор: Александр Иванов.

Спустя несколько часов после смерти живописца это грандиозное творение приобрел император Александр II за пятнадцать тысяч рублей, отдав распоряжение соорудить для него павильон в Румянцевском музее. А все эскизы выкупил Павел Третьяков. После революции 1917 года в 20-х "Явление Христа народу" было перенесено в Третьяковскую галерею, где был специально для картины построен выставочный зал.


«Явление Христа народу» (1837 - 1857) - зашифрованное послание современникам


Это полотно - Евангелие на холсте, художник замыслил как масштабное творение и выбрал для него соответствующие размеры: более пяти с половиной метров в высоту и семь - в длину. На таком гигантском полотне мастер задумал "донести до зрителя всю мощь и силу веры в деяния и слова Божьи".

Александр Андреевич с фанатизмом продумал все детали будущей работы, на одну только подготовку к которой ушло три года. Он изучал Евангелие, археологические изыскания о Палестине, объездил всю Италию в поисках нужного вида, легшего в основу полотна; посетил множество храмов и синагог разыскивая типажи исконных иудеев для натуры. Мастер написал огромное множество этюдов, эскизов и зарисовок.

На первый взгляд картина впечатляет многолюдностью и многоплановостью композиции, где автором задумано два композиционных центра, вокруг которых развивается сюжет: на первом плане - Иоанн Креститель, на втором - Мессия. И взором, переходя от образа к образу, наблюдаем за происходящим на полотне событием: появление Христа в момент крещения Иоанном Предтечей иудеев, поверивших в Спасителя, в реке Иордан.



«Иоанн Креститель и апостолы». Фрагмент.



Иоанн, за спиной которого видим апостолов Иоанна Богослова, Петра, Андрея Первозванного, увидев Христа, указывает на него движением руки. И многие из присутствующих устремили свои взоры на одинокую фигуру, идущую по пустыне. Спаситель является народу как чудо, которое предрек праведный Иоанн. Чудо которое должно было произвести коренные перемены в жизни человечества. 



«Христос». Фрагмент

Полотно наполнено большим количеством образов, противоречиво настроенных к происходящему: одни с верой и восхищением, другие с испугом и ненавистью, третьи с неподдельным интересом. Художник показал ни одного безразличного лица, все подчинены единому порыву.



«Римские кавалеристы» Фрагмент.





«Дрожащие». Фрагмент.





«Раб и господин». Фрагмент.



В центре — богатый, услышав о пришествии Мессии отшатнулся от Христа, и его обрадованный раб, о котором Иванов скажет: «Сквозь привычное страдание впервые появилась отрада». 



«Старик и юноша». Фрагмент.



Образы юноши и старика внизу картины слева, выходящих из воды, как аллегория Древнего Израиля и Израиля после пришествия Иисуса, как соотношение молодого и зрелого, старого и нового. Это образы непрекращающейся жизни. 



«Книжники и фарисеи». Фрагмент.



Интересны образы фарисеев и книжников, хранящих Закон, от лиц которых сквозит холодом, злобой, завистью пренебрежением и осуждением.



«Ближайший ко Христу». Фрагмент.



Как было сказано выше, типажи для своего творения живописец собирал годами. Так, для образа одного из героев полотна позировал сам Николай Гоголь, известный своей набожностью. Он то и вдохновил художника на создание образа темноволосого мужчины, ближайшего ко Христу. 



«Мужчина с посохом». Фрагмент.



В образе мужчины в серой шляпе с посохом, что невдалеке от Иоанна Крестителя, художник запечатлел себя. По давней традиции живописцы часто писали свои образы в картинах такого плана. Иванов также не упустил такого случая и изобразил себя в качестве ученика Иоанна Крестителя, путешествующего вместе с праведником и апостолами по миру.



«Люди за деревьями. Фрагмент».


Энергетическая мощь гениального творения Александра Иванова


Давно известно, что любое творение рук человеческих несет в себе энергетическое биополе, воздействующее на окружающих. Так, исследовав биолокационным методом «Явление Христа народу», ученые заявили, что это произведение несет в себе мощнейшую положительную биоэнергетику, что относится и ко всем остальным работам мастера. 



«Явление Христа народу». Фрагмент. Автор: Александр Иванов.



Исследование показало, что "...радиус биополя Иисуса составляет восемь метров, Иоанна Креститетя - пять, а всех остальных персонажей намного меньше. И это при том, что фигура Христа почти в три раза меньше чем все остальные образы, изображенные на холсте." 

17 дек 17, 03:00
0 0

Притча о слепых Питера Брейгеля Старшего: Аллегория, которая заставляет задуматься

Слепые (Притча о слепых). Питер Брейгель Старший, 1568 год. | Фото: artist-gallery.ru.

Слепые (Притча о слепых). Питер Брейгель Старший, 1568 год. 
«Слепые» - одна из самых знаковых картин Питера Брейгеля Старшего. Считается, что она основана на одной из библейских притч, которая гласит: «Если слепой ведёт слепого, то оба они упадут в яму». Как и практически во всех остальных полотнах художника, в этой тоже скрыта аллегория, а какая именно – разберем далее в статье.

Портрет Брейгеля. Доминик Лампсоний, 1572 год. 

Картина «Слепые» была написана в 1568 году. На ней изображена вереница слепых людей, которые уверенно шагают по дороге прямиком в яму. Первые уже упали, и остальных ждет та же участь. В основе сюжета заложена библейская притча, в которой говорится: «Если слепой ведёт слепого, то оба они упадут в яму». Смысл притчи, как всегда, читается между строк. Слепые – это не те, у кого отсутствует зрение, а те, кто следует за кем-то, слепо ему веруя. 



Слепые (Притча о слепых). 


Стоит отметить, что идея написания картины пришла в голову художнику неспроста. В те времена его родная страна Нидерланды попала в зависимость от испанцев во главе с герцогом Альба. Под предлогом борьбы с еретиками было уничтожено бесчисленное количество простых людей. Несогласных с новым режимом быстро ликвидировали, а остальные стали слепо подчиняться новым властям.



Слепые (Притча о слепых). Фрагмент. 

Если обратить внимание на лица слепых на картине, то все они намеренно искажены. И это не потому, что автор предвзято относился к увечным. Каждый из действующих лиц олицетворяет собой пороки человечества – жадность, злобу, жестокость, лживость, лицемерие, похоть. Именно они застилают глаза человеку и направляют его в «ямы» духовной безнравственности. 



Слепые (Притча о слепых). Фрагмент.



2 ноя 17, 04:30
+9 2
Темы с 1 по 10 | всего: 167

Последние комментарии

Дмитрий Подшивалов
Дмитрий Бакланов
Геннадий Кирьянов
Тут появилась такая  милая подстилка сталинско-лагерная!
Геннадий Кирьянов Интересные факты о Сталине.
Самые обсуждаемые
Любовь напоказ: 16 сексуальных фантазий, запечатленных в скульптуре

Любовь напоказ: 16 сексуальных фантазий, запечатленных в скульптуре

Более 10 лет назад в Южной Корее открылся весьма необычный и даже, можно сказать, скандальный парк Jeju Loveland. Все, что находится на его территории, в о

29 май, 05:01
+377 286
Уже 125 лет миллионы людей смотрят на эту картину Ван Гога. Но ЭТО заметили в ней только сейчас!

Уже 125 лет миллионы людей смотрят на эту картину Ван Гога. Но ЭТО заметили в ней только сейчас!

Оказывается, Винсент Ван Гог был не только гениальным художником, но он также был не менее блестящим ученым. Наука и искусство, казалось бы, понятия противо

25 апр, 05:01
+64 127
Неизвестный Айвазовский: Завораживающие зимние пейзажи прославленного мариниста

Неизвестный Айвазовский: Завораживающие зимние пейзажи прославленного мариниста

Прежде всего, Иван Айвазовский запомнился потомкам как выдающийся маринист. Морские пейзажи ему давались превосходно, несмотря на то, что художник нико

26 апр, 01:01
+31 5
«Запорожцы» Ильи Репина: почему на картине один казак без рубашки

«Запорожцы» Ильи Репина: почему на картине один казак без рубашки

Пожалуй, большинство видели картину Репина «Запорожцы» (также известную под названием «Запорожцы пишут письмо турецкому султану») много раз. Но мало кто

23 янв 17, 04:00
+27 5
Самый быстрый удар в истории боевых искусств у Брюса Ли

Самый быстрый удар в истории боевых искусств у Брюса Ли

Скорость, с которой Брюс наносил удар с расстояния в один метр, составляет всего 0,05 секунды. Для сравнения – это одна двадцатая промежутка времени, за котор

20 дек 14, 12:00
+18 10
Минусовые
На грани фола: провокационные скульптуры

На грани фола: провокационные скульптуры

«I scream Daddio» - провокационные работы британского скульптора. Центральным культурным событием этого года считается Венецианская биеннале, участие в

24 сен 17, 03:01
-20 13
Почему картины самой дорогой сегодня художницы мира Натальи Гончаровой 100 лет назад арестовывали прямо на выставках

Почему картины самой дорогой сегодня художницы мира Натальи Гончаровой 100 лет назад арестовывали прямо на выставках

Н.С. Гончарова - двоюродная правнучка Н.Н. Гончаровой. Рассматривая творчество Натальи Сергеевны Гончаровой - художницы-авангардистки, предс

5 май, 03:30
-4 3
Самые дорогие мертвецы: ювелирное искусство для христианских святых

Самые дорогие мертвецы: ювелирное искусство для христианских святых

Мощи христианских святых, превращенные в предметы религиозного искусства. Идея райской загробной жизни всегда выглядела привлекательно в глазах

13 мар 17, 04:00
-1 1
7 самых провокационных произведений искусства

7 самых провокационных произведений искусства

Искусство часто рождается на грани провкации. Представляем наш обзор произведений искусства, вызывавших наибольший протест. Обнаженный Вольтер  Cкульп

17 апр 15, 04:30
-1 5
«Поцелуй Иуды»: как 10 заповедей спасли «оскорбительную» картину

«Поцелуй Иуды»: как 10 заповедей спасли «оскорбительную» картину

Поцелуй Иуды. Около 1460 года, Англия. Фрагмент. Музей Фицуильяма, Кембриджский университет, Кембридж, Великобритания. Традиционно считается, что

22 май 16, 04:30
0 0

Сейчас онлайн

  • Куаныш Казбеков
  • Nickolas Mukin
  • viktor lukashov
  • Влад 123
  • Анатолий Чувенков
  • Виталий Овод
  • Игорь Подниекс
  • Павел Попов
  • Исчезающ ий
  • Sergiy Sydorov
  • Kordonsky Alexander
  • Андрей Баранов
  • Геннадий Корчагин
  • Tatyanka
  • Михаил Леликов
Читать

Последние комментарии

Дмитрий Подшивалов
Дмитрий Бакланов
Геннадий Кирьянов
Тут появилась такая  милая подстилка сталинско-лагерная!
Геннадий Кирьянов Интересные факты о Сталине.
Геннадий Кирьянов
Ты ещё предложи прочитать сагу старушки Мэй про отравление Скрипалей!
Геннадий Кирьянов Интересные факты о Сталине.
Геннадий Кирьянов
Смерть бандеровцам!
Геннадий Кирьянов Интересные факты о Сталине.
Людмила милая
херьянов, ты им и стал, попробовав прочитать !
Людмила милая Интересные факты о Сталине.
cкептик 2
более 2.5 млн. погибших солдат в 1 мировую---зато царь хороший...болваны((((((((((((((((
cкептик 2 7 «иуд» русской истории
Леон Ольховский
Сам гандон и фильмы такие же.Лажа!
Леон Ольховский Отгадайте, кто этот человек?
Василий Медведев
Вадим
При Конан Дойле уже были мобильники!?
Вадим 15 загадок с подвохом

Поиск по блогу

Фото
пока ни одного фото